Il s'agit de la cinquième interview d'une série d'entretiens avec les huit artistes qui ont participé à l'exposition que nous avons co-organisée avec la galerie Nucleus de Los Angeles, et qui ont collaboré entre eux pour créer l'image ci-dessous. (Certains d'entre eux prennent plus de temps que je ne l'avais prévu pour être facilités. À ce rythme, nous pourrions nous retrouver en MerJuly.)
Les précédents : Tom Bancroft | Pernille Ørum | Brigitte Roka | Jenna Gray | Whitney Pollett
Neysa Bové
Sa contribution à MerMay, réalisée sur le Wacom One. Depuis Instagram
Neysa Bové sait ce qu'elle veut faire depuis son plus jeune âge, et elle y est parvenue. Née dans la micronation d'Andorre, à la frontière espagnole, elle a immigré aux États-Unis avec sa famille à l'âge de neuf ans, emportant avec elle trois poupées Barbie et sa passion pour les films de Disney.
Vingt ans plus tard, elle s'est retrouvée à travailler pour Mattel en tant que créatrice de Barbie, et aujourd'hui, vingt-cinq ans plus tard, elle est costumière pour Disney. Elle a notamment travaillé sur Frozen II, Ralph Breaks the Internet et le film dans lequel elle a joué le rôle le plus important, Moana, pour lequel elle a conçu les tenues et les bijoux : Je vous recommande ce fantastique article de Tyranny of Style qui explique les détails qu'elle a mis en œuvre pour s'assurer qu'en plus d'être unique, chaque vêtement pouvait être fabriqué de manière réaliste en utilisant uniquement des matériaux naturellement disponibles en Polynésie.
Son travail personnel reflète les mêmes influences, mais d'une manière différente. Comme je l'ai appris au cours de l'entretien, elle utilise principalement la gouache, l'encre et l'aquarelle pour ses projets personnels, qu'elle dessine dans un style qui ressemblerait à la rencontre entre l'illustration de mode du XXe siècle et l'art naïf, bien que la rugosité et la simplicité ne soient pas dues à un manque de formation formelle : elle est une ancienne élève du Fashion Institute of Conception and Merchandising et a suivi des cours à Cal Arts (tous les honneurs).
Peinture à la gouache de 2019. De Instagram (en).
Comparez avec cette illustration numérique de 2011. De Le blogue de Neysa Bove.
À noter également : Elle est issue d'une lignée d'artistes. Son père est un peintre abstrait renommé, et sa sœur, Lorelay, travaille également pour Disney et est une artiste accomplie dans un style similaire - une dynamique que l'on retrouve également chez Tom et Tony Bancroft.
C'est la deuxième interview que j'ai réalisée avec elle : Le premier était un échange de courriels très bref - dont j'ai inclus quelques extraits - mais je voulais lui parler de manière plus approfondie, et nous nous sommes donc entretenus quelques jours plus tard au moyen de Zoom.
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Comment avez-vous fini par participer au projet MerMay de la galerie Nucleus/Wacom?
J'avais déjà participé à des expositions [avec la Gallery Nucleus] et Tom [Bancroft] m'a simplement demandé de participer. Et comme j'adore les sirènes, je me suis dit : « Pourquoi pas! ».
Vous nous avez dit par courriel que vous les aimiez depuis que vous les avez vus. La petite sirène enfant en Espagne. Quel impact le film a-t-il eu sur vous?
C'était tout pour moi à l'époque. Le simple fait d'être tout petit et d'être initié à l'animation : Nous regardions les dessins animés du samedi matin, comme tous les enfants, mais je me souviens d'avoir regardé ces dessins animés pour la première fois et d'avoir découvert un monde différent. Cela ne ressemblait pas aux dessins animés du samedi matin...
Il s'agissait d'une animation de haut niveau.
C'est vrai, et le simple fait de voir cela et d'être transporté dans ce monde que vous n'auriez jamais pu imaginer a été magique pour moi. Cela vous fait penser à ce monde auquel vous n'aviez pas pensé auparavant - le monde des sirènes - c'était fantastique, et cela vous donnait envie d'en faire partie. Sans mauvais jeu de mots! [Rires]
Depuis combien de temps participez-vous à MerMay?
Pas trop longtemps. Je l'ai appris il y a peut-être deux ans. Je m'y intéressais et je trouvais cela amusant, mais c'est le spectacle qui m'a vraiment incité à y participer. Celui-ci, et j'en avais fait un autre qui s'appelait Splish Splash et qui était basé sur les sirènes également - je ne sais pas si vous en avez entendu parler?
Oui, c'est vrai, Whitney Pollett a mentionné qu'elle l'avait fait.
