Proko est une plaque tournante pour les artistes afin d’améliorer leurs compétences et de se connecter avec une communauté de pairs partageant les mêmes idées et de mentors talentueux. Ils offrent une grande variété de cours en ligne qui peuvent être bénéfiques pour les artistes numériques et traditionnels. Pour voir toutes les offres de Proko, rendez-vous sur leur site Web ou consultez leur chaîne Youtube, où ils publient de courts tutoriels gratuits, y compris celui ci-dessous.
L’article de blog ci-dessous est un résumé de cette vidéo, « Comment peindre numériquement en niveaux de gris », mettant en vedette l’artiste Jon Neimeister.
Dans cette leçon, nous explorerons un flux de travail numérique simplifié juste pour nous habituer à l’utilisation de nos outils dans un environnement numérique. Nous allons garder ce processus assez simple pour l’instant, et plonger dans des techniques plus avancées plus tard.
Bien que notre objectif final soit de pouvoir peindre des images originales à partir de l’imagination, nous commencerons ce cours en utilisant des références. L’utilisation d’une référence enlève beaucoup de prise de décision compliquée de votre assiette et vous permet de vous concentrer uniquement sur l’apprentissage du processus. L’important est que votre référence ait des formes d’ombre très claires et simples, ce qui rendra le tout beaucoup plus facile.
Commençons par faire un dessin propre et précis à partir de travailler. Il est important de prendre notre temps avec l’étape de dessin et de construire une base solide que nous pouvons peindre sur le dessus.
Lay-in
Commençons par une simple peinture de figure. Je vais commencer par un dessin assez simple ici se concentrant sur le geste des plus grandes formes de la figure d’abord, telles que la cage thoracique, les hanches et la tête, et dessinant les membres comme des cylindres relativement simples avec juste un soupçon d’anatomie appliquée à eux.
Je travaille également avec plus d’une méthode constructive qu’une méthode d’observation, donc je regarde ma référence, en observant les formes, les formes et les gestes, mais ensuite en les dessinant en utilisant la perspective et des formes simples sous forme 3D plutôt que de simplement se concentrer sur les formes et les silhouettes bidimensionnelles de ma référence.
Au fur et à mesure que je passe par ce processus, certaines de mes formes et formes peuvent finir par être légèrement différentes de la référence. Tant que ma figure semble précise sur la toile, je ne suis pas inquiet si elle correspond parfaitement à la référence. Tant que les proportions et les perspectives globales semblent correctes.
Je peux toujours utiliser certaines des formes 2D de la référence pour revérifier mes proportions, telles que le petit espace négatif entre son bras plus proche et sa jambe supplémentaire, créant un petit triangle de blanc à côté du ventre. J’ai trouvé que c’était une référence utile pour mes proportions, mais vous remarquerez que la référence a également un petit triangle d’espace négatif entre les deux bras et à côté de la pec. Dans mon dessin, ce n’est pas là.
Bien que différent de la référence, je vais garder cette pose parce que je fais confiance à ma construction et à mes proportions. Ma pose est légèrement modifiée. Tout au long du processus de dessin, j’ai commencé avec des formes simples et j’ai progressé vers des formes plus complexes. J’utilise l’outil gomme avec un pinceau doux pour effacer légèrement et affiner mon travail au trait. Cela m’aide à résoudre les problèmes et à ajouter les détails manquants. En répétant ce processus, j’affine la figure d’un geste de base à un dessin anatomique complet.
Si vous zoomez trop tôt et commencez à travailler sur des choses comme les bras, les jambes et les pieds, vous perdrez le contexte de toute la figure ou de toute la peinture. Chaque fois que vous peignez, que ce soit numériquement ou traditionnellement, il est préférable de commencer avec de grandes formes générales et de rester zoomé, puis une fois que votre peinture globale est en bon endroit, vous pouvez zoomer un peu plus et commencer à travailler sur les détails.
Je vais également esquisser la chaise car chaque fois que vous avez une figure assise ou appuyée contre quelque chose dans l’environnement, il est très important de dessiner l’objet dans l’environnement pour être sûr que le poids de la figure est correctement réparti sur l’objet avec lequel ils interagissent.
N’oubliez pas que le dessin ne doit pas nécessairement être super propre ou joli, c’est plus une feuille de route pour notre peinture. Tant qu’il nous fournit des informations utiles qui nous aideront à prendre de bonnes décisions de peinture, alors c’est suffisant pour l’instant.
Nous avons investi beaucoup de temps dans la préparation avant de commencer à peindre, mais il est important de prendre notre temps avec ces premières étapes. Plus votre dessin est précis et plus votre bloc de valeur est fort, plus il sera facile d’exécuter votre peinture finale.
