Ésta es la quinta de una serie de entrevistas con suerte, a los ocho artistas que participaron en la exposición que coorganizamos con la Gallery Nucleus de Los Ángeles, y que luego colaboraron entre sí para crear la imagen que aparece a continuación. (Algunos de ellos están tardando más de lo que esperaba en facilitarse. A este paso, podríamos entrar en MerJulio).
Los anteriores: Tom Bancroft | Pernille Ørum | Brigitte Roka | Jenna Gray | Whitney Pollett
Neysa Bové
Su contribución MerMay, realizada en la Wacom One. Desde Instagram
Neysa Bové ha sabido lo que quería hacer desde muy joven, y lo ha conseguido. Nacida en la micronación de Andorra, en la frontera española, emigró a Estados Unidos con su familia a los nueve años, trayendo consigo tres muñecas Barbie y un amor por las películas de Disney.
Veinte años más tarde, se encontró trabajando para Mattel como diseñadora de Barbie, y ahora, veinticinco años después, es diseñadora de vestuario para Disney. Sus créditos incluyen Frozen II, Ralph rompe Internet y la película en la que fue más decisiva, Moana, para la que diseñó los trajes y las joyas: Recomiendo este fantástico artículo de Tyranny of Style, que explica los detalles a los que se dedicó para asegurarse de que, además de ser única, cada prenda pudiera fabricarse de forma realista utilizando únicamente materiales disponibles de forma natural en Polinesia.
Su obra personal refleja las mismas influencias, pero de forma diferente. Según me enteré durante la entrevista, para sus proyectos personales utiliza principalmente témpera, tinta y acuarela, que dibuja con un estilo que es como si la ilustración de moda del siglo XX se encontrara con el arte naïf, aunque la rudeza y la sencillez no se deben a la falta de formación formal: es antigua alumna del Fashion Institute of Design and Merchandising y ha recibido clases en Cal Arts (todos saludan).
Pintura al gouache de 2019. En Instagram.
Compáralo con esta ilustración digital de 2011. En El blog de Neysa Bove.
También merece la pena destacarlo: Proviene de una estirpe de artistas. Su padre es un reputado pintor abstracto, y su hermana, Lorelay, también trabaja para Disney y es una consumada artista de estilo similar, una dinámica que también se observa en Tom y Tony Bancroft.
Ésta es la segunda entrevista que le hago: La primera fue un intercambio muy breve por correo electrónico -del que incluí algunos extractos-, pero quería hablar con ella más a fondo, así que hablamos unos días más tarde a través de Zoom.
—
¿Cómo acabaste participando en el proyecto MerMay de Gallery Nucleus/Wacom?
Había hecho exposiciones [con Gallery Nucleus] en el pasado, y Tom [Bancroft] simplemente me pidió que participara. Y obviamente me encantan las sirenas, así que dije: "¡Por qué no!".
Dijiste a través de nuestro correo electrónico que te encantaban desde que viste La Sirenita de niña en España. ¿Qué impacto tuvo la película en ti?
Lo era todo para mí en aquella época. Incluso siendo tan pequeña y conociendo la animación: Veíamos dibujos animados los sábados por la mañana como todos los niños, pero tengo el recuerdo de ver eso por primera vez y de alguna manera ver un mundo diferente. No se parecía a los dibujos animados de los sábados por la mañana.
Era animación del siguiente nivel.
Cierto, y sólo ver eso y ser transportado a ese mundo que nunca hubieras imaginado fue mágico para mí. Te hacía pensar en ese mundo en el que antes no pensabas -el mundo de las sirenas-, era fantástico y te hacía querer formar parte de él. No es un juego de palabras. [Risas]
¿Cuánto tiempo llevas participando en MerMay?
No demasiado. Me enteré hace unos dos años. Me gustaba y me parecía divertido, pero el espectáculo fue [lo que realmente me hizo participar en él]. Éste, y había hecho otro llamado Splish Splash que también se basaba en las sirenas; no sé si has oído hablar de él.
Sí, Whitney Pollett mencionó que hizo esa.
