Nous avons récemment eu l’occasion d’interviewer l’illustratrice et maquilleuse basée à Los Angeles, Julia Hill, et nous avons appris son cheminement pour devenir une designer textile à succès. Des débuts de sa carrière dans le maquillage et la mode à l’illustration pour de grandes marques telles que Free People, LSpace et Lucky Brand, nous avons vraiment apprécié d’apprendre à connaître Julia et ses trucs et astuces pour ceux qui cherchent à poursuivre le design textile. Consultez notre chat résumé ci-dessous.
Qu’est-ce qui vous a amené à devenir designer textile ?
J’ai commencé mon chemin pour devenir un designer textile d’abord en tant qu’illustrateur. J’ai étudié l’illustration à l’ArtCenter College of Design où j’ai vraiment eu la chance d’apprendre de solides fondamentaux et une expertise en dessin et en design. Vers la fin de mes études là-bas, quelques entreprises avec lesquelles j’ai eu des relations antérieures m’ont approché pour voir si j’étais intéressé à faire des conceptions d’emballages et de textiles. À partir de là, j’ai lancé ce chemin dans mon rôle de designer textile.
Quels rôles (créatifs ou non) vous ont amené là où vous êtes actuellement ?
Avant et pendant mon séjour à ArtCenter, j’avais été maquilleuse et j’avais des emplois dans le maquillage et la mode. Mon expérience de maquilleuse m’a conduit là où je suis aujourd’hui en me connectant avec des entreprises qui m’ont offert un travail qui a ensuite évolué dans le design textile. Je pense que les emplois dans l’industrie de la mode inconsciemment m’ont amené à avoir un amour et une appréciation pour ce monde entier et m’a vraiment façonné en tant qu’artiste. Avant d’aller à l’école, je ne comprenais pas vraiment toutes les façons dont je pouvais combiner l’art et la mode ensemble. C’est pendant mon séjour à l’école que j’ai pu expérimenter et avoir la chance de voir les opportunités de l’art et du design sur les marchés de la mode et du style de vie.
En ce qui concerne les artistes, quelles sont vos plus grandes inspirations ?
Quand il s’agit d’artistes, il est si difficile pour moi d’en réduire quelques-uns parce que beaucoup m’ont façonné de tant de façons différentes. Je pense qu’une artiste que j’ai toujours aimée et que j’ai toujours inspirée est Jenny Saville. J’aime son utilisation de la figure, du mouvement, des gestes et de la marque. Helen Frankenthaler est aussi une artiste que j’admire. Son utilisation de l’abstraction à travers la couleur et la forme est captivante et dégage une belle présence et émotion. Kerry James Marshall a également été une grande source d’inspiration pour moi. Son utilisation de la peinture, de la texture et du symbolisme pour représenter sa vision est tellement belle, puissante et émouvante. Il discute de la culture et des stéréotypes dans son travail et délivre un message si puissant et captivant. C’est vraiment émouvant d’être près de son travail. Et si je pouvais le couper avec un seul de plus, j’adore vraiment le travail d’El Anatsui. Son utilisation de matériaux recyclés pour créer des tapisseries et des sculptures plus grandes que nature est impressionnante et crée une discussion extrêmement stimulante sur notre empreinte sur l’environnement.
Faites-vous quelque chose de spécial pour faire couler votre créativité ?
Aller dans les musées, profiter de la nature et maintenir une routine d’exercice saine ont été vraiment de grands stimulants de créativité pour moi. Aller dans les musées est la clé pour être inspiré à nouveau quand j’ai l’impression d’être dans une ornière créative. Passer du temps dans la nature est quelque chose que j’ai grandi en faisant et cela m’aide à libérer toute anxiété ou stress que je peux éprouver. Enfin, l’exercice a été une grande poussée pour moi de garder mon esprit et mon corps prêts pour la journée.
