Vera Brosgol es la ilustradora y autora que está detrás de los libros ilustrados y las novelas gráficas El fantasma de Anya, La simple Jane y la sirena, y muchas otras obras y proyectos.
Hace poco terminó su último libro, Retorno al remitente, mientras cuidaba de unos amigos en su casa flotante y necesitaba una solución portátil para trabajar sobre la marcha. Así que le pedimos que probara la nueva pantalla OLED lápizWacom Movink - ¡consulta el vídeo que hizo sobre su experiencia aquí!
Vera ha recorrido un largo camino: nació en Rusia, se trasladó a Estados Unidos de niña, estudió Animación Clásica, trabajó en la industria cinematográfica y ahora escribe e ilustra libros. Queríamos saber más sobre ese viaje, qué la inspira, su enfoque único del trabajo digital y tradicional, y si tiene algún consejo para los jóvenes creativos que estén pensando en sus propios viajes artísticos. Así que mantuvimos una conversación; esa entrevista está más abajo. Se ha editado ligeramente para mayor claridad y extensión.
¿Cómo te iniciaste en el arte? ¿Eras un niño creativo?
Sí, ¡por supuesto! Llevo dibujando desde que tengo uso de razón, y mi madre lo corrobora. Siempre me ha apoyado increíblemente, y me consiguió clases de pintura con artistas locales cuando estaba en la escuela primaria. Que me animaran a dibujar de esa manera, así como conocer a gente que se ganaba la vida con el arte, me causó una gran impresión a una edad temprana.
Háblanos de tu trayectoria educativa. Estudiaste Animación Clásica en la universidad, ¿por qué elegiste ese camino? ¿Recomiendas a los jóvenes artistas que vayan a la escuela de arte o que aprendan por sí mismos, y por qué?
Me decanté por la animación porque me pareció una de las carreras artísticas más prácticas, si es que eso existe. Estaba bastante claro que iba a dedicarme a algún tipo de campo artístico, pero poder mantenerme era realmente importante para mí. Hasta entonces sólo había conocido a pintores de bellas artes, y eso me parecía absolutamente aterrador, pero la animación parecía estar llena de gente con hipotecas y seguro médico y todas las cosas normales, al abrigo un poco de un gran estudio.
Creo que hace una o dos décadas, habría recomendado la escuela de arte, pero las cosas han cambiado tanto que ya no estoy segura de hacerlo. La matrícula es mucho más cara de lo que era, el mercado laboral es inestable -incluso en la animación- y cargar con una deuda de 150.000 dólares y una licenciatura en arte parece poco sensato. Pero si alguien más puede pagar tu matrícula, ¡hazlo!
Has trabajado en varias disciplinas diferentes, desde trabajar en películas a escribir relatos cortos, pasando por crear novelas gráficas y libros ilustrados. ¿Cómo has equilibrado estos diferentes intereses y determinado la dirección de tu carrera?
"Hoo, chico". Creo que en gran parte se trata de mi escasa capacidad de atención. Muchos de estos proyectos son grandes trozos que duran años y consumen mucho tiempo, y al final de ellos quiero hacer algo completamente distinto. Así que giro con fuerza, pasando a los libros ilustrados después de hacer una novela gráfica, o escribiendo prosa cuando me siento harta de dibujar por completo.
El trabajo de animación tiende a ser más oportunista: el trabajo de jefe de historia en Pinocho fue una oferta mágicamente genial, y dejé en suspenso un contrato para un libro para poder trabajar en ese proyecto de ensueño. He tenido mucha suerte con las cosas que me han llegado, pero intento determinar la dirección de mi carrera con una regla bastante simple: "No hagas nada sólo por dinero". Hasta ahora, eso ha funcionado bien.
¿Qué te inspira y/o emociona en tu trabajo en general?
Como he dicho antes, ¡novedad! No me gusta hacer lo mismo dos veces, así que probablemente no soy el tipo de persona que haría una serie. Me gustan los retos, así que algún tipo de rompecabezas argumental increíblemente complicado que resolver, o un nuevo medio artístico que aprender, o un nuevo grupo de edad para el que escribir, hacen que mi cerebro sienta picor y felicidad.
Sueles emplear un flujo de trabajo híbrido tradicional/digital. ¿Cuáles son las ventajas y los inconvenientes de cada método? ¿Crees que los artistas de hoy deberían aprender ambas cosas?
Creo que no es raro que la gente, al menos de mi generación, piense mejor sobre el papel. Para mí, ésa es la mayor ventaja: es una línea más directa con mi cerebro, para los primeros pasos de escritura de un proyecto. También es bueno para los ojos y el cuerpo descansar de las omnipresentes pantallas.