Lo hizo. Pernielle también.
Hablando de películas de Disney, pusiste una cantidad insana de esfuerzo en tu trabajo para Moana. ¿Era atípico de la cantidad de trabajo que requiere un proyecto de diseño de vestuario?
No, yo diría que un diseño de vestuario implica varias semanas si la producción lo permite. Se basa en el horario, y se basa en: ¿Es un personaje A, es un personaje B o es una multitud? Y en cuanto a los conocimientos, nunca pretendería ser un experto en una época o un lugar concretos, así que tienes que empezar a aprender desde cero en un montón de situaciones diferentes. Es un poco loco asumir la tarea de diseñar algo intentando convertirte en un experto cuando no sabes nada.
Como en Moana, no sabía nada de Oceanía en ese periodo de tiempo. En estas situaciones, lo bueno de trabajar en un estudio es que tienes mucha suerte de estar expuesto a recursos maravillosos: Como traer a gente de las islas reales para que vengan a hablar con nosotros y nos cuenten su experiencia, y nos digan: "Esto es lo que llevaría mi tatarabuela, y este color significa esto para nosotros". Sería muy difícil hacerlo por tu cuenta, así que aprecio eso, y el hecho de que se nos permita formar parte de diferentes culturas para contar sus historias.
En una entrevista anterior mencionaste que también te interesaban las Barbies desde pequeña: ¿Trabajar para Mattel era todo lo que esperabas?
Tal y como ha ido mi carrera... Desde que era niña, siempre quise trabajar en Disney, pero no estaba segura de en qué puesto. Lo mismo ocurre con las muñecas Barbie. ¿Qué divertido sería ser diseñador de juguetes? Pero estar allí y verlo desde el punto de vista de un diseñador, frente a crecer con Barbies, es muy intenso cómo puedes influir positivamente en la vida de un niño. Y era genial saber que una niña o un niño podía tener en sus manos algo que tú habías creado, jugar con ello, inspirarse en ello... así que me pareció estupendo.
Se ha criticado mucho cómo las muñecas y las princesas afectan a la autoestima de las niñas, pero ¿cuáles son sus ventajas?
Es realmente interesante... Quizá ahora sea diferente para los niños que están creciendo con Instagram y TikTok y todas esas cosas, pero al recordarme a mí misma de pequeña jugando con muñecas, nunca pensé en su forma ni nada parecido: "Oh, es una muñeca delgada, ¡quiero ser así!". Lo vi desde un punto de vista diferente.
Pero, ¿has recibido muchos comentarios de niños -u otros adultos- sobre cómo les ha afectado?
Muchas chicas que se han metido en la industria de la moda dicen que les encantaba vestir a sus muñecas Barbie; les encantaba utilizar cualquier tela que encontraran en su casa para confeccionar sus propios trajes. Así que es una forma divertida de que un niño pequeño sea imaginativo en su casa, y utilizar una muñeca Barbie para ello es bastante estupendo para ellos.
Sin embargo, existen muchos estereotipos similares, y probablemente ideas equivocadas, sobre la industria de la moda en su conjunto. ¿Hay alguna que te gustaría aclarar o corregir?
¿Puedes especificarlo?
Supongo que la gente lo desacredita como forma de arte, los medios de comunicación suelen centrarse en los atuendos de pasarela más locos y menos prácticos, y también está la controversia sobre la imagen corporal.
Para serte franca, creo que la industria de la moda es un lugar que da miedo. Pero creo que es lo que sacas de ello, como todo en la vida. Todo tiene un lado oscuro. Oyes hablar de empresas que intentan hacer el bien, como [las que] intentan obtener recursos de tejidos de lugares que confían a las mujeres y son libres de hacer ese trabajo, pero no todo viene de ahí, así que creo que algunos de esos estereotipos son ciertos. Nunca diría que no lo son. Es cuestión de educarse y saber de dónde compras la ropa o en qué te inspiras, quién la fabrica. Y con recursos como Internet ahora, creo que no hay excusa. Pero al menos en mi caso, cuando me inspiro en la moda, sólo intento fijarme en la fotografía editorial y cosas así, así que sigo intentando fijarme en lo que me inspira y no en su aspecto negativo, si eso tiene sentido? Creo que sólo importa lo que hagas al respecto y lo que signifique para ti.