C'est ce qu'elle a fait. Pernielle aussi.
En parlant des films de Disney, vous avez déployé des efforts considérables dans votre travail pour Moana. Était-ce atypique par rapport à la quantité de travail qu'exige un projet de conception de costumes?
Non, je dirais qu'une conception de costume nécessite plusieurs semaines si la production le permet. Elle est basée sur le calendrier et sur la question suivante : est-ce un personnage A, est-ce un personnage B ou est-ce une foule? En ce qui concerne les connaissances, je ne prétendrai jamais être un expert d'une période ou d'un lieu particulier, il faut donc commencer à apprendre à partir de zéro dans un grand nombre de situations différentes. Il est un peu fou de s'atteler à la tâche de concevoir quelque chose en essayant de devenir un expert alors que l'on ne sait rien.
Comme pour Moana, je ne savais rien de l'Océanie à cette époque. Dans ce genre de situation, ce qui est formidable quand on travaille dans un studio, c'est qu'on a la chance d'être exposé à des ressources merveilleuses : Comme faire venir des gens des îles pour qu'ils nous parlent de leur expérience et nous disent : « C'est ce que mon arrière-arrière-arrière-grand-mère porterait, et cette couleur a une signification pour nous. » Il serait vraiment difficile de faire cela tout seul, alors j'apprécie cela, et le fait que nous soyons autorisés à faire partie de différentes cultures pour raconter leurs histoires.
Vous avez mentionné dans une précédente interview que vous vous intéressiez aux Barbies depuis votre plus jeune âge : Travailler pour Mattel était-il à la hauteur de vos espérances?
Au vu de l'évolution de ma carrière... Depuis mon enfance, j'ai toujours voulu travailler chez Disney, mais je ne savais pas exactement dans quelle fonction. Même chose pour les poupées Barbie. Quel plaisir ce serait d'être concepteur de jouets? Mais le fait d'être sur place et de voir les choses du point de vue d'un concepteur par rapport à une enfance passée avec des Barbies - c'est assez intense de voir comment on peut influencer la vie d'un enfant de manière positive. Et c'était cool de savoir qu'une petite fille, ou un petit garçon, pouvait tenir quelque chose que vous aviez créé, jouer avec, s'en inspirer - j'ai donc trouvé cela vraiment génial.
De nombreuses critiques ont été formulées sur la façon dont les poupées et les princesses affectent l'estime de soi des jeunes filles, mais quels sont leurs avantages?
C'est vraiment intéressant... Peut-être que c'est différent aujourd'hui pour les enfants qui grandissent avec Instagram et TikTok et toutes ces choses, mais quand je me souviens de moi, petite fille jouant avec des poupées, je n'ai jamais pensé à leur forme ou à quoi que ce soit de ce genre - « Oh, c'est une poupée maigre, je veux être comme elle! » Je l'ai vu d'un point de vue différent.
Mais avez-vous eu beaucoup de réactions de la part d'enfants - ou d'autres adultes - sur l'effet que cela a eu sur eux?
Beaucoup de filles qui se sont lancées dans l'industrie de la mode ont dit qu'elles aimaient habiller leurs poupées Barbie; elles aimaient utiliser tous les tissus qu'elles trouvaient dans leur maison pour créer leurs propres tenues. C'est donc une façon amusante pour un jeune enfant de faire preuve d'imagination dans sa maison, et utiliser une poupée Barbie à cette fin est très bien pour lui.
Il existe cependant de nombreux stéréotypes similaires, et probablement des idées fausses, sur l'industrie de la mode dans son ensemble. Y a-t-il des points que vous aimeriez éclaircir ou corriger?
Pouvez-vous préciser?
Je suppose que les gens la discréditent en tant que forme d'art, que les médias se concentrent souvent sur les tenues les plus folles et les moins pratiques des défilés, et qu'il y a aussi la controverse sur l'image corporelle.
Pour être franche avec vous, je pense que l'industrie de la mode est un endroit effrayant. Mais je pense que ce qui compte, c'est ce que l'on en retire, comme pour tout ce qui se passe dans la vie. Il y a un côté sombre à tout. On entend parler d'entreprises qui essaient de faire le bien, comme celles qui essaient d'obtenir des ressources en tissu dans des endroits qui font confiance aux femmes et où elles sont libres de faire ce travail, mais tout ne vient pas de là, et je pense donc que certains de ces stéréotypes sont vrais. Je ne dirais jamais le contraire. Il s'agit de s'éduquer et de savoir d'où viennent les vêtements que l'on achète ou ce qui nous inspire - qui les fabrique. Et avec des ressources comme l'internet, je pense qu'il n'y a plus d'excuse. Mais au moins pour moi, lorsque je m'inspire de la mode, j'essaie de regarder la photographie éditoriale et des choses comme ça, donc j'essaie toujours de regarder ce qui m'inspire et pas l'aspect négatif de la chose, si ça a du sens? Je pense que ce qui compte, c'est ce que vous faites à ce sujet et ce que cela signifie pour vous.
