En-tête de Gorillaz Wrap 2020 

On se souviendra principalement de 2020 comme de l’année qui nous a donné envie de donner envie de donner à 2016 un gros baiser humide.  Mais il semble aussi que ce sera le début d’une décennie de grands changements.  C’était le produit de problèmes qui ont été laissés s’envenimer pendant longtemps, des problèmes sociétaux que nous sommes maintenant obligés de résoudre.  Ici, aux États-Unis, en particulier, c’était un avertissement sur le nombre de systèmes sur lesquels nous comptons sont cassés, un compte rendu avec les vieilles attitudes sociales, et un rappel que parfois les emplois les plus dévalués sont vraiment les plus importants.

Ce fut une année de contradictions.  La pandémie a fait ressortir le meilleur et le pire chez les gens.  Les protestations et les contre-tests nous ont montré à la fois la solidarité et le terrorisme racial.  Ce fut une année de télétravail et de DoorDashing, d’esprit communautaire et d’isolement, de justice sociale et de relations parasociales.

C’était aussi sans doute l’année la plus importante pour les médias numériques.

2020 a changé Internet, les événements en ligne, la publicité, les médias sociaux et les plateformes de distribution, et l’art numérique avec eux.  Les gens étaient plus en ligne que jamais.  Les artistes ont perdu des inconvénients et des galeries, mais ont gagné des commandes d’animation, du travail de conception et même des emplois d’agence de publicité -Digital Arts Online est allé jusqu’à dire que l’illustration est maintenant plus importante que jamais.  La pige dans le climat actuel est à haut risque, mais aussi potentiellement à haut rendement : certains ont perdu toute leur vie, mais celui à qui j’ai parlé a fait plus de 200 000 $ l’année dernière en faisant des actifs téléchargeables pour les jeux donjons et dragons en ligne.

Le monde de l’art a apporté des changements vraiment révolutionnaires à adapter, dont certains pourraient créer des précédents permanents.  Et en arrière-plan, d’autres choses intéressantes se sont produites qui n’étaient pas liées à la pandémie.  Alors, voici quelques-uns des deux :

Les événements virtuels ont été normalisés

À l’époque où les inconvénients faisaient tout leur argent sur les ventes de billets, le mieux que vous puissiez espérer serait de trouver des vidéos de panneaux individuels sur Youtube.  Et même dans ce cas, vous devrez mettre la main sur le calendrier de con pour même savoir les chercher.  Et c’était du jamais vu pour toute une grande convention d’être diffusée en direct.

... Maintenant, bien sûr, la pandémie nous a emmenés trop loin dans l’autre direction, en nous débarrassant complètement de la partie physique.  Mais considérez le prix des conventions en ligne de cette année par rapport à leurs équivalents réels dans les précédentes.  Lightbox en 2019 était de 135 $ pour le week-end.  Lightbox 2020 a commencé à 1 $.

Et ce n’était que l’un des nombreux événements en ligne et séries de webinaires, dont certains sont passés sous le radar à leurs heures de diffusion, mais sont maintenant archivés pour regarder et apprendre à tout moment.  Il y avait Adobe MAX.  Il y avait l’encre connectée de Wacom, dont j’ai écrit une rétrospective.  Il y avait Comic-Con@Home, mettant en vedette les acteurs de Walking Dead and His Dark Materials, et de nombreux événements similaires qui n’étaient pas explicitement sur le thème de l’art, mais mettaient en vedette des vendeurs d’artistes et des conférenciers invités.

S’ils prennent à cœur les leçons qu’ils ont apprises pendant la pandémie, nous pourrions voir les futurs inconvénients devenir des événements simultanés en direct et numériques.  Peut-être verrons-nous des panélistes interagir avec le public en direct et diffuser simultanément les téléspectateurs, peut-être même répondre aux questions du chat.  Peut-être que l’époque où l’on devait s’envoler pour San Diego pour voir un seul artiste parler approche de sa fin.

Plus de 500 musées ont téléchargé leurs collections sur Google

Les musées d'art ont été touchés par la pandémie d'une manière étrange.  Ils ont fermé, puis ouvert, puis ont fermé à nouveau avec la deuxième vague, beaucoup ont été forcés de fermer au milieu des expositions qui ont pris des mois à construire.

