Una de las mejores carreras creativas que habrá en 2023 es la de artistaConcepts . Concepts Los artistas trabajan en películas, programas de TV, videojuegos y otros innumerables proyectos creativos, y prácticamente todo tipo de producción artística está representada en este campo: pintores e ilustradores digitales, artistas 3d, manipuladores fotográficos, animadores y mucho más.
Pero si eres un artista joven -quizá a punto de graduarte en el instituto o en la escuela de arte- y quieres dedicarte profesionalmente al arte Concepts, ¿cómo puedes empezar? Hablamos con tres artistas conceptuales profesionales sobre sus carreras y lo que deben saber los jóvenes artistas. Las entrevistas se han editado y combinado para mayor claridad y longitud.
Entrevistado para este artículo:
- Ana Rivera(Website, Instagram) es una artista conceptual que ha trabajado para Cartoon Network, Netflix, y actualmente trabaja principalmente en la industria de los videojuegos.
- Barbra Araujo(Website, Instagram) es una artista del vestuario Concepts que ha trabajado en televisión y cine para empresas como Disney, Netflix, Paramount y muchas más.
- Sam Garcia(Website, Instagram) es un artista de desarrollo visual que ha trabajado en cine y videojuegos.
¿Recomendarías a los jóvenes artistas que fueran a la escuela de arte como hiciste tú? ¿Por qué sí o por qué no?
Barbra Araujo: Hay pros y contras en asistir a una escuela de arte y en seguir tu propia educación artística. Cada persona aprende de forma diferente, por lo que la escuela de arte puede no ser para todos. Sentí que era la única opción para mí, porque en aquel momento no había ningún recurso en línea disponible que se comparara con el nivel de educación que recibí en la escuela. También me benefició mucho tener a otros artistas a mi alrededor. Evolucionamos juntos, y nos desafiamos y apoyamos mutuamente. Mi plan de estudios de B.F.A. fue rápido e intenso y me inculcó una fuerte ética de trabajo y unas inestimables aptitudes fundamentales que llevo conmigo hasta el día de hoy. Pero la escuela de arte es cara, y no todo el mundo tiene medios o acceso a ayudas económicas.
Hoy en día, hay grandes alternativas a la escuela de arte y los artistas pueden personalizar su propio camino de educación artística. Además, unirte a grupos como la Asociación de Arte Conceptual e interactuar con otros artistas o asistir a talleres puede ayudarte a conocer a otras personas en diferentes etapas de sus viajes artísticos.
Ana Rivera: Yo recomendaría a los estudiantes que buscaran cursos online y pequeñas escuelas tipo atelier. Estudié en una empobrecida escuela de arte puertorriqueña. Era barato, pero las clases eran anticuadas y el arte no estaba orientado a la disciplina. No enseñaban pintura digital, así que tuve que aprender por mi cuenta y me llevó un tiempo. Siento que perdí impulso en esos cinco años en la universidad, porque no tuve un profesor que me guiara. Por otra parte, no tengo préstamos estudiantiles; las universidades de Estados Unidos son mucho más caras, y nunca las recomiendo.
Los recursos en línea como YouTube y las pequeñas escuelas como Concepts Design Academy son gratuitos o suponen una fracción del precio y están mucho más concentrados en el crecimiento y no en el resultado final de las notas. No sólo es un buen espacio para aprender, sino también un gran lugar para establecer contactos. La nueva ola de artistas dispone de muchos más recursos accesibles que los que yo tenía hace una década.
Sam García: Creo que el viaje artístico de cada persona es muy, muy diferente, y eso es algo hermoso. Independientemente del nivel de experiencia que alguien haya obtenido a lo largo de su vida, existen principios artísticos fundamentales, y muchos de esos temas fundamentales pueden estar sin descubrir por el artista. Esa es la razón por la que creo que todo el mundo se beneficiaría enormemente, como mínimo, de algún tipo de educación artística formal. Depende del artista identificar sus objetivos artísticos y apoyar esos objetivos con una práctica adecuada y un aprendizaje adecuado cuando proceda.
¿Cuáles son algunas de las habilidades más importantes que deben desarrollar los jóvenes artistas para tener éxito en sus carreras artísticas? Concepts
Ana Rivera: Todo vuelve a los cimientos. Sabrás estilizar, dibujar y pintar mejor. Superé muchos obstáculos cuando volví a pintar en la vida real, estudié fotogramas de películas y vi vídeos sobre el color: qué es la luz, qué es el valor, etc. A día de hoy, sigo buscando cursos sobre estos temas. Siempre hay algo que aprender y otras que llevan más tiempo procesar.