Si vous commencez votre peinture trop tôt, vous pourriez obtenir à mi-chemin et puis réaliser que vous avez foiré quelque chose et maintenant au lieu d’avoir juste à réparer le dessin, vous devez également fixer vos valeurs, couleurs, et peut-être même votre structure de calque. Briser notre processus de peinture en étapes claires et distinctes nous aide à nous concentrer sur la résolution d’un problème à la fois et est beaucoup plus facile pour notre cerveau.
Peinture
Je vais commencer le processus de peinture en tonifiant la toile avec un simple gris foncé. Une fois que j’ai tonique ma toile, je vais commencer à appliquer quelques modèles de valeurs de base à la figure.
Une fois que j’ai bloqué toutes mes formes d’ombre, je veux séparer un peu la figure de l’arrière-plan, donc je vais saisir une valeur plus légère et simplement peindre autour de la figure. Je ne vais pas peindre autour de la figure entière, car je veux que la mise au point soit plus autour du visage et de la poitrine, et laisser les jambes tomber dans des contrastes plus subtils.
Mélange, valeurs et formes
La façon dont j’aime mélanger est de regarder l’une des couleurs que j’essaie de mélanger, puis de la peindre légèrement sur la couleur dans laquelle j’essaie de la mélanger. Je pourrais eyedrop une couleur d’ombre, puis peindre légèrement sur un ton moyen avec une pression de stylo très subtile.
Parce que l’opacité de mon pinceau est contrôlée par la pression du stylo, le coup de pinceau que je pose deviendra alors un ton intermédiaire entre les deux valeurs avec lesquelles je travaille, et je peux ensuite utiliser à nouveau mon outil de pipette pour sélectionner cette valeur intermédiaire et peindre la transition entre les deux.
En parlant de mélange et de ramollissement des bords, rappelez-vous que nous avons l’outil de purification à notre disposition. L’outil de purification vous permet d’enduire les pixels sur votre toile comme s’il s’agissait de charbon de bois doux ou de peinture à l’huile.
La valeur avec laquelle j’ai tonné ma toile est assez proche des tons moyens ou des ombres de la figure et de la référence, donc parce que le ton de la toile est équivalent à mes tons moyens de la figure, je peux saisir une valeur plus légère et commencer à rendre les lumières sur le dessus pour créer mes formes, puis simplement les mélanger.
Il convient de noter que pendant que je traverse ce processus de peinture, je recherche des zones où je peux omettre et simplifier des détails pour créer un sens plus clair de la mise au point, et des domaines contrastés de complexité et de simplicité.
Je commence à travailler sur l’arrière-plan un peu maintenant que j’ai plus de valeurs sur la figure établie, il est un peu plus facile pour moi de dire où l’arrière-plan doit aller.
Je peaufine certains bords, renforce certains contrastes, ainsi que l’ajout d’une indication subtile d’un plan de plancher en transportant la lumière du côté droit de l’image vers la gauche. Donc, cette figure n’est pas seulement assis dans une texture grise flottante ambiguë, mais plutôt il y a un certain sentiment d’espace à la peinture.
Détails
Une fois que je suis satisfait de la figure dans son ensemble, je peux commencer à aller dans des domaines plus détaillés comme le visage et les mains. À ce stade, je vais zoomer un peu plus près. Je recommande de ne pas trop zoomer.
Je suis le même processus pour le visage que j’ai fait avec la figure : placer un ton, pipette ce ton, peindre légèrement pour créer une couleur de transition, puis répéter ce processus encore et encore pour se fondre. Je suis également à la recherche de zones pour perdre des détails dans le visage. Par exemple, je laisse la plupart des yeux saigner dans l’ombre de l’orbite, ainsi que dans le nez et le côté de l’ombre du visage.
J’ai choisi de faire de la barbe la valeur la plus sombre de cette peinture. Cela combiné avec le fond lumineux renforce que le visage est le point focal et d’autres zones sont secondaires. Maintenant que j’ai la figure entière ainsi que les zones de détail peintes, je passe au peigne compris et cherche d’autres zones où je peux effacer d’autres détails.
Dans ce cas, je vais simplifier la plupart de mes ombres à une seule valeur plate. Vous pouvez le voir sur la poitrine, le ventre et les jambes. J’ignore beaucoup de lumière réfléchie et je simplifie simplement ces zones en valeurs plates. Et tant que j’obtiens les bords de ces valeurs plates en transition vers les tons moyens corrects, il se sentira toujours comme une forme tridimensionnelle.
