Una de las mejores carreras creativas que existen en 2023 es la de un artistaConcepts . Concepts artistas trabajan en películas, programas de televisión, videojuegos y muchos otros proyectos creativos, y prácticamente todo tipo de producción artística está representada en este campo: pintores e ilustradores digitales, artistas 3D, manipuladores de fotos, animadores y más.
Pero si eres un artista joven, tal vez a punto de graduarte de la escuela secundaria o de la escuela de arte, y quieres dedicarte al arte Concepts como carrera, ¿cómo empiezas? Hablamos con tres artistas profesionales de Concepts sobre sus carreras y lo que los artistas jóvenes necesitan saber. Las entrevistas han sido editadas y combinadas para mayor claridad y extensión.
Entrevistado para este artículo:
- Ana Rivera (Sitio web, Instagram) es una artista Concepts que ha trabajado para Cartoon Network, Netflix y actualmente trabaja principalmente en la industria de los videojuegos.
- Barbra Araujo (sitio web, Instagram) es una artista de Concepts de vestuario que ha trabajado en televisión y cine para empresas como Disney, Netflix, Paramount y más.
- Sam Garcia (sitio web, Instagram) es un artista de desarrollo visual que ha trabajado en cine y videojuegos.
¿Recomendarías a los artistas jóvenes que vayan a la escuela de arte como lo hiciste tú? ¿Por qué sí o por qué no?
Barbra Araujo: Hay pros y contras de asistir a la escuela de arte y de seguir tu propia educación artística. Todos aprenden de manera diferente, por lo que la escuela de arte puede no ser para todos. Sentí que era la única opción para mí, porque en ese momento no había ningún recurso en línea disponible que se comparara con el nivel de educación que recibí en la escuela. También me beneficié mucho de tener a otros artistas a mi alrededor. Evolucionamos juntos, nos desafiamos y nos apoyamos mutuamente. Mi plan de estudios de B.F.A. fue rápido e intenso y me inculcó una sólida ética de trabajo y habilidades fundamentales invaluables que llevo conmigo hasta el día de hoy. Pero la escuela de arte es costosa y no todos tienen los medios o el acceso a la ayuda financiera.
Hoy en día, hay grandes alternativas a la escuela de arte y los artistas pueden personalizar su propio camino de educación artística. Además, unirte a grupos como la Asociación de Arte deConcepts e interactuar con otros artistas o asistir a talleres puede ayudarte a conocer a otras personas en diferentes etapas de sus viajes artísticos.
Ana Rivera: Recomendaría a los estudiantes que busquen cursos en línea y pequeñas escuelas de estilo atelier. Estudié en una universidad de arte puertorriqueña empobrecida. Era barato, pero las clases eran anticuadas y el arte no estaba orientado a la disciplina. No enseñaban pintura digital, así que tuve que aprender por mi cuenta y me llevó un tiempo. Siento que perdí el impulso en esos cinco años en la universidad, porque no tuve un maestro que me guiara. Por otro lado, no tengo préstamos estudiantiles: las universidades de Estados Unidos son mucho más caras y nunca las recomiendo.
Los recursos en línea como YouTube y las escuelas pequeñas como Concepts Design Academy son gratuitos o son una fracción del precio y están mucho más concentrados en el crecimiento y no en el resultado final de la calificación. No solo es un buen espacio para aprender, sino también un gran lugar para establecer contactos. La nueva ola de artistas tiene muchos más recursos accesibles que los que yo tenía hace una década.
Sam García: Creo que el viaje artístico de cada uno es muy, muy diferente, y eso es algo hermoso. Independientemente del nivel de experiencia que alguien haya obtenido a lo largo de su vida, hay principios artísticos fundamentales, y muchos de esos temas fundamentales pueden ser desconocidos por el artista. Esa es la razón por la que creo que todo el mundo se beneficiaría enormemente de, al menos, alguna forma de educación artística formal. Depende del artista identificar sus objetivos artísticos y apoyar esos objetivos con la práctica adecuada y el aprendizaje adecuado cuando corresponda.
¿Cuáles son algunas de las habilidades más importantes que los artistas jóvenes deben desarrollar para tener éxito en Concepts carreras artísticas?
Ana Rivera: Todo se reduce a los cimientos. Sabrás estilizar, dibujar y pintar mejor. Superé muchos obstáculos cuando volví a pintar en la vida real, estudié fotogramas de películas y vi videos sobre el color: qué es la luz, qué es el valor, etc. A día de hoy, sigo buscando cursos sobre estos temas. Siempre hay algo que aprender y otros que requieren más tiempo para procesar.