Además, habilidades para trabajar en red. Muéstrate abierto a relacionarte con la gente y a hacer nuevos amigos. No lo enfoques siempre como un intercambio comercial: intenta saber quiénes son, cómo han llegado hasta allí y mantén el contacto. También puedes crear amistades a través del trabajo en red, y te ayuda a crecer como persona. Trabajar en red es la razón principal por la que hice las conexiones que me llevaron a algunos de mis primeros trabajos importantes.
Barbra Araujo: Versatilidad, eficacia, resolución creativa de problemas y voluntad de seguir aprendiendo. Tener una serie de habilidades como el dibujo y la pintura tradicionales, la pintura digital, el fotobashing, la escultura en 3D, el conocimiento de la anatomía, el color y la iluminación, y el conocimiento de los materiales y métodos de construcción adecuados para tu trabajo conceptual (es decir. construcción de prendas de vestir y ciencia textil para disfraces). También es importante saber seguir instrucciones, aceptar críticas y trabajar bien con los demás. Muchos trabajos llegan a través del boca a boca, de clientes que repiten y de tus compañeros, así que asegúrate de que tus clientes y tus compañeros artistas conceptuales tengan una gran experiencia trabajando contigo.
Sam García: Aparte de desarrollar tus habilidades técnicas de ilustración y diseño creativo, lo cual se consigue con práctica, práctica y práctica, y aventurándote en áreas artísticas incómodas que empujen tus límites y te ayuden a crecer, creo que algunas de las habilidades blandas más importantes que hay que tener pertenecen al carácter.
Creo que los artistas con más éxito son aquellos con los que es muy fácil/divertido trabajar y se sienten muy cómodos trabajando en equipo, los que entienden y reciben positivamente las críticas constructivas y aprenden a aceptar muy bien el rechazo, y los que son muy amables con los demás y tienen una actitud humilde, abierta y de aceptación, dispuestos a seguir siendo siempre estudiantes de su oficio mientras elevan a los demás.
Mientras los aspirantes a artistas e ilustradores de Concepts siguen desarrollando sus habilidades, creo que deberían intentar identificar lo que más les gusta y lo que realmente inspira su creatividad. Eso informará mucho en condiciones de qué rama del arte Concepts pueden empezar a aprender y a inclinarse por ella. Después, ¡empieza a crear! Familiarízate con los flujos de trabajo, el software, los artistas que crean el arte que amas, ¡y comienza tu viaje creativo!
¿Cómo es un "día en la vida" de un artista de Concepts como tú?
Barbra Araujo, artista de vestuario Concepts: Es larga y muy trepidante. Trabajo entre 10 y 15 horas al día, dependiendo de los proyectos y los plazos. Empiezo el día comprobando con el cliente si tenemos que discutir la carga de trabajo, si no, ya tengo una tarea fijada y empiezo inmediatamente. Investigo todos los aspectos de la ilustración o Concepts -el parecido del actor, el tipo de cuerpo, la referencia de la pose, la referencia de la tela, la referencia de la ropa, los fondos, los detalles del diseño, etc.- y luego trabajo en una maqueta de la ilustración para compartir el WIP con el cliente lo antes posible. Si tienen alguna nota, la hago; si no, procedo a la renderización, que es un proceso que lleva mucho tiempo.
El proceso de retroalimentación suele continuar hasta que llegamos a las versiones finales. Intento acordarme de hacer suficientes pausas a lo largo del día para estirarme, alternar entre estar de pie y sentada y, por supuesto, comer. El equilibrio entre la vida laboral y personal es muy importante, y es algo en lo que siempre estoy trabajando para mejorar.
Sam García, artista de desarrollo visual: El papel de un artista de desarrollo visual es desarrollar el lenguaje visual de la historia. Esto incluye la creación de diseños y bocetos de exploración para personajes, atrezo y entornos, y puede extenderse a la creación de fotogramas clave, arte promocional u otras artes de producción.
El día a día de un Artista de Desarrollo Visual comienza con la recepción del briefing del proyecto para el que necesitamos desarrollar el lenguaje visual. Por dónde empecemos depende del Director Artístico/Líder Artístico. Digamos que primero tenemos que diseñar al personaje principal. El primer paso es comprender la historia de ese personaje y el mundo del que forma parte. Revisaré minuciosamente todo el material que me proporcionen sobre la historia, y empezaré a investigar y a redactar un tablero de humor o de referencia. Suele contener posibles paletas de colores, referencias y muchas notas para ideas de diseño.
A continuación, esbozaré miniaturas de siluetas y empezaré a definir la dirección de la luz y las formas y estructura principales de la ropa y los rasgos definitorios. Después, elegiré mis diseños favoritos y crearé iteraciones en las que exploraré cómo les quedarían otros posibles trajes, rasgos faciales, armas o accesorios. Para terminar, renderizaré completamente mis iteraciones favoritas. Dependiendo del proyecto, cada uno o algunos de los pasos requerirán la toma de decisiones de los Directores Artísticos/Líderes Artísticos. El proceso de creación es muy colaborativo.