—
Del correo electrónico: ¿Cuáles son tus fuentes de referencia para la moda? ¿Tienes una carpeta gigante en tu ordenador, una colección de revistas, ciertos sitios o blogs a los que vas por defecto?
Principalmente uso Pinterest; es una madriguera de inspiración. Tengo más de 30 tableros ocultos de mi inspiración, con subcategorías específicas que van desde los desfiles de moda actuales hasta la moda de los años 60, pasando por la fotografía editorial de moda.
—
¿Tienes alguna época favorita en el diseño de ropa?
Tengo algunos favoritos. Me encanta la moda de los siglos XVI y XVII, y el periodo de los años cincuenta y sesenta; entonces ocurría algo realmente hermoso. Pero todos son muy diferentes, así que cuando intento hacer mis propias creaciones, los miro y veo en qué puedo inspirarme, según el proyecto.
¿Qué tienen los 15 y la moda de 1600? ¿La ornamentación? ¿Los patrones?
¡Sí! Creo que has dado en el clavo. Es la ornamentación y lo meticulosos que serían en esa época. Ahora vas a una tienda y simplemente tiras la ropa después de usarla durante unos años, lo que me parece realmente triste. Pero la forma en que hacían las cosas entonces era simplemente ridícula. Incluso a las prendas que no verían la luz del día, como los bombachos que llevarían, les añadían todos estos intrincados bordados. Eso me parece interesante: el tiempo que puede llevar hacer algo que quizá nadie vea. E incluso la forma en que se abrochaban estas prendas es realmente intrincada.
Esto también se refiere a los años 50 y 60: Si coges una prenda de esa época, se nota que se hizo para llevarla durante mucho tiempo. Incluso el esfuerzo que ponían en hacer un botón, o un ojal, era una cualidad que tenían entonces.
Como Tom Bancroft, ¿cómo es tener un hermano que también es un artista de éxito? Y ambos habéis trabajado antes para Disney, ¿verdad?
Los dos estamos trabajando allí ahora mismo. ¡Estamos trabajando en la misma película!
¿Se te permite decir lo que es?
No. [Risas] Pero también trabajamos juntos en un proyecto cancelado llamado Gigantic.
¿Y haces diseño de vestuario?
Sí.
¿Y ella? ¿Su trabajo también está relacionado con el vestuario?
Lorelay hace un poco de todo. Se centra en los entornos y el color -es una gran diseñadora de color, y quiere hacer guiones de color y cosas así-, pero es muy versátil y sin duda puede hacer personajes.
¿Os retroalimentáis mutuamente? ¿Qué tipo de cosas aprendéis los unos de los otros?
Oh Dios, ¡todo! [Risas] A lo mejor tengo un encargo y se lo enseño y le digo: "Oye, ¿qué te parece?". Ella le echará un vistazo y será muy franca conmigo, y me dirá lo que funciona, lo que no funciona. Es estupendo verlo desde un punto de vista diferente.
Muchas veces es difícil, porque sin duda es algo en lo que tienes que dejar a un lado tu ego: no se trata de eso, sino de la situación de aprendizaje. Y a veces es difícil oírlo de tu hermano porque, ya sabes, es tu hermano. Pero al mismo tiempo, es realmente refrescante obtener esa claridad que quizá no obtengas del resto del equipo porque tal vez no quieran ser tan francos.
Lorelay (I) y Neysa (D) en el Campus Creativo de Disney. Desde Instagram
—
Del correo electrónico: ¿Haces mucho arte digital en tu tiempo personal?
Me encanta hacer arte tradicional para mi arte personal, ya que guardo todo lo digital para el trabajo... pero últimamente me he encontrado probando algunas pinturas digitales por diversión. Creo que, al fin y al cabo, es encantador tener una pieza tangible que se siente más cruda.
