Creo que los artistas aprendemos mejor cuando somos aprendices de un maestro que practica un determinado estilo artístico de "escuela de pensamiento". Así es como se hacía históricamente. Un aprendiz de pintor al óleo prensaba las semillas de lino para hacer aceite de linaza, conseguía y mezclaba pigmentos para la pintura y estiraba el lienzo. Un aprendiz de escultor traía la arcilla, bloqueaba las formas primarias en bruto y ayudaba en tareas que requerían mucho trabajo, como la cocción, el moldeado y el vaciado. Los aprendices también mantenían el estudio de arte, manteniendo limpias las zonas de trabajo y procesando los pedidos de material artístico para que el maestro artista pudiera centrarse en crear grandes obras de arte. A cambio, el aprendiz adquiría valiosos conocimientos y experiencia de primera mano, aprendiendo técnicas y estrategias que le darían ventaja para crear obras que reflejaran el estilo único de arte que el artista mayor había dominado. Como el aprendiz centraba su aprendizaje en un estilo de arte, le resultaba más fácil trabajar para dominar ese estilo. El maestro artista también se benefició de este montaje. Preparó a un sucesor para continuar su legado. Esto garantizó que su estilo de expresión artística siguiera siendo relevante a medida que surgían nuevas escuelas de pensamiento.
Hubo muchas escuelas de pensamiento durante esta época de aprendizaje. El pintor barroco italiano de finales del siglo XVI Miguel Ángel Caravaggio, por ejemplo, inspiró la escuela pictórica de los Caravaggisti. Los Caravaggisti, los que seguían el estilo de Caravaggio, empleaban muchas de las técnicas de Caravaggio de utilizar una paleta de colores limitada junto con luces y sombras dramáticas. Puedes ver la influencia de Caravaggio incluso una generación después en la obra de Rembrandt.
¿Existen aprendizajes en el mundo del arte digital? Desgraciadamente, no. Alrededor de 2012, quise convertirme en artista digital después de formarme en arte tradicional durante 7 años. Busqué una escuela de arte digital a la que emular y un maestro artista digital del que aprender. Mi búsqueda de un programa formal en el que pudiera matricularme se quedó corta. Creo que hay un par de razones. Las escuelas de pensamiento son creadas y sostenidas por personas comprometidas con la promoción de un estilo único, independientemente de las tendencias del momento. Este tipo de compromiso falta en la industria del arte digital. En cambio, la industria ha invertido en unos pocos estilos artísticos rentables. Cuando empecé en el arte digital, los estilos artísticos favoritos eran el arte tipo Pixar, el arte de superficie dura para juegos de disparos y el arte de juegos para móviles. También creo que a los artistas veteranos no les interesa preparar sucesores. ¿Quizá no quieren perpetuar los estilos artísticos actuales y no tienen una perspectiva artística propia sólida? ¿Quizá quieren retener el conocimiento para limitar la competencia laboral? ¿Quizá piensan que lleva demasiado tiempo?
Incluso sin un modelo formal de aprendizaje, he visto a muchos artistas digitales increíbles en ArtStation o ZBrushCentral a lo largo de los años, y sus obras siguen mejorando. Pero cuando he profundizado, he aprendido que algunos de los mejores artistas digitales han sido aprendices de un experto o han centrado su aprendizaje en una escuela de pensamiento concreta. Gio Nakpil, conocido por su trabajo en El increíble Hulk, es un escultor digital que estudió con Carlos Huante, cuyos diseños de criaturas han aparecido en superproducciones de ciencia ficción como Blade, Men in Black, El planeta de los simios y Prometheus. Huante, escultor y dibujante tradicional desde hace más de 30 años, emplea técnicas volumétricas de escultura y dibujo que se reflejan en las esculturas digitales de Nakpil. Peter Konig, cuyas esculturas han aparecido en películas desde Coneheads a Encantada y que aprendió con el fundador de Tippett Studios, Phil Tippett, esculpió y animó tradicionalmente durante décadas antes de adoptar las herramientas digitales. El dominio de Konig de los medios tradicionales es evidente en su arte digital. Rafael Grasetti y Amilcar Aldana Fong son otros dos artistas cuyas obras muestran su dominio tanto del arte tradicional como del digital. No sé con quién estudiaron Grasetti y Fong, pero las escuelas de pensamiento que han dado forma a sus estilos artísticos brillan a través de sus obras.