Barbra, tu carrera pasó del diseño de moda al vestuario y al arte Concepts para el cine y el espectáculo. ¿Por qué y cómo hiciste la transición?
Barbra Araujo: Empecé a interesarme por la historia del traje y el diseño de vestuario cuando era adolescente, pero decidí que una licenciatura en diseño de moda me ofrecería más opciones profesionales y versatilidad. Tras licenciarme, ascendí en la industria de la moda. Pero me di cuenta de que la industria de la moda no era para mí. En ese momento, el dibujo me proporcionaba más alegría que el diseño, así que decidí cambiar de rumbo y dedicarme a la ilustración, mi asignatura favorita en la escuela. Fue entonces cuando descubrí que el arte conceptual de vestuario existía como carrera y emprendí el camino autodidacta para aprender arte digital. Mi formación en moda ha sido increíblemente útil en mi trabajo, y por fin he encontrado lo que me hace feliz.
La diferencia más notable entre trabajar en ambas industrias es que, en la moda, todo lo que diseñaba tenía que funcionar en una gama de cuerpos de tallas completas (lo cual no es poca cosa), tenía que ajustarse a la identidad y la base de clientes de la marca, a menudo estrecha, y, lo que es más importante, tenía que venderse en grandes volúmenes para considerarse un éxito. En el mundo del espectáculo, cada proyecto es único y una oportunidad de explorar un mundo nuevo, un periodo de tiempo, un género y personajes de todas las edades, géneros, formas y tamaños. La atención se centra en crear looks personalizados que ayuden a transmitir visualmente el arco argumental del personaje, algo que me parece increíblemente fascinante e infinitamente inspirador.
Ana, parece que te gustan los temas más oscuros en tu trabajo de ilustración y personal. Pero algunos de tus trabajos han sido en dibujos animados infantiles, videojuegos brillantes o películas convencionales. ¿Cómo equilibras tu interés personal con las expectativas de los empresarios si chocan?
Ana Rivera: No me gusta que me pongan en una caja específica; como mi estado de ánimo, mi arte cambia y crece. Y cualquier oportunidad que pueda aprovechar, la aprovecho. Para mí es muy poco frecuente tener conciertos oscuros y malhumorados, pero siempre hay demanda de los otros estilos que también me encantan. Conservo mis pinturas malhumoradas para mi propio placer en forma de pasatiempo, pero me encanta mi dualidad. He estado trabajando en cosas más estilizadas para aportarlas a mi portafolio. Y si hay un cliente que me contrata por mi trabajo oscuro y malhumorado, siempre es una experiencia especial que me paguen por ser yo misma.
Abordo mi trabajo como una persona que lleva distintos tipos de sombreros. Intento dejar claro a mis clientes que lo primero es lo que ellos quieren. Soy aficionado a la animación desde que era niño, e incluso animé en la universidad. Es un estilo artístico que influyó mucho en mi trabajo, y es la razón por la que me interesé en unirme a la industria. También siento una profunda fascinación por el terror y la historia. Ojalá hubiera más proyectos que mezclaran las dos cosas, ya que la animación es un medio, no un género.
Sam, ¿cuáles son algunas de las diferencias entre trabajar en cine y trabajar en juegos, así como en otros tipos de medios y proyectos en los que has trabajado? ¿Prefieres alguno sobre los demás?
Sam García: El tiempo de producción de los juegos de ordenador y consola suele ser mayor, y habrá más demanda de diseño para juegos que para películas, lo que también significa que puede haber más demanda de ilustración. Las películas, en cambio, suelen tener un calendario de producción más corto y los artistas de Concepts pueden ser contratados para trabajar durante menos tiempo.
Esto también significa que, dependiendo del proyecto, puede que ni siquiera se necesiten bocetos, y algunos artistas de Concepts proporcionarán diseños totalmente renderizados y acabados. Dicho todo esto, realmente depende del estudio, y/o del productor del proyecto, y/o del diseñador de vestuario. Sus preferencias, la dirección artística, las exigencias del proyecto y el presupuesto determinarán el tipo de experiencia que tendrás en cada proyecto. Mientras siga diseñando al lado de gente estupenda, ésa será siempre mi preferencia.
¿Quieres saber más?
La Fundación BRIC y la Asociación de Arte Concepts apoyan a los artistas nuevos y consagrados de Concepts de diversas maneras. Muchas gracias a ambas organizaciones por poner en contacto a estos artistas con Wacom y facilitar esta entrevista.
Echa un vistazo a la Fundación BRIC en su sitio web, Instagram y Twitter.
Echa un vistazo a la Asociación de ArteConcepts en su página web o en Instagram.
