Au fil des ans, Proko est passé d'une chaîne Youtube mettant principalement en vedette son fondateur Stan Prokopenko à un empire de l'éducation artistique comptant 116 instructeurs. Le phénoménal artiste conceptuel Jon Neimeister, à l'origine du tutoriel ci-dessous, est l'un d'entre eux.
Dans sa dernière vidéo, il nous a montré comment passer d'un croquis à une peinture en niveaux de gris dans Photoshop. Dans cette série en deux parties, il donne des conseils aux artistes en herbe sur leurs propres études monochromes et repeint leur travail. Il couvre le travail de quatre étudiants au total dans les deux parties de la série.
La première peinture qu'il critique est celle d'une étudiante nommée « Patricia ».
Il complimente son « style gestuel et fluide », avec son « rythme à la Van Gogh », mais lui suggère d'améliorer son contrôle de la valeur. Elle a besoin d'une plus grande séparation entre ses lumières et ses ombres, ainsi qu'entre ses différentes valeurs locales, ou les « couleurs » sous-jacentes, recommande-t-il. Bien entendu, la peau, le collier et la plume sont généralement plus clairs, tandis que les vêtements sont généralement plus foncés. Elle a bien réussi à les séparer dans l'ensemble, dit-il, mais lorsqu'elle est arrivée aux vêtements eux-mêmes, elle a « commencé à perdre un peu le contrôle des valeurs ».
En regardant la référence, poursuit-il, on peut voir que le chapeau et les vêtements sont beaucoup plus sombres que ce que Patricia a peint. En réduisant leur luminosité, elle peut non seulement se rapprocher de la photo, mais aussi attirer davantage l'attention sur le visage.
Une fois cette question résolue, il passe aux problèmes d'éclairage. En commençant par la manche :
L'un des aspects qu'elle a oubliés, explique-t-il, est qu'elle a peint l'ensemble comme s'il était éclairé de la même manière, alors qu'en réalité, la zone rouge est dans la lumière et la zone violette dans l'ombre. L'assombrissement de la zone violette permet de « réduire le contraste et de limiter l'information pour s'assurer que l'attention reste là où elle doit être », c'est-à-dire sur le visage. Cela peut également être un moyen de gagner du temps lors de la peinture, car cela limite la quantité de détails à peindre dans les zones sombres. Elle a pu inclure juste assez d'information pour le montrer sans avoir à rendre chaque pli du tissu. Cela aura également pour effet secondaire de lui donner un aspect plus atmosphérique.
Il passe ensuite au visage, où « une chose similaire se produit ». Après avoir assombri l'ombre sur l'œil gauche, il lui fait remarquer qu'elle a trop mis l'accent sur la lumière périphérique provenant du côté droit de son visage, ce qui a pour effet de trop briser la forme générale de l'ombre. Il lui montre comment peindre une bande d'ombre plus foncée sur le côté droit du visage avant de revenir en arrière et d'en effacer une partie pour ajouter à nouveau le rimlight.
Le deuxième artiste qu'il critique est « Karen », qui, à mon avis, a déjà tout compris :
Mais il trouve toujours des moyens de l'améliorer. Le premier problème qu'il signale est que les ombres ne sont pas assez foncées, car elles sont entièrement limitées aux tons moyens et servent principalement à souligner les petits muscles, alors qu'il devrait y avoir des ombres plus grandes décrivant les formes dans leur ensemble. Ce qu'elle doit faire, conseille-t-il, c'est « séparer un peu plus les ombres des tons moyens ». Sur un nouveau calque, il prend un pinceau gris foncé et montre où les ombres supplémentaires doivent être placées.
Le torse a besoin de « ombres de forme », c'est-à-dire les ombres naturelles qui se produisent lorsque quelque chose est orienté dans la direction opposée à la source de lumière. Dans ce cas, la poitrine est orientée vers le haut en direction de la lumière, tandis que le ventre est orienté vers le bas en s'éloignant de la lumière, ce qui crée une forme d'ombre distincte sur le torse, qu'il peint par-dessus.
Karen n'a pas non plus insisté sur le fait que la jambe gauche est complètement enveloppée d'ombre, et il l'a donc peinte. Une fois cette étape franchie, il réduit l'opacité à 40 %, transformant sa peinture opaque en un ombrage parfait.
Une fois les grandes zones d'ombre peintes, explique-t-il, on peut passer au rendu subtil des muscles individuels, mais « commencer par cette séparation claire des ombres est en fin de compte l'une des choses les plus importantes pour obtenir un effet réaliste de la lumière ».
Neimeister poursuit cette leçon avec deux autres critiques - bientôt sur ce blogue! Restez à l'écoute pour la deuxième partie.
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Pour en savoir plus sur le travail de Jon Neimeister, consultez son site Web ou son Twitter. Si vous souhaitez développer davantage vos compétences en matière de peinture numérique, envisagez de suivre un cours complet chez Proko.
Cette leçon fait partie du cours Numérique Coloration Fundamentals de Neimeister, mais Proko propose des tonnes de cours dispensés par des instructeurs tels que Stan Prokopenko, Marco Bucci et Trent Kaniuga.