También, habilidades de networking. Mantente abierto a relacionarte con la gente y hacer nuevos amigos. No siempre lo enfoques como un intercambio de negocios: trata de saber quiénes son, cómo llegaron allí y mantente en contacto. También puedes crear amistades a través de las redes y te ayuda a crecer como persona. La creación de redes es la razón principal por la que hice las conexiones que me llevaron a algunos de mis primeros conciertos importantes.
Barbra Araujo: Versatilidad, eficiencia, resolución creativa de problemas y voluntad de seguir aprendiendo. Tener una variedad de habilidades como dibujo y pintura tradicionales, pintura digital, photobashing, escultura en 3D, conocimiento de anatomía, color e iluminación, y conocimiento de los materiales y métodos de construcción apropiados para su trabajo Concepts (es decir, confección de ropa y ciencia textil para disfraces). También es importante ser capaz de tomar la dirección, aceptar las críticas y trabajar bien con los demás. Muchos trabajos llegan a través del boca a boca, los clientes habituales y tus compañeros, así que asegúrate de que tus clientes y tus compañeros artistas Concepts tengan una gran experiencia trabajando contigo.
Sam García: Además de desarrollar tus habilidades de ilustración técnica y diseño creativo que vienen con la práctica, la práctica, la práctica y aventurarte en áreas artísticas incómodas que superan tus límites y ayudan a tu crecimiento, creo que algunas de las habilidades blandas más importantes que debes tener pertenecen al carácter.
Creo que los artistas más exitosos son aquellos con los que es muy fácil y agradable trabajar con un equipo, aquellos que entienden y reciben positivamente críticas constructivas y aprenden a aceptar muy bien el rechazo, y aquellos que son muy amables con los demás y tienen una actitud humilde, abierta y de aceptación, dispuestos a seguir siendo siempre estudiantes de su oficio mientras animan a los demás.
A medida que los aspirantes a artistas e ilustradores de Concepts continúan desarrollando sus habilidades, creo que deberían intentar identificar lo que más disfrutan y lo que realmente inspira su creatividad. Eso informará mucho en términos de qué Concepts rama del arte pueden comenzar a aprender y en la que pueden apoyarse. Entonces, ¡empieza a crear! Familiarízate con los flujos de trabajo, el software, los artistas que crean el arte que amas y comienza tu viaje creativo.
¿Cómo es un "día en la vida" de un artista Concepts como tú?
Barbra Araujo, artista de Concepts de vestuario: Es largo y de ritmo muy rápido. Trabajo de 10 a 15 horas al día, dependiendo de los proyectos y los plazos. Empiezo el día consultando con el cliente si necesitamos discutir la carga de trabajo, de lo contrario, si ya tengo una tarea establecida y comienzo de inmediato. Investigo todos los aspectos de la ilustración o Concepts (la semejanza del actor, el tipo de cuerpo, la referencia de la pose, la referencia de la tela, la referencia de la ropa, los fondos, los detalles del diseño, etc.) y luego trabajo en una ilustración de maqueta para compartir el trabajo en curso con el cliente lo más rápido posible. Si tienen notas, las hago, de lo contrario, procedo a la renderización, que es un proceso que requiere mucho tiempo.
El proceso de retroalimentación a menudo continúa hasta que llegamos a las versiones finales. Trato de recordar tomar suficientes descansos a lo largo del día para estirarme, alternar entre estar de pie y sentado y, por supuesto, comer. El equilibrio entre la vida laboral y personal es muy importante, y es algo en lo que siempre estoy trabajando para mejorar.
Sam García, artista de desarrollo visual: El papel de un artista de desarrollo visual es desarrollar el lenguaje visual de la historia. Esto incluye la creación de diseños y bocetos de exploración para personajes, accesorios y entornos, y puede extenderse más allá en la creación de fotogramas clave, promocionales u otro arte de producción.
El día a día de un artista de desarrollo visual comienza con la recepción del briefing del proyecto para el que necesitamos desarrollar el lenguaje visual. El punto de partida depende del Director de Arte/Jefe de Arte. Digamos que primero tenemos que diseñar al personaje principal. El primer paso es entender la historia de ese personaje y el mundo del que forma parte. Revisaré minuciosamente todo el material que se me proporcionó con respecto a la historia, y comenzaré a investigar y redactar un tablero de estado de ánimo o referencia. Por lo general, contendrá posibles paletas de colores, referencias y muchas notas para ideas de diseño.
A continuación, esbozaré miniaturas de siluetas y comenzaré a definir la dirección de la luz y las formas y estructuras principales de la ropa y las características definitorias. Luego, elegiré mis diseños favoritos y crearé iteraciones en las que exploraré cómo se verían otros posibles disfraces, rasgos faciales, armas o accesorios para ellos. Para terminar, renderizaré completamente mis iteraciones favoritas. Dependiendo del proyecto, cada uno o algunos de los pasos requerirán la toma de decisiones de los Directores de Arte/Líderes de Arte. El proceso de creación es muy colaborativo.
