Je pense que les artistes apprennent mieux lorsqu'ils sont en apprentissage auprès d'un maître artiste pratiquant un style d'art particulier, une "école de pensée ». C'est ainsi que l'on procédait historiquement. L'apprenti peintre à l'huile presse les graines de lin pour fabriquer l'huile de lin, se procure et mélange les pigments pour la peinture et tend la toile. L'apprenti sculpteur va chercher l'argile, bloque les formes primaires grossières et participe aux tâches laborieuses telles que la cuisson, le moulage et la coulée. Les apprentis s'occupaient également de l'entretien du studio d'art, en veillant à la propreté des espaces de travail et en traitant les commandes de matériel artistique afin que le maître artiste puisse se concentrer sur la création de grandes œuvres d'art. En échange, l'apprenti acquiert des connaissances et une expérience de première main précieuses, apprenant des techniques et des stratégies qui lui donneront un avantage pour créer des œuvres reflétant le style artistique unique que l'artiste plus âgé a maîtrisé. Comme l'apprenti concentrait son apprentissage sur un seul style d'art, il lui était plus facile de travailler à la maîtrise de ce style. Le maître artiste a également bénéficié de ce dispositif. Elle a préparé un successeur pour perpétuer son héritage. Cela a permis de garantir que son style d'expression artistique resterait pertinent à mesure que de nouvelles écoles de pensée émergeaient.
Il y avait plusieurs écoles de pensée à l'époque de l'apprentissage. Le peintre baroque italien de la fin du XVIe siècle, Michelangelo Caravaggio, a par exemple inspiré l'école de peinture Caravaggisti. Les caravagistes, ceux qui ont suivi le style du Caravage, ont utilisé de nombreuses techniques du Caravage en utilisant une palette de couleurs limitée ainsi que des ombres et des lumières dramatiques. L'influence du Caravage est perceptible, même une génération plus tard, dans l'œuvre de Rembrandt.
Existe-t-il des formations dans le monde de l'art numérique? Malheureusement, non. Vers 2012, j'ai voulu devenir un artiste numérique après avoir suivi une formation en art traditionnel pendant 7 ans. J'ai cherché une école de pensée de l'art numérique à imiter et un maître de l'art numérique auprès duquel apprendre. Ma recherche d'un programme formel auquel je pourrais m'abonner n'a pas abouti. Je pense qu'il y a plusieurs raisons à cela. Les écoles de pensée sont créées et soutenues par des personnes qui s'engagent à promouvoir un style unique, indépendamment des tendances actuelles. Ce type d'engagement fait défaut dans l'industrie de l'art numérique. L'industrie a plutôt investi dans quelques styles artistiques rentables. Lorsque j'ai commencé à travailler dans l'art numérique, les styles artistiques privilégiés étaient l'art de type Pixar, l'art des surfaces dures pour les jeux de tir et l'art des jeux mobiles. Je pense également que les artistes principaux ne sont pas intéressés par la formation de leurs successeurs. Peut-être ne veulent-ils pas perpétuer les styles artistiques actuels et n'ont-ils pas de perspective artistique propre? Peut-être veulent-ils retenir les connaissances pour limiter la concurrence sur le marché de l'emploi? Peut-être pensent-ils que cela prend trop de temps?
Même sans modèle d'apprentissage formel, j'ai vu beaucoup d'artistes numériques étonnants sur ArtStation ou ZBrushCentral au fil des ans, et leurs œuvres ne cessent de s'améliorer. Mais en creusant un peu, j'ai appris que certains des meilleurs artistes numériques ont fait leur apprentissage auprès d'un expert ou se sont concentrés sur une école de pensée particulière. Gio Nakpil, connu pour son travail sur l'Incroyable Hulk, est un sculpteur numérique qui a étudié avec Carlos Huante, dont les dessins de créatures ont été utilisés dans des superproductions de science-fiction telles que Blade, Men in Black, Planet of the Apes et Prometheus. Huante, sculpteur et dessinateur traditionnel depuis plus de 30 ans, utilise des techniques de sculpture et de dessin volumétriques qui sont reprises dans les sculptures numériques de Nakpil. Peter Konig, dont les sculptures ont été présentées dans des films allant de Coneheads à Enchanted et qui a appris auprès de Phil Tippett, fondateur des Tippett Studios, a sculpté et animé de manière traditionnelle pendant des décennies avant d'adopter les outils numériques. La maîtrise des soutiens traditionnels par Konig se retrouve dans son art numérique. Rafael Grasetti et Amilcar Aldana Fong sont deux autres artistes dont les œuvres démontrent leur maîtrise de l'art traditionnel et de l'art numérique. Je ne sais pas qui a formé Grasetti et Fong, mais les écoles de pensée qui ont façonné leurs styles artistiques transparaissent dans leurs œuvres.