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Par courriel : Quelles sont vos sources de référence en matière de mode? Avez-vous un dossier géant sur votre ordinateur, une collection de magazines, certains sites Web ou certains blogues que vous consultez par défaut?
J'utilise principalement Pinterest; c'est une mine d'inspiration. J'ai plus de 30 tableaux cachés de mon inspiration - des sous-catégories particuliers allant des défilés de mode actuels à la mode des années 1960, en passant par la photographie de mode éditoriale.
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Avez-vous une période préférée dans le domaine de la création vestimentaire?
J'ai quelques favoris. J'aime beaucoup la mode des XVIe et XVIIe siècles, ainsi que celle des années 1950 et 1960; il se passait alors quelque chose de vraiment magnifique. Mais ils sont tous très différents, alors quand j'essaie de faire mes propres créations, je les regarde et je vois de quoi je peux m'inspirer, en fonction du projet.
Qu'est-ce qui caractérise les 15 ans et la mode des années 1600? L'ornementation? Les modèles?
Oui, c'est vrai! Je pense que vous avez mis le doigt sur l'essentiel. C'est l'ornementation et la méticulosité qui caractérisent cette époque. Aujourd'hui, on va dans un magasin et on jette les vêtements après les avoir portés pendant quelques années, ce que je trouve vraiment triste. Mais la façon dont ils fabriquaient les choses à l'époque était tout simplement ridicule. Même les vêtements qui ne verraient pas la lumière du jour, comme les culottes bouffantes qu'elles portaient, étaient ornés de broderies complexes. C'est intéressant pour moi de voir à quel point cela peut prendre du temps de faire quelque chose que personne ne verra. Et même la façon dont ils attachaient ces vêtements est très complexe.
Cela vaut également pour les années 1950 et 1960 : Si vous prenez un vêtement de cette époque, vous pouvez voir qu'il a été conçu pour être porté pendant longtemps. Même l'effort qu'elles mettaient à faire un bouton ou une boutonnière - c'était une qualité qu'elles avaient à l'époque.
Comme Tom Bancroft, qu'est-ce que cela fait d'avoir un frère ou une sœur qui est aussi un artiste à succès? Et vous avez tous deux travaillé pour Disney auparavant, n'est-ce pas?
Nous y travaillons tous les deux en ce moment. Nous travaillons sur le même film!
Êtes-vous autorisé à dire de quoi il s'agit?
Non. [Rires] Mais nous avons également travaillé ensemble sur un projet annulé appelé Gigantic.
Et vous faites de la conception de costumes?
Oui.
Et elle? Son travail est-il également lié aux costumes?
Lorelay fait un peu de tout. Elle se concentre sur les environnements et les couleurs - c'est une très bonne créatrice de couleurs, et elle veut faire des scénarios de couleurs et des choses comme ça - mais elle est très polyvalente et peut tout à fait s'occuper de personnages.
Vous donnez-vous mutuellement de l'information en retour? Quel genre de choses apprenez-vous l'un de l'autre?
Oh, mon Dieu, tout! [Il se peut que j'aie une mission et que je la lui montre en lui disant : « Hé, qu'est-ce que tu en penses? » Elle y jettera un coup d'œil et sera très franche avec moi, elle me dira ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. C'est formidable de le voir d'un point de vue différent.
Souvent, c'est difficile parce qu'il faut mettre son ego de côté : ce n'est pas ça qui compte, c'est la situation d'apprentissage. Et il est parfois difficile d'entendre cela de la part d'un frère ou d'une sœur parce que, vous savez, c'est votre frère ou votre sœur. Mais en même temps, c'est vraiment rafraîchissant d'obtenir cette clarté que vous n'obtiendrez peut-être pas du reste de l'équipe parce qu'ils ne veulent peut-être pas être aussi directs.
Lorelay (à gauche) et Neysa (à droite) sur le campus créatif de Disney. Depuis Instagram
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Message reçu par courrier électronique : Faites-vous beaucoup d'art numérique pendant votre temps libre?
J'aime faire de l'art traditionnel pour mon art personnel car je garde tout le numérique pour le travail... mais je me suis retrouvée dernièrement à essayer quelques peintures numériques pour le plaisir. Je pense qu'en fin de compte, il est agréable d'avoir une pièce tangible qui donne l'impression d'être plus brute.