Mais ils ont été parmi les premières institutions à répondre aux ordres de quarantaine en donnant du contenu gratuit pour inciter les gens à rester à la maison, et ils ont investi une grande partie de leur temps nouvellement libéré pour s’assurer que leurs peintures numérisées étaient mieux organisées et plus disponibles que jamais.  C’est en grande partie grâce à Google Arts & Culture, l’un des projets parallèles méconnus du géant de la technologie qui a fait un travail culturel incroyable dans les coulisses.

Les musées téléchargent des photos de pièces de collection dans leurs propres archives depuis des années, mais Arts & Culture n’a pas seulement fait un excellent travail de les compiler - ils ont affiché des procédures pas à pas des bâtiments réels au format Street View.

L’emblématique musée Guggenheim peut être vu dans son intégralité, avec la Galerie nationale d’art de D.C., le Musée d’Orsay de Paris, le Rijksmuseum et le Musée Van Gogh d’Amsterdam, le Musée Getty de Los Angeles, le Musée d’art islamique de Doha, le Musée d’art moderne et contemporain de Séoul et plus de cinq cents autres.

Nom-June Paik’s Plus il y en a, mieux c’est à l’AMM

La résolution de zoom est incroyablement élevée, presque, mais pas tout à fait, assez pour lire les pancartes.  Mais pour cela, il y a des annotations sur les peintures que vous visualisez actuellement dans la barre d’outils inférieure, dont certaines sont plus détaillées que celles que vous trouverez dans le musée.  C’est aussi proche que possible de l’expérience de la galerie à la maison, avec tout sauf l’échelle.

Mais attendez !

Il y a une façon d’obtenir l’échelle, cependant : VR.  Google Arts & Culture a une application VR disponible pour Android et iPhone.  Il peut être visionné via Google Cardboard ou coulé sur Daydream View, et lorsque vous vous promenez dans le musée virtuel, des audioguides seront fournis par des conservateurs réels.

D’autres visites de musées ont été téléchargées sur Street View, mais sans les informations supplémentaires, et peuvent être consultées dans Google Earth VR. Arts & Culture a également publié 360 vues de sites historiques sur leur chaîne Youtube, comme celle-ci de février des célèbres peintures paléolithiques de Chauvet Cave.

Le Smithsonian a publié 3 millions d’images pour une utilisation gratuite

Albert Bierstadt « Parmi la Sierra Nevada, Californie », de l’American Art Museum

Le 25 février, le Smithsonian a annoncé le lancement de l’Open Access, dans le but de publier toute sa collection dans le domaine public.  Ils ont lancé avec 2,8 millions d’images, ce qu’ils ont souligné n’était que le début, et sont maintenant à bien plus de 3m.  Ils permettent non seulement aux images d’être utilisées pour les photomanipulations et l’art conceptuel, ils l’encouragent avec le slogan, "Créer.  Imaginez.  Découvrez.

Les peintures ont été numérisées en haute résolution, des sculptures et des artefacts ont été placés sur des fonds blancs et photographiés sous parfois des dizaines d’angles.

Alors, je vous entends demander, quelles sont certaines des choses qu’il y a dedans ?  Photos de 3 000 px de large de chaque pièce de l’American Art Museum.  Scans haute résolution de rouleaux japonais et d’illustrations de la Bhagavata Purana.  Affiches de propagande de la Seconde Guerre mondiale.  Retournements de violons rares.  Plus d’illustrations scientifiques que vous ne pouvez en compter.  Scans 3D de squelettes de dinosaures, de la navette spatiale Discovery, de l’avion des frères Wright, de vases chinois, du saxophone de Charlie Parker, de statues présidentielles et de vêtements pour femmes de plusieurs époques.

La galerie peut être trouvée ici.

(Merci à allstrangenature sur Tumblr et @SarahLovesHam sur Twitter pour transmettre celui-ci sur.)