Barbra, tu carrera pasó del diseño de moda al vestuario y al arte Concepts para el cine y el entretenimiento. ¿Por qué y cómo hiciste la transición?
Barbra Araujo: Me interesé por primera vez en la historia del vestuario y el diseño de vestuario cuando era adolescente, pero decidí que un título en diseño de moda ofrecería más opciones profesionales y versatilidad. Después de graduarme, me abro camino en la industria de la moda. Pero me di cuenta de que la industria de la moda no era para mí. En ese momento, el dibujo me traía más alegría que el diseño, así que decidí cambiar de marcha y dedicarme a la ilustración, mi materia favorita en la escuela. Fue entonces cuando descubrí que el arte del Concepts el vestuario existían como carrera y tomé el camino autodidacta para aprender arte digital. Mi experiencia en moda ha sido increíblemente útil en mi trabajo, y finalmente he encontrado lo que me hace feliz.
La diferencia más notable entre trabajar en ambas industrias es que en la moda, todo lo que diseñaba tenía que funcionar en una gama completa de carrocerías (lo cual no es poca cosa), tenía que adaptarse a la identidad y la base de clientes a menudo estrechas de la marca y, lo que es más importante, tenía que vender en grandes volúmenes para ser considerado exitoso. En el entretenimiento, cada proyecto es único y una oportunidad para explorar un nuevo mundo, período de tiempo, género y personajes de todas las edades, géneros, formas y tamaños. La atención se centra en crear aspectos personalizados que ayuden a transmitir visualmente el arco argumental del personaje, algo que me parece increíblemente fascinante e infinitamente inspirador.
Ana, parece que te gustan los temas más oscuros en tu ilustración y trabajo personal. Pero algunos de tus trabajos han sido en dibujos animados para niños, videojuegos brillantes o películas convencionales. ¿Cómo equilibras tu interés personal con las expectativas de los empleadores si chocan?
Ana Rivera: No me gusta que me pongan en una caja específica; Al igual que mi estado de ánimo, mi arte cambia y crece. Y cualquier oportunidad que pueda aprovechar, la aprovecho. Es muy poco común tener conciertos oscuros y malhumorados para mí, pero siempre hay demanda para los otros estilos que también amo. Guardo mis pinturas malhumoradas para mi propio placer en forma de pasatiempo, pero amo mi dualidad. He estado trabajando en cosas más estilizadas para llevar a mi portafolio. Y si hay un cliente que me contrata por mi trabajo oscuro y malhumorado, siempre es una experiencia especial que me paguen por ser yo mismo.
Abordo mi trabajo como una persona que usa diferentes tipos de sombreros. Trato de dejar claro a mis clientes que lo que quieren es lo primero. He sido fanático de la animación desde que era un niño, e incluso animé en la universidad. Es un estilo artístico que influyó mucho en mi trabajo, y es la razón por la que estaba interesado en unirme a la industria. También tengo una profunda fascinación por el horror y la historia. Me gustaría que hubiera más proyectos que pudieran mezclar los dos, ya que la animación es un medio, no un género.
Sam, ¿cuáles son algunas de las diferencias entre trabajar en películas y trabajar en juegos, así como en otros tipos de medios y proyectos en los que has trabajado? ¿Prefieres alguno sobre los demás?
Sam García: El tiempo de producción de los juegos de ordenador y consola suele ser más largo, y habrá una mayor demanda de diseño más para juegos que para películas, lo que también significa que puede haber una demanda más ilustrativa. Las películas, por otro lado, suelen tener un calendario de producción más corto y Concepts artistas pueden ser contratados para trabajar por un período de tiempo más corto.
Esto también significa que, dependiendo del proyecto, es posible que ni siquiera se necesiten bocetos, y algunos artistas Concepts proporcionarán diseños completamente renderizados y terminados. Dicho todo esto, realmente depende del estudio, y/o del productor del proyecto, y/o del diseñador de vestuario. Sus preferencias, la dirección de arte, las demandas del proyecto y el presupuesto dictarán el tipo de experiencia que tendrá en cada proyecto. Mientras diseñe junto a grandes personas, esa siempre será mi preferencia.
¿Quieres saber más?
La Fundación BRIC y la Asociación de Arte Concepts apoyan a los artistas Concepts nuevos y establecidos de diversas maneras. Muchas gracias a ambas organizaciones por conectar a estos artistas con Wacom y facilitar esta entrevista.
Echa un vistazo a la Fundación BRIC en su sitio web, Instagram y Twitter.
Echa un vistazo a la Asociación de ArteConcepts en su sitio web o en Instagram.