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Êtes-vous plus à l'aise avec le traditionnel qu'avec le numérique?
Non, je me sens à l'aise avec les deux; la seule différence est le temps. Le temps ne joue pas en ma faveur lorsque je fais de la peinture traditionnelle, par exemple, parce que si vous faites une erreur, vous devez la réparer, alors qu'avec le numérique, vous pouvez simplement éditer, éditer, éditer, et c'est bon.
J'utilise la méthode traditionnelle pour mes affaires personnelles parce qu'il y a un sentiment de liberté d'utiliser le temps dont on a besoin.
Le traditionnel est toutefois limité à certains égards : Par exemple, la palette de couleurs n'est pas illimitée. Est-il plus libérateur à d'autres égards?
Oui, c'est vrai! Vous voulez savoir pourquoi? C'est ce que je dis toujours aux gens : Il y a quelque chose de particulier lorsque vous avez une idée, que vous avez un stylo et que vous l'esquissez, et que c'est tout simplement brut. Il y a une telle connexion, et on sent que c'est exactement ce que l'on veut transmettre. Alors que lorsque vous faites cela à l'écran, vous avez la possibilité d'éditer ou de zoomer sur l'écran de manière très étroite, et je pense que cela se perd. Parfois, je finis par regarder mon croquis original et il n'est peut-être pas parfait, mais il semble brut, et c'est quelque chose que j'aime voir dans l'art.
Suggéreriez-vous que tous les artistes numériques aient une formation en arts traditionnels?
Je pense que ce serait bien? [Pourquoi ne le feriez-vous pas, n'est-ce pas? Ne voudriez-vous pas ressentir la sensation d'un vrai pastel par rapport à une aquarelle, et ne pas vous contenter d'un faux pastel sur Photoshop? Je l'espère!
Vous arrive-t-il de ne pas être habillé de façon impeccable?
A Disneyland avec sa fille. Depuis Instagram.
[Je ne suis pas habillé de façon impeccable la moitié du temps, mais merci! Je ne sais pas... Je pense que c'est bien de se sentir bien, et quand on se habille bien, on se montre sous son meilleur jour dans certaines situations - mais surtout en ce moment, en quarantaine, j'ai traversé des périodes sombres, mentalement, et cela vous affecte. Nous vivons une époque différente.
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Du courriel : Enfin, comment appréciez-vous la Wacom One? Y a-t-il des fonctions notables qui vous ont été utiles en tant que peintre numérique?
Il est si compact! Je n'en reviens pas de sa commodité. Il est portable! Je peux l'emmener avec moi si je voyage ou si je veux simplement travailler dans mon jardin. La taille de l'écran est parfaite, ni trop grande, ni trop petite. Il n'y a pas de décalage au niveau de l'étalonnage. Je l'apprécie vraiment. Et j'apprécie également la conception épurée, simple et esthétiquement moderne.
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...Y a-t-il autre chose que vous aimeriez ajouter?
C'est assez simple. Il n'a pas toutes les fonctionnalités, mais cela ne me dérange pas. Je ne suis pas difficile avec ce genre de choses. Je veux que ce soit simple. Je veux pouvoir dessiner et m'arrêter là. Je n'ai pas besoin de boutons de zoom spéciaux ou de touches de raccourci sur le côté, comme c'est le cas avec [certains des anciens Cintiq] - je ne les utilise pas vraiment de toute façon.
Et lorsque vous travaillez dans votre jardin avec l'appareil, le faites-vous fonctionner sur l'alimentation de votre ordinateur?
Oui, je le branche sur un ordinateur portable pour pouvoir l'emporter à l'extérieur. C'est agréable d'être dehors, parce que je suis dans ma chambre à travailler tout le temps en ce moment. Il serait vraiment difficile d'emporter toute mon installation Cintiq à l'extérieur, mais avec le Wacom One, je peux juste le prendre, aller dehors, m'asseoir où je veux, et c'est plutôt agréable!
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Le meilleur aperçu du travail actuel de Neysa se trouve sur son Instagram, @Neysabove. Son blogue, qui n'est plus mis à jour mais qui contient plusieurs années d'information fascinante sur son évolution en tant qu'artiste, peut être consulté à l'adresse suivante ici.
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À propos de l'enquêteur
CS Jones est un écrivain et un illustrateur basé à Philadelphie. Le premier est plus visible sur le site Web thecsjones.com, et ce dernier à @thecsjones sur Instagram. Il utilise à nouveau l'avatar pour celui-ci, comme il le fait pour les pièces non personnelles, mais c'est uniquement parce qu'il l'aime et qu'il y a consacré beaucoup d'efforts. (Plus qu'il n'y paraît.)
