Dans cette vidéo et le post d’invité de Marco Bucci, il discute de son voyage artistique - comment comme un adolescent, il n’était pas un artiste adepte. Mais grâce à son travail acharné, il est devenu un professionnel très respecté. Comment l’a-t-il fait ? Lisez la suite.
Peinture numérique : leçons que j’ai apprises en cours de route
J’ai commencé mon parcours artistique quand j’avais 19 ans. Je voulais aller à l’école d’art à l’université, mais l’œuvre d’art dans mon portfolio m’a fait rejeter, donc j’ai dû apprendre par moi-même. Avance rapide d’environ 20 ans et aujourd’hui, je suis embauché par de grands studios comme Wizards of the Coast, Disney, Marvel et Blizzard. J’en suis même arrivé au point où je refuse des emplois.
Dans cette vidéo, je veux partager quelques informations que j’ai apprises au cours de mon parcours créatif. Dans la vidéo précédente, j’ai parlé de la façon dont j’ai appris à dessiner à partir de zéro, mais dans celle-ci, je vais me concentrer sur la peinture.
La peinture commence et se termine par le dessin, et mon professeur, Nick Kalislian, m’a d’abord montré la puissance d’une bonne conception de forme. Les formes de Nick ont toujours été si fluides et amicales à dessiner, ce que j’ai appris est la marque d’un professionnel.
Mes premiers dessins de la vie avaient des formes, mais il n’y avait aucune pensée donnée à leur conception. C’est la marque d’un débutant. Lorsque vous regardez un dessin d’artiste professionnel, vous serez témoin de soins pour chaque forme. Les artistes professionnels dessinent souvent encore et encore une forme, pour trouver le meilleur design.
Comprendre les blocs de construction aux formes
- Ligne droite
- Courbe en C
- Courbe en S
Quelques années après le entrée de mon parcours de dessin, beaucoup de mes études étaient des reconstitutions d’art que j’aimais, mais en mettant l’accent sur la compréhension du langage de forme sous-jacent. J’ai étudié beaucoup d’animation parce que les formes sont tellement distillées et rendues évidentes dans ce milieu.
J’ai appris beaucoup de principes de dessin à partir de la bande dessinée, mais je voulais aussi être capable de peindre de manière réaliste et l’un des plus grands obstacles mentaux auxquels j’ai été confronté était la question de savoir ce qui rend les deux styles différents. En réalité, toutes les formes sont également abstraites ! Mais c’est la complexité qui fait la différence.
Sortez dans le monde
Je pense qu'il est important de dessiner à partir de la vie, parce que vous ne voulez pas nécessairement qu'une caméra préfiltre les choses : vous voulez être le filtre. Lorsque vous êtes là-bas dans la vraie vie, vous permettez à d’autres sens de filtrer dans le travail. Il est important de s’engager avec votre sujet directement de la vie.
Bien sûr, il y a encore des moments pour utiliser des références photo, mais c’est mon expérience avec la peinture de la vie qui me permet d’apporter de la vie à ce que je référence à partir de photos.
Valorisez vos valeurs
Les valeurs présentent un défi difficile pour la plupart des débutants. Mais la meilleure façon de réduire la complexité des valeurs est de diviser l’échelle en groupes, à partir desquels vous pouvez choisir des moyennes. Commencez par réduire votre sujet à une seule valeur de lumière et à une seule valeur d’ombre. Les valeurs de lumière et d’ombre sont les deux choses les plus importantes à établir car elles vous disent le plus d’informations sur la direction et la position de la lumière, qui sont toutes deux liées, et l’orientation des plans dans l’espace 3D.
Un exercice de simplification des valeurs
Prenez une photo de votre visage avec une seule source de lumière, jetez-la en niveaux de gris, puis allez dans vos filtres. J’utilise Photoshop, mais vous pouvez recréer cela dans n’importe quelle application. Ce que vous essayez de faire, c’est d’isoler les formes de lumière et d’ombre. Vous ne pouvez pas faire cela avec tous les sujets, parce que la nature ne vous donnera pas toujours des formes simples, mais avec la tête humaine, cela fonctionne généralement.
- Commencez par le filtre de traits inclinés de Photoshop. Jouez avec les paramètres pour révéler les formes les plus simples possibles.
- En plus de cela, ajoutez le filtre à brosse sèche et jouez avec les paramètres pour simplifier ces formes.
- Allez dans la luminosité / contraste et jouez avec les curseurs jusqu’à ce que les valeurs soient aussi peu nombreuses que possible.
- En plus de cette base, prenez un pinceau non texturé et peignez dans les formes de lumière et d’ombre, en éliminant les détails au fur et à mesure, jusqu’à ce que vous arriviez à des valeurs moyennes. Ce qui est utile ici, c’est que vous ressentez ce que c’est que de peindre des formes simples et abstraites.
- Lorsque vous avez terminé, retournez d’avant en arrière pour apprécier la simplicité et même tracer les formes pour commencer à construire un catalogue mental.
- L’étape suivante consiste à peindre l’image vous-même, mais toujours, utilisez des références.
Couleur ?
Il y a un autre fondamental dont nous n’avons pas encore parlé, la couleur. J’en parlerai dans la prochaine vidéo.
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À propos de l’auteur :
Marco est un artiste professionnel canadien avec 15 ans d’expérience dans les industries du cinéma, de la télévision, du jeu et de l’impression - principalement en tant qu’artiste conceptuel et illustrateur qui a récemment été mis à niveau vers un wacom Cintiq Pro et ergo stand. Il croit fermement qu’il est du devoir des artistes expérimentés de transmettre ce qu’ils ont appris, et c’est pour cette raison qu’il est un enseignant passionné à CGMA.
Ses clients comprennent maintenant Disney, Marvel, MtG, Hasbro, Lego, Lucasfilm, et plus encore. Découvrez-le sur YouTube, Patreon, Instagram ou son site Web.
