Cet article de blog fait partie de notre série Aperçu des carrières créatives . Pour lire plus d’interviews et d’idées sur la poursuite d’une carrière créative, directement des professionnels de l’art conceptuel, de l’animation, de l’illustration, de la conception de jeux et bien plus encore, cliquez ici.
Ici, à Wacom, nous sommes de grands fans de Joshua Leonard. Illustrateur, artiste conceptuel, concepteur de personnages et animateur 2D traditionnel, Leonard crée un travail incroyable qui présente fréquemment divers personnages souvent sous-représentés dans la conception et l’animation de personnages grand public. Il a même fondé son propre studio, Leonard Studios, pour « aider à changer la façon dont les dessins animés et les films dépeignent être différents », et pour normaliser la diversité dans l’animation.
Nous lui avons parlé de sa carrière dans l’art et l’animation : comment il a fait ses débuts, pourquoi il est important de donner la priorité à la diversité, et les conseils qu’il a pour les jeunes artistes qui pensent à une carrière créative. L’entrevue a été modifiée pour des raisons de longueur et de clarté.
Croyez-vous que l'école d'art est une nécessité pour les jeunes artistes qui veulent sérieusement faire carrière, ou est-il possible de s'enseigner soi-même ?
Joshua Leonard : Je dessine depuis mon enfance et je considère l’art comme une carrière depuis le collège. En fait, j’ai commencé à gagner de l’argent avec mon art à un jeune âge ! Cela étant dit, fréquenter une école d’art n’a jamais été un objectif majeur pour moi, alors qu’aller dans un collège qui a l’animation comme majeure l’était. J’ai d’abord dû me spécialiser en design graphique, car il n’y avait pas de diplômes en animation là où je vivais à l’époque.
Quand j’ai déménagé à Atlanta à cause de l’ouragan Katrina, j’avais plus d’options pour savoir où je voulais aller en raison des majeures en animation qui étaient fournies dans les universités locales. À l’origine, je voulais aller au Savannah College of Art and Design (SCAD), mais c’était trop cher pour moi, alors j’ai fini par aller à l’Art Institute of Atlanta et j’ai obtenu un diplôme en arts médiatiques et en animation.
En fait, je suis retourné à l’école quand j’avais 34 ans, ce qui m’a en fait aidé parce que je me concentrais sur le laser. J’étais étudiant à temps plein et j’avais un emploi à temps plein à l’époque. Je me suis retiré du travail à minuit et je restais éveillé jusqu’à 3h00-4h00 du matin en faisant mes devoirs et en m’animation.
En ce qui concerne les écoles, je pense que les étudiants devraient vraiment comprendre que, plus que tout, les collèges ne vous apprendront pas à dessiner. Ils s’attendent à ce que vous le sachiez déjà ! J’ai une vaste expérience en illustration, mais je ne savais pas comment animer, storyboard, conception de personnages ou développer des personnages, donc c’est vraiment la raison pour laquelle je suis allé dans une école d’art.
Est-ce que le fait d’aller à l’école d’art est nécessaire ou recommandé pour les artistes en herbe ? Je ne pense pas. La plupart des studios dans lesquels j’ai travaillé n’ont jamais eu besoin d’un diplôme de ma part. Ils ont vu mon portefeuille et le bouche à oreille d’autres vétérans de l’industrie. De nos jours, il y a tellement de vidéos de formation que les gens peuvent apprendre que l’obtention de ce diplôme d’art spécifique n’est pas nécessaire. Non seulement cela, ces cours sont enseignés par de vrais artistes de l’industrie comme moi.
Une étude de cours majeure que j’aurais achetée est creatureartteacher.com, qui est la compagnie du vétérinaire de Disney Aaron Blaise. Il enseigne littéralement tout sur l’animation, et c’est extrêmement abordable.
Quels sont les avantages et les inconvénients de travailler pour un studio par rapport à la pige ?
Être un artiste indépendant me permet la liberté, et l’expérience de travailler pour tant d’entreprises différentes a signifié que je peux apprendre tant de tant d’artistes incroyables. En tant qu’artiste, j’ai travaillé pour diverses entreprises, des sociétés de jeux, aux concerts de storyboard commerciaux, aux projets personnels pour d’autres conteurs, au WNBA Atlanta Dream, et plus encore.
La pige a des avantages, mais j’aimerais aussi travailler à temps plein dans un studio pour des avantages comme l’assurance maladie, par exemple. Je n’ai pas encore eu l’occasion d’être intégré dans un studio réel, mais j’ai été dans beaucoup d’entre eux pour voir comment ils fonctionnent, et j’adore ça. Ce serait également formidable de voir d’autres artistes à l’œuvre. En travaillant à la pige, j’ai l’intention de voir d’autres œuvres d’autres artistes sur divers projets, mais c’est sur Zoom plutôt qu’en personne.
À quoi ressemble une journée dans la vie pour vous dans votre carrière ?