Vos créations viennent-elles facilement ou avez-vous déjà du mal avec vos idées ? Quels obstacles (le cas échéant) rencontrez-vous lorsque vous créez ?
Cela dépend vraiment du projet. Parfois, un dessin peut me venir extrêmement rapidement et de manière organique, ce qui ne prend qu'environ une heure ou deux pour créer et terminer. La construction d'autres conceptions peut prendre des jours en raison de l'édition, de la révision, de la critique et de la refonte constantes. Les obstacles dans les moments les plus difficiles peuvent être n'importe quoi, qu'il s'agisse d'une mauvaise mise en page, des choix de couleurs, de l'application de lignes ou de peinture, des interférences numériques et parfois simplement des éléments utilisés dans la conception. Ce sont aussi les moments où j'essaie de sortir pour me rafraîchir et réinitialiser mon esprit.
Pouvez-vous voir votre produit fini avant de commencer ?
Je pense que cela dépend du projet, mais parfois je peux ! Si l’inspiration pour un design fait couler ma créativité de la bonne manière, je peux visualiser de grands concepts que je finis par exécuter. J’aime expérimenter beaucoup cependant, et donc je vais généralement explorer plus loin. Je trouve normalement que pousser l’idée plus loin est un excellent moyen de découvrir de nouveaux designs que je n’ai peut-être pas essayés avec juste ma vision initiale.
Comment savez-vous quand un projet est terminé et n’a pas besoin de travaux supplémentaires ?
C’est une question délicate ! Il peut être difficile de dire quand quelque chose est complet, en particulier les œuvres d’art. Je pense que pour moi, c’est plus un sentiment. Vous arrivez à un point où vous pouvez regarder la pièce, y accéder dans son ensemble, et vous pouvez voir qu’elle n’a probablement pas besoin d’éléments supplémentaires pour en faire un bon design.
Qu’est-ce que ça fait de concevoir pour des marques telles que Free People et Lucky Brand ?
Concevoir pour des marques comme Lucky Brand et Free People est génial ! Pour la plupart, les projets sont abordés d’abord avec un concept ou une vision. La marque aura une histoire de couleur, un mood board ou des inspirations pour les motifs, et un ton général pour la collection. C’est là que j’interdise et que nous pouvons créer des impressions amusantes. Je livre habituellement plusieurs croquis pour construire l’idée d’une image finale et de ceux que nous atterrissons sur notre conception finale. C’est un processus de curation amusant et approfondi qui est très détaillé et méticuleux, mais aussi tout aussi excitant et gratifiant.
Quel conseil donneriez-vous à quelqu’un qui débute dans votre domaine ?
Pratiquez, pratiquez et pratiquez un peu plus ! Devenir un designer textile peut être difficile lorsque vous devez trouver une multitude de conceptions à partir d’un seul concept. Je crois que la voie du succès passe par les erreurs et l’expérimentation.
Que souhaitez-vous accomplir avec votre art ?
Voilà. Le bonheur, l’épanouissement, la conversation, la joie, l’émotion et tant d’autres belles choses que vous pouvez dériver de l’art. Je travaille actuellement sur quelques projets qui me passionnent vraiment et j’ai hâte d’accomplir tout ce que je peux avec ceux-ci. J’espère qu’en tant qu’artiste, je continuerai à changer, à grandir et à mûrir avec mon travail et que je continuerai à accomplir et à fournir un engagement positif continu avec lui.
Avez-vous déjà rencontré des gens portant vos créations ?
En fait, je ne l’ai pas encore fait ! J’espère bientôt cependant, et avec le nombre de produits qui sortiront l’année prochaine, je sais que mes chances seront beaucoup plus élevées, donc je suis excité pour ce jour à venir.
Portez-vous vos propres dessins ?
Tout le temps ! C’est amusant de pouvoir créer quelque chose, de le faire passer en production (de quelque manière que ce soit) et de pouvoir ensuite l’ajouter à ma vie quotidienne ! J’aime ça.