Il y a eu une renaissance dans les vidéoclips animés

Je ne peux pas trouver de confirmation officielle de cela, mais 2020 semble avoir époustouflé le record du plus grand nombre de sorties en un an.  Considérez juillet :

Le 10, Dua Lipa a fait ses débuts dans la fantaisie glam d’inspiration Disney / Cuphead Hallucinate ; le même jour que le regretté rappeur Juice Wrld’s action-packed, anime-esque Come and Go, l’un des nombreux cette année pour son dernier album posthume.  Le 20th a vu une autre des fusions d’action en direct / animation de gorillaz, PAC-MAN, qui fait partie de leur série de vidéos en cours « Song Machine ».  The Weeknd a tapé sur le studio d’anime noir D’ART Shtajio pour une vidéo Boondocks-ian pour son single à succès Snowchild, et l’a laissé tomber le 22.  Le 24, les Strokes ont sorti l’Ode multimédia à mon esprit.  Le 28, Noah Cyrus et Sony ont sorti leur collaboration pour son single intitulé... eh bien, juillet, animé (par le studio Media Molecule) avec seulement le fabricant de jeux basé sur Playstation 4 Dreams et ses contrôleurs.  Et à moins de deux minutes l’un de l’autre le 30, Billie Eilish a posté son Studio-4C-esque My Future, et BENEE, dont l’avatar animé ressemble de manière frappante, son jardin de nuit fantomatique.  

(Parce que celui-ci pourrait utiliser l’exposition le plus.)

C’est juste un mois, juste dans la pop, et je suis sûr que j’en ai manqué quelques-uns.  D’autres mois cette année, en particulier dans la saison des succès de l’été, ont été similaires.  « Ce verrouillage a transformé tout le monde en un personnage de dessin animé », commente un Fábio Oliveira sur Mon avenir.

En fait, le réalisateur de la vidéo, Andrew Onorato, a exprimé le même sentiment.  « Tous les animateurs que je connais ont été entièrement réservés toute l’année », a-t-il déclaré à Variety le mois dernier.  Quarantine « a montré aux studios et aux agences à quel point l’animation est viable comme alternative à l’action en direct ».

Animal Crossing a engendré la scène de mode la plus mignonne de tous les temps

Sur les 7 838 346 104* personnes sur Terre, je suis à peu près sûr que je suis le seul à ne pas avoir joué à New Horizons.  Toutes vos personnalités médiatiques préférées l’ont joué.  Tous vos amis y ont joué.  Tes parents l’ont joué.  Vos enfants l’ont joué, ou le feront quand vous les aurez.  Les bébés sont nés tenant des Commutateurs Nintendo.  C’était le jeu déterminant de 2020, permettant aux quarantiners de s’échapper dans un monde où la pire urgence médicale est une piqûre de guêpe.

* À partir de 14 h 41 le 11 janvier.

La série a parcouru un long chemin depuis que je l’ai jouée sur Gamecube au collège, et en regardant des images des plus récents, la différence la plus frappante est le niveau de personnalisation.  Vous pouvez modifier les vêtements, les meubles et l’architecture par défaut du jeu, qui ont tous inspiré des exploits viraux incroyables de la construction du monde.

Xqz-moi’s recreation de l' Parc High Line

Mais aucun n’a causé plus de battage médiatique que les vêtements.  En plus de pouvoir créer des conceptions de vêtements dans le jeu, certaines applications et sites Web vous permettraient de transformer les JPGs et les PNG en modèles pour une exportation immédiate dans le jeu, permettant aux drapiers de faire leur goutte à goutte dans les programmes d’édition d’images, ou simplement d’exporter leur art existant.  Les conceptions pourraient être partagées via des codes d’identification numérique ou QR, ce qui leur permet d’être transmises sur les médias sociaux avec des images.  Combiné à la popularité du jeu, cela a ouvert un nouveau canal d’expression créative pour les artistes.

Et comme pour tout en 2020, c’est rapidement devenu un très gros problème.  Des millions de motifs ont été créés et partagés, pour tout, des vêtements décontractés quotidiens aux reproductions de tenues de cinéma emblématiques.  Le subreddit pour les vêtements New Horizons à eux seuls est passé à 240 000 membres , presque autant que r / LosAngeles, à titre de comparaison.

Un marché de commission a surgi, avec des artistes embauchés pour créer des modèles personnalisés en échange de la monnaie de jeu ou des villageois.  Il a adopté les pratiques de l’industrie de la mode réelle, avec des joueurs transformant leurs maisons en boutiques et des designers populaires devenant de grands noms.  « La communauté de la mode Animal Crossing peut être intense », a déclaré un anonyme alias de Riley à Polygon. « Il y a beaucoup de concurrence [pour avoir] des yeux sur vos affaires. »

Bientôt, les gens de l’industrie - beaucoup mis à pied tout comme d’autres travailleurs de l’événementiel - se sont lancés là-dedans.  Un exemple populaire est le compte Instagram Nook Street Market, où un designer, un mannequin et un photographe recréent de vraies tenues à partir de collections chaudes.  Même certaines grandes entreprises, comme Marc Jacobs et Valentino, ont publié des tenues.