—
¿Te sientes más cómodo con lo tradicional que con lo digital?
No, me siento cómodo con ambos; la única diferencia es el tiempo. El tiempo no está a mi favor cuando hago pintura tradicional, por ejemplo, porque si cometes un error tienes que arreglarlo, mientras que digitalmente puedes editar, editar y editar, y ya está.
Yo utilizo lo tradicional para mis cosas personales porque hay una sensación de libertad para utilizar el tiempo que necesites.
Sin embargo, lo tradicional es limitante en algunos aspectos: Por ejemplo, no tienes una paleta de colores ilimitada. ¿Es más liberador en otros aspectos?
¡Sí! ¿Quieres saber por qué? Siempre le digo esto a la gente: Hay algo cuando tienes una idea, tienes un lápiz, y lo esbozas, y es simplemente crudo. Se siente tan conectado, y tiene la sensación de ser exactamente lo que quieres transmitir. Mientras que cuando lo haces en la pantalla, tienes la posibilidad de editar o hacer zoom en la pantalla muy muy ajustado, y creo que eso se pierde. Así que, a veces, acabo mirando mi boceto original y puede que no sea perfecto, pero se siente crudo, y eso es algo que me encanta ver en el arte.
¿Sugerirías que todo artista digital tuviera una formación en tradicional?
¿Creo que sería bueno? [¿Por qué no lo harías, verdad? ¿No te gustaría sentir cómo es un pastel de verdad frente a las acuarelas, y que no fuera sólo el falso de Photoshop? Eso espero.
¿Alguna vez no vas vestido de forma impecable?
En Disneylandia con su hija. Desde Instagram.
[Risas] No voy vestido impecablemente la mitad de las veces, ¡pero gracias! No sé... Creo que es bueno sentirse bien, y cuando te vistes bien, aportas lo mejor de ti en determinadas situaciones, pero especialmente ahora en la cuarentena, he pasado por momentos oscuros, mentalmente, y eso te afecta. Es una época diferente la que vivimos ahora.
—
Del correo electrónico: Por último, ¿qué te parece la Wacom One? ¿Alguna función destacable que te haya resultado útil como pintor digital?
¡Es tan compacta! No puedo creer lo cómoda que es. ¡Es portátil! Puedo llevármelo conmigo si viajo, o simplemente si quiero trabajar desde mi jardín. El tamaño de la pantalla es perfecto, ni demasiado grande ni demasiado pequeña. No hay retardo en la calibración. Realmente lo disfruto. Y también me gusta el diseño aerodinámico; sencillo y estéticamente moderno.
—
...¿Hay algo más que quieras añadir?
Es bastante sencillo. No tiene todas las campanas y silbatos, pero me parece bien. No me pongo quisquilloso con esas cosas. Sólo quiero que sea sencillo. Quiero poder dibujar y dar por terminado el día. No necesito botones especiales de zoom ni teclas de acceso rápido en el lateral, como ocurre con [algunas de las Cintiq anteriores]; en realidad, no los uso de todos modos.
Y cuando trabajas en tu jardín con él, ¿lo alimentas con la corriente de tu ordenador?
Sí, lo conecto a un portátil para poder llevarlo fuera. Es agradable estar fuera porque ahora estoy en mi habitación trabajando todo el tiempo. Me resultaría muy difícil llevar toda mi Cintiq fuera, pero con la Wacom One, puedo cogerla, salir, sentarme donde quiera, ¡y es bastante agradable!
—
La mejor visión general del trabajo actual de Neysa es su Instagram, @Neysabove. Su blog, que ya no se actualiza pero que contiene varios años de fascinante visión de su desarrollo como artista, puede encontrarse en aquí.
—
Sobre el entrevistador
CS Jones es un escritor e ilustrador afincado en Filadelfia. El primero se ve mejor en thecsjones.com, y la segunda en @thecsjones en Instagram. Ha vuelto a utilizar el avatar para ésta, como hará en las piezas no personales, pero eso es sólo porque le gusta y ha puesto mucho esfuerzo en ello. (Más de lo que pueda parecer.)