Una vez que vi la conexión entre experiencia y formación dentro de una escuela de pensamiento, no pude dejar de verla. Quería esto para mí. Pero cuando yo empezaba no tenía a mi disposición una vía formal de aprendizaje, como un trabajo artístico. Y no conocía a ningún buen artista con un estilo único que estuviera dispuesto a invertir tiempo en enseñarme a ser su sucesor, ni siquiera a cambio de una paga. Así que me pasé años componiendo mi propia escuela de pensamiento con técnicas de mis instructores favoritos de arte tradicional, clases de arte digital en línea, artistas de producción cinematográfica y artistas clásicos.
El resultado es un estilo predominantemente influenciado por mis artistas favoritos, uno histórico y otro una leyenda viva.
El famoso pintor del periodo orientalista Jean-Leon Gerome es el maestro histórico que más ha influido en mi obra. Gerome era tan hábil que incluso su alumno, Charles Bargue, llegó a convertirse en uno de los mejores artistas de todos los tiempos. Bargue era un hábil dibujante conocido por enseñar a los alumnos a dibujar primero a partir de moldes de escayola, luego les hacía avanzar hasta dibujar copias maestras y después les graduaba para dibujar a partir de modelos vivos. El enfoque académico de Gerome y Bargues para captar una opulencia muy detallada coincide con mi enfoque del arte. Siempre comienzo mis fantasiosos diseños desde una base académica.
Trabajo de un alumno del curso de Charles Bargue sobre dibujo a partir de un molde.
Practico las técnicas de dibujo de Gerome y Bargue utilizando grafito soluble en agua Caran d'Ache sobre papel de cuaderno de bocetos Tomoe River.
El segundo artista que más me ha influido es el legendario Steve Wang, diseñador de criaturas, escultor tradicional, maquillador y cineasta afincado en Los Ángeles. Wang es más conocido por sus esculturas de Guyver, Guyver Dark Hero, Predator, Underworld, Blizzard y Hellboy. La comprensión de Wang de la anatomía animal, humana y fantástica es inigualable y su tratamiento de las superficies de las criaturas es tan académico que complacería incluso al difunto Jean-Leon Gerome. Puedo ver los años de estudio y observación de Wang en su trabajo. Me esfuerzo por que mi arte alcance el nivel de calidad que Wang aporta a sus obras.
Aplico el enfoque académico de Gerome y lo combino con mi amor por los diseños anatómicos basados en la fantasía de Wang para crear personajes complejos como éste.
Me sentí mucho más libre una vez que desarrollé mi propia lente artística desde la que aprender arte digital. Ya no estaba perdido estilísticamente. Podría aprender mucho más rápidamente como aprendiz (desconocido y distante) de Gerome y Wang, espigando todos los conocimientos que pudiera observando sus magistrales obras.
Habiéndome perdido yo mismo, recomiendo a los artistas menos experimentados que identifiquen a uno o varios maestros de los que puedan aprender o cuyas obras puedan estudiar íntimamente desde lejos. Es mucho más fácil mejorar cuando tienes una dirección en mente; tener modelos artísticos y estilísticos te ayuda a ello. Aunque todavía no estoy al nivel de un Steve Wang, también espero que cualquier maestro que lea esto considere la posibilidad de acoger bajo sus alas a un joven y prometedor artista. Esto ayudará a garantizar que tu experiencia y estilo, desarrollados a lo largo de tu vida, continúen mucho después de que hayas fallecido. No se sabe cuántos Rembrandts digitales puede crear un artista maestro.
Quincy Vadan es un artista que vive en Los Ángeles. Quincy comenzó su carrera artística estudiando bellas artes e ilustración durante 6 años y medio en la Academy of Art University de San Francisco. Después le concedieron una beca al mérito para asistir a la Escuela de Diseño Parsons de Nueva York. Quincy se negó a dedicarse al autoestudio del arte tridimensional y a cultivar su paleta estética. Pasó los 5 años siguientes incubando: formándose en las últimas técnicas de arte digital, avanzando en las habilidades artísticas tradicionales, combinando ambas cosas y aplicándolas a diseños con su estilo característico. Sus diseños, que a menudo se describen como "bellamente originales", "una convincente mezcla de masculino/femenino, práctico/fantástico, sencillo/ornado" y "del futuro y, sin embargo, eternos", son el resultado de una década de viaje para descubrir la maestría, la belleza y el significado.
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