Parce que je suis pigiste, j’ai en fait un emploi à temps plein pour pouvoir avoir ce revenu constant ainsi qu’une assurance maladie - je travaille en fait à temps plein chez Home Depot ! Donc, une journée dans la vie de ma carrière ressemble à ceci : je me réveille à 10h30, je vais à la salle de gym pendant une heure, je rentre à la maison et je mange, je vais au travail de 13h30 à 22h30, je rentre à la maison, je prends une douche, je mange, je me détends pendant quelques minutes et je commence mon travail indépendant : répondre aux e-mails, puis commencer par le travail en studio.
Cela peut ressembler à travailler sur de nouvelles illustrations ou à corriger d’autres œuvres en utilisant les commentaires du réalisateur, du producteur ou de l’éditeur artistique avec lequel je travaille. Je reste généralement éveillé jusqu’à environ 2h00 - 3h00 du matin. Ce n’est pas facile, mais cela en vaut vraiment la peine ! J’ai fait beaucoup et beaucoup appris.
À quoi ressemble votre processus artistique ?
Mon processus artistique commence avec Wacom, bien sûr ! Mon poste de travail principal est un Wacom Cattiq Pro 32, puis j'ai un Wacom One de voyage que j'emmène sur la route lorsque je dois faire des conférences, etc. Je dessine principalement dans Adobe Photoshop sur un Mac.
Vous souvenez-vous de votre première « grande rupture » dans votre industrie ? Comment en êtes-vous là ? Quels conseils donneriez-vous aux jeunes artistes qui tentent de percer dans les domaines créatifs ?
Je n’oublierai jamais ma première grande pause dans l’industrie, et c’était pendant que je marchais dans Home Depot, en fait ! J’ai reçu un e-mail de Nickelodeon pour faire un travail de conception de personnages sur un spectacle sans titre. Un artiste du nom de Chris Young a vu mon travail sur Linkedin, et je suis très reconnaissant de l’opportunité.
Mon autre grand succès a été de travailler sur le court métrage primé, MILA, de Cinzia Angelini. Je les ai contactés sur Twitter quand j’étais en deuxième année à l’université, et je leur faisais simplement savoir que j’étais disponible pour travailler. Je ne cherchais pas à être payé à l'époque, et je voulais donc établir une relation avec ces personnes extraordinaires, comme la productrice de MILA, Andrea Emmes. Ils m’ont donné une opportunité, et je n’ai jamais regardé en arrière. Cinzia et Andrea ont été des mentors extraordinaires pour moi, et je les apprécie beaucoup.
Mon conseil pour les jeunes artistes qui essaient de percer dans les domaines créatifs est le suivant : vous devez vous rappeler que c’est une entreprise très compétitive, ce qui signifie que votre travail doit se démarquer. Aussi, restez humble et restez patient ! Ne comparez pas le succès de quelqu’un d’autre au vôtre, car ce n’est peut-être pas encore votre temps. Je viens d’avoir 40 ans en septembre dernier, et je commence tout juste à faire du bruit dans cette industrie !
Un aspect clair est que votre marque crée un travail « diversifié et inclusif ». Pourquoi est-ce important pour vous, et comment avez-vous vu l’industrie changer en termes de diversité et d’inclusion au cours de votre carrière ?
La diversité et l’inclusion sont ma marque, et j’y crois beaucoup en tant que concepts. Principalement, je veux voir des changements plus positifs dans une industrie qui n’était qu’à sens unique il n’y a pas si longtemps. C’est important pour moi parce que j’ai une fille, et les gens avec des enfants devraient être en mesure de montrer à leurs enfants des personnages auxquels ils peuvent s’identifier. C'est pourquoi je dessine d'abord les personnes de couleur et les personnes handicapées.
Je crois que nous avons vu une quantité abondante d’émissions et de personnages de copier-coller dans les médias grand public en ce moment, donc je suis ici sans réserve avec mes idées, mes histoires, mes personnages et mes croyances. Je pense que ma passion pour la diversité et l’inclusion me donne aussi des concerts, parce que les studios savent que je vais leur donner des personnages dopes, intéressants et moins vus.
Joshua Leonard est un illustrateur, un artiste conceptuel, un concepteur de personnages et un animateur 2D traditionnel, spécialisé dans la création de personnages convaincants, inclusifs et diversifiés qui sont souvent sous-représentés et négligés tout en créant des histoires relatables. L’accent qu’il a mis sur les handicaps, la neurodiversité et la représentation a déjà eu un impact positif significatif sur les jeunes du monde entier, quelle que soit leur capacité.
Voyant un besoin de diversité et d’inclusion dans l’animation et l’industrie de l’animation elle-même, avec moins de 4% des animateurs étant de couleur, Joshua a fondé son propre studio, Leonard Studios, pour aider à changer la façon dont les dessins animés et les films dépeignent la diversité. Consultez Leonard sur son site Web, envoyez-lui un e-mail, suivez-le sur Instagram ou contactez-le via LinkedIn.
