Eunbi Kang est un artiste et illustrateur coréen de développement visuel qui a récemment obtenu son diplôme du très renommé ArtCenter College of Design à Pasadena, en Californie. Dans la vidéo ci-dessous, elle explique pourquoi les feuilles de conception de personnages sont si importantes et montre comment elle a créé le sien à l’aide d’un écran de stylo Wacom Cintiq 16 .
Kang a créé à l’origine la peinture numérique avec laquelle elle travaille dans la vidéo il y a quelque temps, mais ne l’a jamais développée en un projet complet. Elle avait toujours aimé cette pièce, et avait reçu beaucoup de commentaires positifs à ce sujet de ses disciples, donc elle savait qu’elle finirait par y revenir et peut-être même le transformer en une animation. Nous avons demandé à Kang de montrer son processus de développement visuel, en commençant par la façon dont elle peut extraire une feuille de conception de personnage de son œuvre finale.
Pourquoi une feuille de conception de personnage est-elle importante ?
Une feuille de conception de personnage est une référence importante pour les artistes travaillant sur des projets tels que l’animation, les bandes dessinées ou les livres illustrés. Il détaille comment un personnage se comporte, ressemble et agit, et dépeint généralement le personnage dans plusieurs poses du corps entier vues sous plusieurs angles et montre une grande variété d’expressions faciales.
Parfois, les artistes incluent également un récit écrit pour raconter l’histoire de fond du personnage et pour aider à mieux définir leur personnalité et à prédire leurs comportements dans l’histoire. Voici quelques raisons pour lesquelles une feuille de conception de personnage est importante :
- Atteint la cohérence et la continuité dans l’apparence et la convivialité du personnage
- Aide à contrôler les petits détails qui donnent vie au personnage sur la page
- Permet aux artistes de maintenir la cohérence dans la conception des personnages pour l’illustration séquentielle
- S’assure que malgré les efforts de plusieurs ou plusieurs artistes, leur travail est cohérent, comme si un seul artiste faisait les dessins
- Fournit une « carte » de référence partagée que les équipes peuvent consulter lorsqu’elles travaillent avec le personnage ou le monde dans lequel il interagit
La création d’une feuille de conception de personnage réussie implique d’établir des formes, de réfléchir à la façon dont le personnage se porte et de dessiner le personnage à plusieurs reprises. Il est important de garder les conceptions aussi simples que possible et d’éliminer le bruit inutile. Trop de détails peuvent encombrer un design. Les règles de conception doivent être crédibles, mais pas nécessairement réalistes.
Retravailler une vieille pièce en quelque chose de nouveau
Lorsque Kang revient sur sa peinture numérique originale, elle explique qu’il y avait des éléments qu’elle voulait préserver, comme les couleurs - le bleu vif du manteau d’hiver et les langues de forme individuelles - le long bâton de bois et la longue queue et les glands sur la cape, alors elle a décidé de garder ces éléments dans sa nouvelle pièce. Cependant, elle a décidé de changer certaines choses qui lui semblaient discutables, comme la façon dont la chemise était connectée à la jupe et l’apparence des bottes. Elle voulait garder les grandes idées de la peinture originale, mais le rendre plus clair et plus facile à lire dans l’ensemble.
En utilisant son Wacom Cintiq 16, Kang a d’abord créé un nouveau croquis à partir de la peinture originale, puis a fait un processus appelé blocage des couleurs - en ajoutant les couleurs de base à l’aide de l’outil lasso et des pinceaux par défaut de base. Elle s’est concentrée sur la séparation des couches individuelles, comme la couche de teint et la couche de jupe, il serait donc plus facile de masquer les sections discrètes si elles étaient sur des couches séparées au cas où elle voudrait apporter des modifications plus tard.
Ensuite, elle a déterminé la direction de la lumière et a ajouté un calque de multiplication au-dessus de ses couleurs de base pour créer des ombres. Kang trouve cette partie du processus particulièrement amusante car elle dit que c’est là que la forme du personnage fonctionne avec la lumière, et c’est le moment où vous apportez votre personnage plat de 2 dimensonal à une image rendue. Pour cette peinture, Kang a mis sa source de lumière en haut à gauche, pointée vers le personnage, car elle a trouvé qu’elle faisait des ombres intéressantes du bras, du nez et de la jupe.
Détails de l’ombre
Après avoir décidé de la direction de l’ombre, elle a commencé à détailler le visage. Kang trouve plus facile d’extraire les détails du visage de la forme créée par les ombres ; elle se concentre simplement sur la partie du personnage qui dépasse ou qui est concave, faisant plus d’ombres. Pour vraiment faire éclater les choses, elle utilise de petits pinceaux sur le dessus pour appliquer une certaine texture.
« L’une des choses qui m’a étonnée à propos du Cintiq, c’est à quel point il capture délicatement les textures et les pressions des stylos », dit-elle. « Il était donc si facile de contrôler mes stylos et de profiter pleinement de mes pinceaux de texture. Quand j’ai eu ce Cintiq pour la première fois, j’essayais littéralement tous les pinceaux que j’ai et j’étais juste étonné de la façon dont il mélange bien la couleur et à quel point il montre en douceur le fonctionnement de mon pinceau. Et le moniteur lui-même a montré les couleurs exactes que je cherchais - il a montré le bleu cobalt que je voulais, et il a montré la lumière et les ombres distinctives que j’ai exprimées.
Après un rendu ultérieur, Kang est passé à des poses de personnages. Elle a décidé que l’une des caractéristiques les plus intéressantes de cette conception de personnage était la queue de la cape. Elle savait que la cape se déplacerait différemment selon l’état. Par exemple, par temps froid, il peut s’enrouler vers l’intérieur comme la queue d’un écureuil. En revanche, lorsque le personnage se battait, la cape pouvait créer une forme en zigzag pour montrer l’intensité de la situation.
Après avoir fait quelques croquis approximatifs, Kang a nettoyé une partie de son dessin au trait et s’est concentrée sur le fait de rendre les poses du personnage plus claires tout en gardant ses idées originales de ses croquis approximatifs. Pour exagérer la scène, elle a ajouté des ombres graphiques et de la lumière au-dessus des couleurs de base. Elle a d’abord créé plusieurs couches, puis ajouté des couches de superposition.
Pour décider quelles couleurs choisir, elle devait considérer le type de situation dans lequel le personnage était dépeint : se battait-elle la nuit sous une lune brillante, ou se battait-elle dans une forêt sombre engloutie par le feu ?
« C’est la partie où j’ai utilisé mon imagination. Vous savez, quand nous étions petits enfants, nous dessinions toujours des personnages sympas et faisions des histoires super intenses. J’ai utilisé la même technique. C’est l’image finale ! Je suis satisfait de la façon dont il est sorti et heureux que j’ai pu apporter mon ancien caractère et le rendre meilleur.
À propos d’Eunbi Kang
Eunbi Kang est un artiste de développement visuel et illustrateur né en Corée du Sud pour les jeux, l’animation, et plus encore. Elle a récemment obtenu son diplôme du département d’illustration de l’Art Center College of Design à Pasadena, en Californie.
Tout en poursuivant sa carrière, elle a remporté la catégorie environnement indépendant aux Concept Art Awards 2022 et au Prix de l’illustration japonaise. Elle est fascinée par les palettes de couleurs vibrantes et les thèmes fantastiques. Suivez-la sur Instagram.