Sin embargo, lo digital es más rápido y cada vez más convincente, así que lo he ido utilizando más con cada proyecto, pero es un poco coñazo tener un cuaderno de bocetos supercaro que se puede quedar sin pilas, que no funciona con luz solar directa y que necesita actualizaciones del sistema operativo. Y a medida que más y más artistas, y simulaciones fantasmales no humanas, trabajan enteramente de forma digital, creo que realmente se soporta cuando alguien trabaja con medios tradicionales. ¡Que no es nada!
¿Cuáles son algunos de tus proyectos favoritos en los que has trabajado? ¿Por qué eran tus favoritos?
Estoy orgullosa de mi novela gráfica Prepárate, y siempre me complace entregársela a alguien que sienta curiosidad por mi trabajo. En parte porque es una memoria, así que es una buena introducción a mí como ser humano y como artista, pero también porque fue muy divertido hacerla. Fue mi primera novela gráfica como autora a tiempo completo, así que pude dedicarle mucho tiempo, y me encantó la técnica que utilicé: lápiz a pincel sobre tablero Bristol. También es una historia muy accesible; creo que mucha gente puede sentirse identificada con ser un niño miserable y solitario que tiene demasiado miedo de usar un retrete.
¿Cuáles son algunos consejos, trucos o recomendaciones generales que has aprendido a medida que has ido construyendo tu carrera? ¿Qué deben saber los artistas jóvenes o principiantes, aparte de "trabaja duro y hazlo lo mejor que puedas"?
Ah, privarme del viejo "¡trabaja duro y hazlo lo mejor que puedas!". Vale, de acuerdo. Un consejo que me gusta dar a la gente que empieza a hacer obras narrativas es que elijan proyectos que realmente vayan a terminar. Cómics cortos en lugar de novelas gráficas, por ejemplo. Cortometrajes en lugar de largometrajes.
Probablemente estés mejorando a pasos agigantados, y es peligrosamente fácil caer en el bucle de reiniciar un gran proyecto una y otra vez a medida que crecen tus habilidades, intentando que todo quede uniformemente bien. Si haces cosas cortas que puedes terminar rápidamente, puedes compartir una historia completa con los demás, ¡y eso es lo más satisfactorio! Puedes pedir opiniones, recibir el encantador golpe de dopamina de conectar con un público, y luego pasar a lo siguiente, que será aún mejor.
¿Qué herramientas utilizas para crear tus obras? ¿Por qué eliges productos Wacom como parte de tu configuración?
He utilizado todo tipo de cosas para mis libros, desde mojar un pincel en tinta china, hasta un pincel lápiz Pentel -NO el pincel de bolsillo, sino el que tiene el cuerpo gris y "exprimible"-, pasando por una G-punta en tinta acrílica. Digitalmente trabajo en una Cintiq Pro 24, y mi software favorito es Clip Studio Paint. Es absolutamente encantador para hacer trabajos para imprimir, especialmente cómics. Procreate en mi iPad es mi favorito para hacer bocetos y cómics rápidos, pero no me encanta hacer trabajos acabados en él.
He utilizado productos Wacom desde mi primera pen tabletIntuos cuando tenía 14 años, ¡haciendo fanart de anime en Corel Painter! - y las Cintiq son tan habituales en la industria de la animación que ya es normal utilizarlas. Me encanta tener una pantalla grande en la que extenderme, y hacer movimientos más amplios con el brazo es mejor para mi cuerpo que estrujarme sobre una pequeña pen tablet. Estoy segura de que mis preferencias seguirán cambiando, pero me gusta la flexibilidad de donde estoy ahora.
¿Tienes algún proyecto próximo que te gustaría compartir o promocionar?
Mi primera novela en prosa saldrá con Roaring Brook Press el 6 de mayo de 2024. Se llama Return to Sender, es muy raro y me hace mucha ilusión. Y mi novela gráfica más reciente, Plain Jane y la sirena, ¡ya está a la venta! Consíguelo para un alumno de secundaria amante de las sirenas.
Más sobre el Creador
Vera Brosgol nació en Moscú (Rusia) en 1984 y se trasladó a Estados Unidos cuando tenía cinco años. Se diplomó en Animación Clásica en el Sheridan College, y pasó muchos años trabajando en largometrajes de animación, pero ahora se dedica a escribir y dibujar libros a tiempo completo.
Ha realizado storyboards para Laika en los largometrajes Coraline, Paranorman, Los Boxtrolls y Kubo y las dos cuerdas, y fue Jefa de Historia de Pinocho, ganadora de un Oscar.
Su primera novela gráfica, Anya's Ghost, fue publicada en 2011 por First Second Books y ganó un premio Eisner. Su primer libro ilustrado, Leave Me Alone, fue publicado en 2016 por Roaring Brook Press y ganó un Caldecott Honor. Su novela gráfica más reciente es Plain Jane and the Mermaid. Vive en Portland, Oregón, y le encanta hacer senderismo, montar en bicicleta y hornear pan.