 

De Nook Street Market

Cela a culminé avec des défilés de mode dans le jeu par des entreprises de vêtements de brique et de mortier.  Lorsque la designer et propriétaire de la boutique de Manhattan Carolina Sarria a mis le sien pendant la Semaine de la mode d’automne, elle a mis l’accent sur le fait d’avoir le même personnel qu’un vrai, avec un coiffeur, une maquilleuse et des avatars appartenant à de vrais mannequins.  « Je pense que c’est une façon vraiment géniale et innovante de donner à nouveau vie à la piste », a déclaré le participant Aaron Philip, qui dans la vraie vie a dirigé les campagnes de Sephora et a joué dans un clip vidéo aux côtés de Miley Cyrus.

À partir de le spectacle

Les dessins pour les tenues numériques ont été vendus pour 5 $, qui sont allés à des organismes de bienfaisance de justice sociale, et peuvent toujours être achetés sur le site de Sarria.

Il y a eu une poussée promotionnelle pour les artistes POC

Il y a quelques années, le Washington Post l’a dit sans ambages : « Si vous vivez en tant qu’artiste, vous êtes probablement blanc. »  2020, cependant, a vu un effort collectif pour sensibiliser aux disparités raciales dans les ventes d’art, l’embauche et les présences dans les galeries, et avec elle, des efforts pour inclure les POC, en particulier les Noirs, dans toutes les parties des arts.

Il y avait des expositions et des caractéristiques pour les artistes noirs, à la fois traditionnels et numériques.  Les bases de données ont été faites de créatifs noirs pour la location.  Les magazines ont publié « Ressources pour l’embauche et la célébration des talents noirs ».  Les professionnels de l’industrie ont offert des examens de portefeuille gratuits et des conseils de carrière pour POC sur les médias sociaux.

#drawingwhileblack, #blackartists, #blacklivesmatter et #blackcreatives ont tous suivi une tendance au cours de l’été.  Les musées à travers le pays et en Grande-Bretagne ont embauché des conservateurs noirs pour aider à atténuer l’accent mis par l’établissement sur l’art classique eurocentrique.

Avec le recul, cela pourrait ressembler à une brève période halcyon avant qu’il ne revienne aux affaires comme d’habitude.  Et bien sûr, certains des efforts d’inclusion étaient performatifs, et beaucoup étaient trop éphémères pour faire une braille dans les pratiques d’embauche globales.  Mais comme tous les mouvements influents à long terme, certaines parties de celui-ci sont tombées à l’eau, mais d’autres ont été absorbées dans la culture dans son ensemble, ayant une influence incalculable sur les tendances futures de l’industrie.  Et l’effet que cela a eu sur les artistes de couleur eux-mêmes ne doit pas être négligé non plus.  Espérons que cela a donné à de nombreux artistes noirs - ainsi qu’à des artistes immigrants, des artistes autochtones et bien d’autres - le courage de postuler à ces emplois en premier lieu, sans supposer qu’ils seront rejetés pour ne pas faire partie d’une foule monochrome.

Note latérale :  Si vous souhaitez plus d’informations à ce sujet, consultez mon article au milieu de celui-ci en juin.

La montée des VTubers anglais

Illustration pour le « Hololive Festival » de janvier par Narumi-Nanami

Les YouTubers virtuels ont fait sensation au Japon depuis quatre ans maintenant, mais 2020 les a vus s’internationaler.

Pour quiconque ne le connaît pas, l’ensemble du phénomène peut sembler déconcertant de l’extérieur, couvert de mèmes abstrus et de blagues.  Mais cela se résume à ceci : un avatar 3D est modélisé, puis truqué pour l’animation et exporté vers un système de capture faciale qui se connecte à votre webcam, généralement FaceRig ou Adobe Animate.  Le personnage vit et correspond à vos mouvements au bas de l’écran, où la facecam va généralement en livestreams.  La plupart des VTubers sont des streamers de jeu avec des personas, certains très différents de leur vrai moi.

