Commençons par une question : Quel est le but d’un portfolio d’art ?
N’y pensez pas seulement de votre point de vue, cependant - pensez également de votre client ou de votre agent des admissions. De votre côté, le but est d’atteindre un objectif : généralement, être accepté dans une école d’art ou trouver du travail. Sur le leur, c’est une indication de si vous serez un ajustement pour leurs besoins spécifiques.
Vous devez donc vous y prendre différemment que vous ne le feriez, disons, en choisissant des articles à publier sur les médias sociaux ; le public et le but sont différents. Commençons par un hack dont la plupart des artistes ne profitent pas, donc si vous le suivez, cela vous mettra immédiatement des kilomètres en avance.
Conseil : Vous devriez avoir plusieurs portefeuilles
Si vous avez déjà un portfolio, il y a de fortes chances qu’il s’agit d’un portfolio à usage général - un aperçu général de tout ce que vous faites et êtes en tant qu’artiste. Ceux-ci impressionnent les gens, mais ils ne sont pas aussi susceptibles de vous amener à l’école ou embauché. C’est parce que le plus gros problème dont se plaignent les examinateurs de portefeuille est trop de matériel non pertinent. Si votre portfolio montre tout ce que vous pouvez faire ... il est plus probable qu’une partie de celui-ci ne sera pas pertinente pour un public particulier.
Voyons donc comment créer des portefeuilles à thème et ciblés . Un portefeuille à thème est mis en place pour un type général de programme ou de client, et rassemble une variété de pièces dans un style d’art particulier ou un type de pièce. Un ciblé est personnalisé pour celui spécifique pour lequel vous postulez.
Les bases d’un bon portefeuille
Si vous allez postuler à de nombreuses écoles ou emplois, vous voudrez d’abord créer un portfolio à thème pour chaque type de programme général pour lequel vous postulez. Pour le travail, un pour chaque poste dans lequel vous êtes ouvert à travailler.
Selon toutes les sources que j’ai consultées, un portefeuille devrait être de 10 à 20 pièces, avec plusieurs citant 12 comme le nombre idéal. Si vous n’avez pas 12 bonnes images pour votre programme ou position prévue ... vous n’êtes probablement pas prêt à vous spécialiser ou à obtenir un emploi dans ce pays. Désolé.
Ensuite, copiez toutes vos meilleures pièces dans un dossier sur votre disque dur. Il s’agit du pool d’images dans lequel vous allez puiser pour vos portefeuilles ciblés.
Ensuite, lorsqu’il est temps de les envoyer, vous pouvez choisir l’un de vos portefeuilles à thème à appliquer à la plupart des écoles ou des entreprises. Mais pour les applications « de la plus haute valeur » - les écoles ou les emplois par lesquels vous mourez d’envie d’être accepté - créez un portfolio ciblé présentant le travail qui, selon vous, conviendrait le mieux exactement à ce qu’ils recherchent.
Quelles pièces devriez-vous mettre dans votre portfolio lorsque vous postulez à l’école d’art ?
Le type de pièces appropriées variera énormément d’une école et d’un programme à l’autre. Les portfolios d’œuvres d’art doivent se concentrer sur des pièces qui montrent votre personnalité unique et font une déclaration, par exemple, tandis que ceux pour les programmes techniques ou axés sur l’industrie doivent se concentrer sur des images qui sont aussi proches que possible du travail professionnel dans ce domaine. Mais dans l’ensemble, voici ce que vous devriez essayer de démontrer :
Polyvalence ciblée
Les écoles encouragent la ramification beaucoup plus que les lieux de travail ; leur raisonnement étant que c’est la phase expérimentale de votre vie et que vous devriez jeter l’art au mur pour voir ce qui colle. Ils veulent savoir que vous êtes prêt à essayer une grande variété de médias et de sujets, pas seulement devenir une machine de production pour un type.
Pour les programmes d’arts numériques, ajoutez quelques pièces traditionnelles pour montrer que vous pouvez dessiner sans Ctrl-Z. Et pour les traditionnels, vous avez encore plus de marge de manœuvre. Les départements des beaux-arts, en particulier, vous encouragent à travailler dans et sur différents médias. Le professeur de l’école d’art recommande d’essayer de peindre sur des matériaux inhabituels et des objets trouvés, par exemple. Variez vos compositions, aussi. Plusieurs sources dans mes recherches ont mentionné qu’ils sont fatigués de toujours voir des sujets centrés dans le cadre.
La partie « focus » entre en jeu parce que vous voulez toujours que tout reste pertinent pour le programme.
Votre voix
Les écoles cherchent généralement à voir si vous avez le genre de potentiel et d’intentions artistiques qu’elles essaient de faire ressortir. Même les techniques les plus difficiles ne se contenteront pas de percer le processus dans votre tête : s’ils sont bons, ils veulent également voir ce qui est unique à propos de votre art et aider à le développer. Une grande partie de cela réside dans vous en tant que personne, votre histoire et ce qui vous différecie de leurs milliers d’autres candidats.
Beaucoup aiment voir des œuvres traitant de l’identité, donc si vous avez des pièces qui traitent de cela, assurez-vous de les inclure - non pas pour des raisons cyniquement flatteuses, mais parce qu’elles sont une partie importante de qui vous êtes et de ce que vous apportez à la table de l’école.
Compétence technique, mais pas maîtrise
La plupart des écoles veulent voir un certain niveau de compétence technique – mais pas nécessairement une expertise. Certains l’apprécient plus que d’autres. « CalArts, par exemple, ils regardent vraiment vos capacités techniques, et MICA [Maryland Institute College of Art], ils cherchent vraiment à exprimer votre voix artistique », explique Youtuber sakuraopal, qui a été acceptée dans plusieurs écoles avec son portfolio et a fini par aller à CalArts.