Une fois que j'ai vu le lien entre l'expertise et la formation au sein d'une école de pensée, je n'ai pas pu m'en défaire. Je voulais cela pour moi. Mais il n'y avait pas de voie d'apprentissage formelle, comme un emploi dans le domaine de l'art, disponible pour moi lorsque j'ai commencé à travailler. Et je ne connaissais pas de bon artiste au style unique qui soit prêt à investir du temps pour m'apprendre à lui succéder, même contre rémunération. Au lieu de cela, j'ai passé des années à reconstituer ma propre école de pensée en utilisant les techniques de mes professeurs d'art traditionnel préférés, des cours d'art numérique en ligne, des artistes de la production cinématographique et des artistes classiques.
Il en résulte un style principalement influencé par mes artistes préférés, l'un historique et l'autre une légende vivante.
Le célèbre peintre orientaliste Jean-Leon Gerome est le maître historique qui a le plus influencé mon travail. Gérôme était si doué que même son élève, Charles Bargue, devint l'un des meilleurs artistes de tous les temps. Bargue était un dessinateur expérimenté, connu pour enseigner aux étudiants à dessiner d'abord à partir de moulages en plâtre, puis à dessiner des copies de maîtres, et enfin à dessiner d'après des modèles vivants. L'approche académique de Gerome et Bargues pour capturer une opulence très détaillée correspond à mon approche de l'art. Je commence toujours mes créations fantaisistes en partant d'une base académique.
Travaux d'élèves du cours de Charles Bargue sur le dessin d'après moulage.
Je pratique les techniques de dessin de Gérôme et de Bargue en utilisant le graphite hydrosoluble de Caran d'Ache sur du papier pour carnet de croquis de Tomoe River.
Le deuxième artiste qui m'a le plus influencé est le légendaire Steve Wang, un créateur de créatures, sculpteur traditionnel, maquilleur et cinéaste basé à Los Angeles. Wang est surtout connu pour ses sculptures dans Guyver, Guyver Dark Hero, Predator, Underworld, Blizzard et Hellboy. La compréhension de Wang de l'anatomie animale, humaine et fantastique est inégalée et son traitement des surfaces des créatures est si académique qu'il plairait même au regretté Jean-Léon Gérôme. Je peux voir dans son travail les années d'étude et d'observation de Wang. Je m'efforce de faire en sorte que mon art atteigne le niveau de qualité que Wang apporte à ses œuvres.
J'applique l'approche académique de Gerome et la combine avec mon amour des dessins anatomiques fantastiques de Wang pour créer des personnages complexes comme celui-ci.
Je me suis sentie beaucoup plus libre une fois que j'ai développé mon propre objectif artistique à partir duquel j'ai appris l'art numérique. Je n'étais plus perdue sur le plan stylistique. Je pourrais apprendre beaucoup plus rapidement en tant qu'apprenti (inconnu, lointain) de Gerome et Wang, en glanant autant de connaissances que possible en observant leurs œuvres magistrales.
Ayant moi-même été perdue, je recommande aux artistes moins expérimentés d'identifier un ou plusieurs maîtres auprès desquels ils peuvent faire leur apprentissage ou dont ils peuvent étudier les œuvres de loin. Il est beaucoup plus facile de s'améliorer lorsqu'on a une direction en tête; le fait d'avoir des modèles artistiques et stylistiques vous aide à le faire. Bien que je ne sois pas encore au niveau d'un Steve Wang, j'espère aussi que les maîtres artistes qui liront ces lignes envisageront de prendre sous leurs ailes un jeune artiste prometteur. Cela permettra de garantir que votre expertise et votre style, développés tout au long de votre vie, se poursuivent longtemps après votre décès. Il est impossible de savoir combien de Rembrandt numériques un seul maître artiste peut créer.
Quincy Vadan est un artiste vivant à Los Angeles. Quincy a commencé sa carrière artistique en étudiant les beaux-arts et l'illustration pendant six ans et demi à l'Academy of Art University de San Francisco. Il a ensuite obtenu une bourse d'études pour entrer à la Parsons School of Conception de New York. Quincy a refusé de poursuivre l'étude de l'art 3D en autodidacte et de cultiver sa palette esthétique. Il a passé les cinq années suivantes à incuber : se former aux dernières techniques d'art numérique, perfectionner ses compétences en art traditionnel, combiner les deux et les appliquer à des créations qui portent sa signature. Qu'il s'agisse de vêtements, de personnages numériques ou de bijoux, ses créations, souvent décrites comme « magnifiquement originales », « un mélange irrésistible de masculin et de féminin, de pratique et de fantaisie, de simple et d'orné » et « d'avenir et pourtant éternelles », sont le résultat d'une décennie de voyages à la recherche de la maîtrise, de la beauté et de la signification.
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