Lorsqu'il s'agit de créer des œuvres d'art, nous ne suivons pas nécessairement les tendances, mais il est indéniable que l'évolution de l'esthétique peut affecter notre goût et notre point de vue, en particulier lorsque notre style ou notre technique est ouvert à l'innovation.
Dans cet article, je vais vous présenter quelques tendances de l'illustration de 2024 que j'ai trouvées pour vous. Il s'agit de quelques spécialités que j'observe dans le travail de nombreux artistes et qui ajoutent une certaine qualité aux images qu'ils créent. Je dois également mentionner que ces points sont très subjectifs et que certaines illustrations que j'utilise comme exemple dans cet article présentent plusieurs de ces points en même temps.
Il est important de mentionner d'emblée qu'en 2024, nous avons vu plus de maximalisme et de diversité dans les illustrations que les années précédentes. Qu'il s'agisse d'utilisations commerciales ou de travaux personnels, ces deux éléments ont été les deux chefs de file des tendances à surveiller. Ainsi, lorsque vous lirez cet article, n'oubliez pas que bon nombre de ces exemples portent des traces de ces deux éléments de conception.
Sans plus attendre, je vous présente la première tendance de ma sélection :
Composition symétrique
Qui n'aime pas une bonne symétrie? Tout en ajoutant un langage géométrique à vos dessins, la symétrie peut également être utilisée pour créer des images plus maximalistes.
L'utilisation conjointe de couleurs franches et sourdes, la création de palettes colorées et la composition symétrique ajouteront une bonne qualité à votre œuvre d'art.
Vous avez fait un bon dessin mais il semble un peu vide? Essayez de le multiplier et d'utiliser son jumeau symétrique dans le même cadre. Vous pouvez également le multiplier, faire pivoter les copies et inverser les couleurs pour plus de richesse.
N'oubliez pas d'ajouter de petites formes géométriques ou des décorations florales ou bizarres autour, et voilà! Vous avez une illustration avec une composition complète et soignée à regarder.
Perspective abstraite
Il n'est pas toujours facile d'obtenir une perspective tout en restant dans son propre style. Mais une fois que l'on a pris le coup de main, il est toujours amusant de repousser les limites de son imagination et de jouer avec des possibilités réalistement impossibles.
Vous avez probablement aussi remarqué que, ces dernières années, un changement de perspective déformée a été introduit sur la scène de l'illustration avec l'utilisation de pieds et de jambes de très grande taille. Ok, peut-être qu'il n'a pas vraiment été introduit ces dernières années, mais il a certainement été très populaire parmi de nombreux illustrateurs. Soudain, nos fils Instagram ont été remplis de parties du corps humain proportionnellement plus grandes, et je ne sais pas ce qu'il en est pour vous, mais j'ai vécu pour ça!
En 2024, les choses changent encore plus.
Si vous souhaitez essayer quelque chose de nouveau dans votre travail artistique, pensez à déformer non seulement la taille et la perspective des parties du corps, mais aussi les objets et les éléments décoratifs que vous utilisez dans vos illustrations. Un objet qui semble éloigné peut être plus grand que l'objet situé à l'avant, et vice versa. Essayez de dessiner des objets flottants ou d'éliminer complètement la perspective. Que pouvez-vous créer lorsque vous supprimez les règles de la réalité? Ou peut-être que la bonne question devrait être : qu'est-ce que vous ne pouvez pas faire?
Palette limitée (couleurs vibrantes et sourdes combinées)
Les couleurs que nous utilisons pour dessiner une illustration sont généralement ce qui la fait ou la défait. Oui, j'ai déjà mentionné le maximalisme, qui signifie essentiellement « plus, c'est plus », mais il est parfois possible de dire « moins, c'est plus » en termes de couleurs, tout en conservant un look maximaliste. À mon avis, cela donne aux illustrations un aspect plus élevé et les rend vraiment agréables à regarder.
Comme vous pouvez le voir dans ces exemples, vous pouvez vous mettre au défi en limitant votre palette à 5 ou 6 couleurs (de préférence moins que cela) et essayer de peindre votre illustration de cette manière. Utilisez des couleurs que vous n'auriez pas l'habitude d'utiliser pour les peaux ou d'autres objets, et essayez d'éviter d'utiliser la même couleur pour des éléments qui se trouvent l'un à côté de l'autre. Pourquoi ne pas avoir des peaux vertes, bleues ou violettes et un ciel jaune? Il suffit de faire preuve de créativité et de voir où cela mène votre œuvre d'art!
3D / Éléments d'apparence 3D
Les illustrations en 3D sont de plus en plus nombreuses ces derniers temps. Les logiciels et les outils techniques devenant de plus en plus accessibles et conviviaux, de plus en plus d'illustrateurs créent leurs propres dessins en 3D à partir de leur style existant.