Vous n’avez pas besoin d’être un artiste de niveau professionnel pour entrer dans de grandes écoles, cependant. Si vous êtes déjà un maître, pourquoi aller à l’école d’art en premier lieu ? Qu’est-ce qu’ils auraient à vous apprendre ?
Sur une note similaire, il est important d’inclure des dessins représentant les premières étapes du processus de création, y compris des études et des croquis, pas seulement les pièces finies brillantes. Cela montre un peu de votre processus - comme « montrer votre travail » dans les cours de mathématiques.
Ce qu’il faut éviter
Portraits de célébrités, anime, fanart qui ne met pas une nouvelle tournure sur le matériel source, gros plans des yeux, zentangles et mandalas, tout ce qui est copié à partir d’une référence photo sans changements, ou de mauvaises photos de vos pièces traditionnelles sont toutes des choses qui devraient être évitées.
Quels éléments devriez-vous mettre dans votre portefeuille lorsque vous postulez à un emploi créatif ?
« Les gens pensent que « mon portefeuille est à propos de moi », alors qu’il s’agit vraiment des besoins du client ! »
– Marshall Vandruff, professeur d’art et co-animateur du podcast Draftsmen
Bien qu’ils se ressemblent, les portefeuilles d’emplois sont très différents de ceux de l’école. Dans certains cas, ce que les clients recherchent sera directement opposé.
Maîtrise
Là où les écoles veulent généralement voir suffisamment de compétences pour vous emmener le reste du chemin, dans le monde du travail, plus vous avez de compétences et de polissage, mieux c’est. Mais cela ne signifie pas nécessairement compétence technique ; la compétence se présente sous diverses formes. Il peut s’agir de la créativité avec laquelle vous communiquez des idées ou de la façon dont vous transmettez simplement un concept complexe.
Personne n’excelle dans tout, et vous voulez que vos forces particulières soient pleinement exposées dans votre portefeuille. Et il devrait se concentrer sur vos meilleures pièces finies, avec juste assez de croquis pour faire savoir à un client que vous pouvez le faire aussi s’il en a besoin.
Ne pensez pas que cela signifie que vous devez être un dieu de l’art pour devenir un professionnel, cependant. Il y a des emplois d’une sorte ou d’une autre disponibles pour les artistes à tous les niveaux au-dessus de la compétence de base. Cela dépend également du domaine : un magazine peut accepter des styles d’illustration plus rugueux qu’une entreprise de jeux vidéo pourrait accepter pour l’art conceptuel, par exemple.
Mise au point polyvalente
C’est là que les attentes diffèrent le plus de l’école d’art. Là où les écoles veulent voir la polyvalence dans la matière du programme, la plupart des emplois veulent voir autant de preuves que possible que vous pouvez clouer les choses spécifiques qu’ils veulent que vous créiez. Assemblez donc une collection thématique de travaux avec juste assez de variation pour les rassurer que vous pouvez vous diversifier s’ils en ont besoin.
Ne vous inquiétez pas, cependant - cela ne signifie pas que vous devriez passer de dessiner ce que vous aimez à seulement ce que vous pensez être commercialisable. Il y a d’innombrables histoires d’étudiants potentiels et d’employés potentiels soumettant des portfolios remplis de leur art le plus ennuyeux parce que c’est dans un genre qui est populaire, mais toujours rejeté par tout le monde. Souvent, ceux-ci se terminent par le demandeur décidant de dessiner ce qui lui plaît réellement - et d’être embauché.
Votre voix ... mais aussi le leur
La contradiction apparente dans ce que les directeurs artistiques recherchent est l’une des parties les plus difficiles de la recherche d’emploi : ils semblent vouloir quelqu’un qui apporte un style unique à la table ... mais qui peut le cacher et se rapprocher le plus possible du style préexistant du projet. Mais ce que cela signifie vraiment, c’est qu’ils recherchent quelqu’un qui est déjà bon pour faire le type d’art pour lequel ils embauchent.
Le compromis consiste donc à adapter votre portefeuille ciblé à des niches encore plus spécifiques. Cela signifie que votre travail ne conviendra pas à la plupart des employeurs, mais c’est une bonne chose, car il éliminera les emplois pour lesquels vous n’êtes pas adapté et attirera des clients dans votre domaine de spécialité.
Quelques derniers conseils
Commencez et terminez avec votre meilleur. Commencez par votre meilleur, car c’est la première impression de l’examinateur de vous. Ensuite, terminez avec votre deuxième meilleur pour laisser une forte impression finale sur eux.
Une recommandation commune est que rien dans votre portefeuille ne devrait avoir plus de trois ans. Ce n’est pas une règle stricte, surtout pour votre portefeuille de travail si votre style n’a pas beaucoup changé. Mais privilégiez certainement le travail récent par rapport au travail plus ancien.
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Enfin, réfléchissez à la façon dont vous présentez votre travail - juste sur Instagram ? Sur votre propre site Web ? Un hôte gratuit comme ArtStation ? Imprimé dans un joli folio que vous pouvez apporter aux entretiens d’embauche ? Une fois que vous avez sélectionné le travail, il est temps de mettre la chose dang ensemble et de l’afficher.
Voici comment faire cela - consultez la suite de cet article, Les meilleurs endroits pour héberger votre portfolio d’art.
Remarque : l’image de ce post présente des pièces de portfolio de julia Hill, designer textile et utilisatrice de Wacom.
À propos de l’auteur
Cameron « C.S. » Jones est un écrivain et illustrateur basé à West-Philly qui contribue à Wacom depuis trois ans maintenant. Vous pouvez voir plus de son travail, y compris la plupart de ses contributions à ce blog, à thecsjones.com, ou suivez-le sur Instagram ou Twitter.
