Nous, les artistes, avons des histoires d'origine similaires. Il y a eu ce moment de notre enfance où nous avons été inspirés par un film, une bande dessinée ou un jouet préféré. Cette inspiration nous a poussés à recréer l'œuvre d'art qui a d'abord captivé notre imagination. Nous prenons un crayon, une craie ou un morceau de craie et gravons une série de marques qui forment notre première œuvre d'art. Cela vous semble-t-il familier? Les jouets des Maîtres de l'Univers ont été les œuvres qui ont éveillé mon imagination. J'avais 6 ans lorsque ma mère, employée comme caissière au Kmart situé entre la 21e et Woodlawn dans notre ville du Midwest de moins de 300 000 habitants, a utilisé sa remise d'employée pour m'acheter une nouvelle figurine des Maîtres de l'Univers toutes les deux semaines. Finalement, ma collection de MOTU s'est transformée en une armée respectable. Tous les soirs, je m'appuyais sur mon pouf en vinyle noir, je m'entourais de dizaines de figurines MOTU et je mettais en scène des opéras spatiaux épiques opposant le château Greyskull à la montagne des Serpents. C'est ce qui m'a poussé à vouloir créer des mondes fantastiques. L'artiste qui est en moi est né par pur jeu.
À partir de là, j'ai utilisé des crayons d'écolier HB jaunes primaires pour griffonner mes pensées sur du papier d'imprimante bon marché. J'ai abandonné ce matériel au lycée, où je préférais utiliser mon jeu de crayons bleus Staedtler et mes carnets de croquis reliés. Je suis devenu encore plus exigeant (ou prétentieux) au fil des ans, en passant aux crayons Caran d'Ache et aux carnets de croquis Moleskine. Je passais d'innombrables heures à déverser mon imagination dans ces carnets de croquis pour créer des croquis, des études de vie et des dessins de fans. Des années plus tard, j'ai eu envie d'outils plus avancés et j'ai commencé à me familiariser avec Photoshop pour créer mes premières œuvres d'art numérique - horriblement exécutées - à l'aide d'une tablette Wacom Intuos d'occasion. J'étais fier de ces terribles peintures. Nous aimons tous nos premières créations. Plus c'est moche, mieux c'est.
Un jour, j'ai décidé de me consacrer sérieusement à mon art. J'appelle cette étape le miroir doré de l'artiste. C'est à ce moment-là que l'artiste fait le grand saut et investit dans sa carrière professionnelle en achetant une tablette numérique plus grande, en payant des licences de logiciels commerciaux et en s'abonnant à des cours d'art. C'est dans les cours, en personne ou en ligne, que votre travail est critiqué en groupe par d'autres artistes pour la toute première fois. Les premières critiques sont brutales. Ils ont complètement brisé l'image que je me faisais du prochain Rembrandt. Soudain, tout le monde autour de moi était beaucoup plus talentueux. Tout ce que je pensais être bon dans mon travail a été remis en question. J'ai commencé à me demander pourquoi je consacrais tant de temps et d'argent à mon art. Cet investissement a été un miroir doré qui m'a obligé à faire face à l'engagement que j'avais pris dans mon parcours artistique.
Chaque cours me rappelait à quel point il était difficile de créer de l'art au niveau que je souhaitais. Il y a toujours autant de nouvelles techniques à apprendre, de logiciels à maîtriser, de tendances en matière de conception à suivre, et ainsi de suite. Alors que je m'efforçais de relever ces défis, une chose étrange a commencé à se produire. Ma sensibilité artistique, qui était auparavant la mienne et la mienne seule, a commencé à être influencée par mes pairs, mes professeurs et l'industrie de l'art. Plus tôt, j'ai créé des œuvres d'art parce que je voulais recréer la joie que je ressentais en tant qu'enfant inspiré. Le doute s'est alors installé. J'ai remis en question mes compétences, mes techniques, mes soutiens artistiques et je me suis demandé si je voulais faire de l'art une profession plutôt qu'un passe-temps. Ces éléments peuvent faire des ravages dans la psyché de l'artiste, transformant ce qui était autrefois une pratique presque méditative en une activité stressante et pleine d'anxiété. Pouvons-nous jamais retourner dans notre espace créatif sécurisé une fois qu'il a été compromis par un jugement extérieur? Comment recréer la magie qui a fait naître l'artiste qui sommeille en nous?
Il est possible de revenir à l'innocence artistique. Il faut pour cela faire preuve d'honnêteté. Nous devons nous demander : « Quel genre d'artiste suis-je? ».
Réfléchissez d'abord à votre source de motivation. L'acte de création artistique me procure-t-il de la joie, indépendamment du résultat ou des réactions des autres? Ou avez-vous besoin des autres pour apprécier votre art?
Ensuite, demandez-vous si l'art doit être au centre de votre vie professionnelle. Ai-je besoin d'une validation financière pour continuer à investir dans mes compétences artistiques? Ou bien vais-je toujours prendre le temps et faire des sacrifices ailleurs pour améliorer mes compétences?
Enfin, réfléchissez au type d'expression qui vous procure de la joie. Suis-je plus heureux en créant des œuvres d'art originales? Ou bien est-ce que je préfère m'appuyer sur le travail de quelqu'un d'autre?
Je vous encourage à répondre honnêtement à ces questions et à suivre les réponses jusqu'à votre conclusion personnelle. Cela m'a aidé à faire taire les voix qui doutent de moi et à créer à partir d'un lieu d'authenticité. Il m'a aidé à donner le meilleur de moi-même, ainsi que l'imagination débridée de ce petit garçon mettant en scène des opéras spatiaux épiques avec ses jouets MOTU, sur ma tablette noire Wacom Cintiq 32 Pro. Le Cintiq a remplacé le sac en vinyle noir de ma jeunesse; je l'utilise pour sculpter mes propres personnages fantastiques qui joueront un rôle dans les opéras spatiaux épiques d'un petit garçon ou d'une petite fille.
C'est moi en 1984, portant mon pyjama Bruce Lee préféré et tenant des figurines de Grizzlor et d'He-Man en armure de combat. Le sac à dos était juste en dehors du champ de vision.
Quincy Vadan est un artiste vivant à Los Angeles. Quincy a commencé sa carrière artistique en étudiant les beaux-arts et l'illustration pendant six ans et demi à l'Academy of Art University de San Francisco. Il a ensuite obtenu une bourse d'études pour entrer à la Parsons School of Conception de New York. Quincy a refusé de poursuivre l'étude de l'art 3D en autodidacte et de cultiver sa palette esthétique. Il a passé les cinq années suivantes à incuber : se former aux dernières techniques d'art numérique, perfectionner ses compétences en art traditionnel, combiner les deux et les appliquer à des créations qui portent sa signature. Qu'il s'agisse de vêtements, de personnages numériques ou de bijoux, ses créations, souvent décrites comme « magnifiquement originales », « un mélange irrésistible de masculin et de féminin, de pratique et de fantaisie, de simple et d'orné » et « d'avenir et pourtant éternelles », sont le résultat d'une décennie de voyages à la recherche de la maîtrise, de la beauté et de la signification.
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