La conception en 3D est un thème dominant dans les portfolios personnels de nombreux artistes numériques, mais on la retrouve également dans les clips musicaux, les identités d'entreprise ou d'autres utilisations commerciales. C'est non seulement agréable à regarder, mais c'est aussi amusant de créer quelque chose qui vous est propre et qui existe dans un espace virtuel!
De plus, avec l'essor des cours en ligne que vous pouvez trouver sur de nombreuses plateformes telles que SkillShare, il est désormais plus facile d'apprendre la conception 3D.
Mais il existe une autre façon d'utiliser les éléments 3D dans le cadre de votre conception. Vous pouvez simplement utiliser vos compétences en matière de peinture et d'ombrage pour créer des éléments d'aspect 3D dans vos dessins.
En 2024, nous verrons de plus en plus d'exemples de ce type, car la tendance s'accélère. Les exemples que je montre ici ne sont pas tous du même style esthétique si vous voulez mon avis, mais du point de vue de l'utilisation de la 3D, ils peuvent être considérés comme des catégories similaires.
Si vous souhaitez donner un aspect 3D à certains éléments de vos illustrations, je vous suggère d'utiliser des brosses de type aérographe et d'exercer vos compétences en matière de lumière et d'ombrage. Vous l'avez!
Texture
Si vous êtes illustrateur, vous savez que les petits changements font de grandes différences! Surtout lorsqu'il s'agit d'ajouter des détails amusants à nos illustrations, comme des textures.
Les brosses texturées donnent aux illustrations un aspect plus peint à la main/traditionnel, et sur le dessin numérique, elles peuvent changer la donne, même lorsque vous apportez des touches très subtiles.
Si vous voulez apprendre à utiliser les textures, vous pouvez essayer d'utiliser un pinceau liner texturé pour vos contours. Vous pouvez ensuite ajouter de légères textures à vos arrière-plans ou à certaines parties des vêtements de vos personnages.
N'oubliez pas que vous ne voulez pas que les textures prennent le dessus sur l'ensemble de l'illustration, alors essayez de jouer avec la transparence et les modes de votre calque de texture. Mais en fin de compte, si vous voulez que vos dessins soient axés sur les textures, pourquoi pas? C'est votre œuvre d'art, vous pouvez faire ce que vous voulez!
Espace négatif
Lorsque j'étais petite et que je dessinais juste pour le plaisir, j'avais cette pression de « ne pas laisser d'espace vide » dans mes dessins, parce que c'est ce que les professeurs d'art à l'école avaient l'habitude de dire. Cela a toujours eu un effet négatif sur mon humeur, et je n'aimais pas remplir un document juste parce que je devais le faire.
Maintenant que je dessine pour gagner ma vie, je comprends que l'utilisation de l'espace négatif a aussi une valeur dans l'art. Le tout est de savoir comment l'utiliser et de comprendre l'équilibre et les proportions de votre composition.
Comme vous pouvez le voir dans ces images, même si elles ont des styles différents, elles restent des exemples d'une bonne utilisation de l'espace négatif. En 2024, vous voudrez peut-être maîtriser l'utilisation de l'espace négatif, car il est de plus en plus répandu dans l'usage commercial.
Vous pouvez non seulement concevoir des affiches ou des articles éditoriaux de cette manière, mais aussi transformer vos dessins en autocollants. De plus, plus vous maîtrisez cette compétence, plus vous pouvez apprendre à la combiner avec le maximalisme et à trouver un équilibre dans vos illustrations.
Selon le dictionnaire Oxford, une tendance est « une direction générale dans laquelle quelque chose se développe ou change ». Les tendances dont j'ai parlé dans cet article ne sont donc pas des règles gravées dans le marbre, mais simplement des occasions d'améliorer votre travail artistique, si vous êtes à la recherche d'inspiration.
Et si vous vous sentez maintenant inspiré et que vous cherchez des outils numériques pour créer davantage d'œuvres d'art, pourquoi ne pas jeter un coup d'œil aux tablettes à stylet et aux écrans à stylet de Wacom qui facilitent la vie des illustrateurs? Wacom propose de nombreuses options dotées de la meilleure technologie de stylet, il ne vous reste donc plus que à vous entraîner et à commencer à créer.
Espérons que 2025 sera une autre grande année pour l'illustration!
A propos de l'auteur :
Zeynep Alpay est une artiste et illustratrice multidisciplinaire indépendante basée à Köln, en Allemagne. Leur travail comprend des illustrations, des animations, des découpes de papier et des œuvres d’art traditionnelles.
Pour en savoir davantage ou pour voir d'autres œuvres de Zeynep, consultez leur portfolio, leur Instagram ou leur Linkedin.