Comme n’importe quel média, n’importe qui peut y entrer, mais il peut être crucial d’obtenir de l’aide pour la publicité et la production. Entrez Hololive, une agence de talents VTuber basée à Tokyo : Ce sont les Motown Records des avatars d’anime, dominant la scène avec leur liste de stars, et être choisi par eux est l’équivalent en streaming d’avoir votre groupe signé.  Et en avril, ils ont annoncé le lancement de Hololive English.

Les streamers de langue anglaise dispersés avaient fait leur propre chose tout le temps, mais avoir la société VTube légitimer et les embaucher a vraiment commencé le boom.  Il a également prouvé qu’il pouvait être une source de revenus tout aussi viable que Twitch.  Les 20 meilleurs vTubers ont attiré 15,6 millions de dollars en dons de chat seuls, et un montant non quantifiable de revenus publicitaires.

Il a également commencé tout un écosystème de fan art et d’animations.  Par exemple, si vous avez déjà eu ne serait-ce qu’un intérêt passager pour les VTubers, vous avez probablement vu quelque chose de 2Snacks, un animateur brésilien qui est devenu viral pour ses œuvres de fans incroyablement détaillées.  Mais c’est une vidéo de seulement trois secondes qui l’a rendu célèbre, faite à l’audio du VTuber japonais Korone imitant un effet sonore Banjo-Kazooie :

 

La vidéo, et ses animations ultérieures d’elle, ont été remixées et synchronisées sur les lèvres à chaque chanson célèbre et citation de film imaginable.  Les plus grands honneurs vont à backtracks, qui a réussi à éditer le clip - encore une fois, trois secondes- dans ce :

Ce qui suit est juste mon opinion : Alors que les VTubers attirent certains des mêmes stans Perfect-Blue effrayants que toutes les autres personnalités féminines d’Internet, ils sont sans vergogne une bonne chose.  Il ajoute une autre couche d’art à la formule d’une personne assise devant une caméra jouant à un jeu, et il a l’énorme avantage de laisser ses actrices rester anonymes et garder leur vie personnelle en sécurité.

Les VTubers sont en très grande majorité des femmes d’une vingtaine d’années, ce qui leur donne une alternative au lookisme qu’elles pourraient autrement affronter lors du streaming.  Les téléspectateurs de Twitch se plaignent souvent qu’en raison de la moitié de la concurrence et de l’autre moitié de la toxicité générale d’Internet, le streaming pour les femmes dégénère parfois en un concours de beauté où elles sont jugées pour leur maquillage et leur taille de tasse au lieu de tout ce qu’elles disent ou font réellement sur le flux.  Les commentaires sexuels peuvent sévir, et certains ont des histoires sur le fait d’avoir honte d’aller en ligne dans des vêtements décontractés.  Bien qu’il y ait une certaine ironie, en ce sens, dans les avatars VTuber étant presque exclusivement des filles mignonnes, ils donnent au streamer une chance de réussir ou d’échouer uniquement en fonction de leurs compétences en jeu, en doublage et en improvisation comique.  Et oui, un peu d’art de flux aussi.

Si vous n’avez jamais regardé de VTubers et que vous souhaitez essayer, le meilleur streamer anglais pour commencer pourrait être l’Amelia Watson calme et accessible, ou comme une passerelle vers les streamers japonais, le teakettle bilingue Pikamee.  Mais mon préféré est un indie, le merveilleusement étrange Yuni Luna.  (Lampe de louange.)

Vous pouvez commander votre propre avatar truqué sur des sites comme Fiverr, généralement à partir d’environ 100 $ pour un avatar de qualité, et l’artiste d’anime et modélisateur Terupancake a déclaré à Polygon en septembre que les commandes avaient « augmenté très rapidement depuis le début de l’année ».

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Remarque :  Bien que j’aie eu la chance d’être plate-forme par Wacom, les opinions exprimées ici ne représentent pas les positions officielles de l’entreprise sur quoi que ce soit.  Surtout pas qui est la meilleure fille.

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À propos de l’auteur

CS Jones est un écrivain et illustrateur basé à Philadelphie dont 2020 a impliqué la publication de 35 articles pour Wacom, le travail sur deux romans, l’achat d’une voiture, la location d’un appartement et l’obtention de gaz lacrymogènes deux fois, mais juste parce qu’il se trouvait dans le quartier.  Son écriture est mieux vue à thecsjones.com, et son art à @thecsjones sur Instagram.