En-tête de la galerie d’art en ligne de Connected Ink.  (C’est juste une image statique, vous ne pouvez pas faire défiler dessus.)

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Nos documents promotionnels facturent l’encre connectée comme une « plate-forme d’innovation ouverte ». Bien que précis, je dirais que c’est sous-vendu. Il s’agit plus d’une convention multimédia : des panneaux et des conférences et des promotions, tous axés sur l’art et la technologie numériques, avec une galerie d’art pour l’accompagner. Un Digital Art Basel, si vous voulez.

Tout comme Lightbox 2020, il a pris la forme d’une série de vidéos préenregistrées et d’événements en direct en streaming sur quelques plateformes. Cela dure 24 heures sans interruption : celle de cette année était du 17 décembre à 20 h HNR - ou 6 h HNE, où je suis - à la même heure le 18 décembre. Et comme vous l’avez peut-être deviné à partir du titre, je l’ai fait à travers dix-huit.  (10 h à 4 h)

Il pourrait être divisé en deux moitiés, occidentale et japonaise. La moitié ouest, qui était la première que j’ai attrapée, était un effort de collaboration entre Wacom America et Europe, mené depuis les maisons des participants et à travers des vidéos préenregistrés, via Youtube, Vimeo et Zoom. La moitié japonaise a été diffusée en direct d’un centre de congrès à Shinjuku, Tokyo.

Une caractéristique que j’ai vraiment appréciée était les horloges de compte à rebours pour chaque événement. Bien que j’aie gardé un convertisseur JST en EST ouvert dans un autre onglet, j’ai souvent oublié le temps JST quand je l’ai minimisé, de sorte que cette fonctionnalité était une bouée de sauvetage En fait, j’espère que chaque con virtuel obtient quelque chose comme ça. Les inconvénients physiques pourraient également les utiliser (bien que je comprenne qu’ils sont difficiles à imprimer sur papier).

Comme toute convention, il était difficile d’attraper tous les panneaux que je voulais voir, et j’ai manqué des parties des choses. Mais tous, sauf le premier, sont maintenant sur les deux chaînes Youtube de Wacom. Voici la liste de lecture de la première moitié (Wacom America / Japan).

... Mais je suppose que vous voudrez savoir pourquoi vous devriez les regarder, pas seulement où. Voici donc les notes que j’ai prises pendant l’événement. Lisez la suite !

Faits saillants

Partie 1

12 H (2 HNR) — Un de ces jours

Les Devirs avec leurs homologues comiques

Si vous suivez les webcomics ou êtes assez actif sur les médias sociaux, vous avez probablement vu le couple israélien Yehuda et Maya Devir’s One of Those Days quelque part. Leurs bandes dessinées à un panneau généralement sans mots - un format sur lequel ils disent qu’ils se sont installés pour parler à un public mondial - ne sont pas seulement les gags les #relatable qu’ils peuvent sembler à première vue, mais un journal de tout leur parcours à travers la cohabitation, le mariage, avoir un enfant et commencer une carrière.

Dans ce panneau énergique, ils vont dans les détails sur ce cours et comment la bande dessinée les a aidés à travers elle, prenant Yehuda d’un illustrateur en difficulté (j’ai particulièrement apprécié ses plaintes sur les gens qui veulent qu’il travaille pour l’exposition) à gagner sa vie confortable en raison de l’exposition qu’il a généré lui-même avec la bande dessinée. C’est le premier panel à vraiment tendre la main et à m’attraper. Leur passion pour leur travail, la relation qui l’a inspiré, et leurs fans, sont évidents et contagieux. Mention honorable à Maya pour être le conteur le plus excité que j’ai jamais vu sur une diffusion en direct.

Je ne peux pas trouver une vidéo de celui-ci, ce qui est malheureux pour votre première impression, mais tous les autres les ont.  Voici leur conférence TED de l’année dernière si vous voulez les voir en action, cependant, ainsi que leur chaîne Youtube, qu’ils mettent à jour avec une régularité impressionnante.

13 H (3 HNR) — La créativité en action

Celui-ci est une session de dessin de vie costumée qui nous a été présentée par les partenaires de Wacom à Drink and Draw Berlin (bien que dans un anglais parfait) et organisée, de manière assez intéressante, sur une péniche.

Pour tous ceux qui n’en ont jamais été, Drink & Draws sont un phénomène mondial, et sont exactement ce à quoi ils ressemblent : les gens se réunissent pour boire pendant qu’ils dessinent. J’ai été à beaucoup, mais je n’ai jamais vu un livestreamé avant, donc je ne savais pas à quoi m’attendre. Mais c’était un excellent.

Il faut un format que je suis surpris que je n’ai pas vu d’un flux d’art avant : Un artiste dessine à partir d’un modèle, puis s’assoit avec l’hôte pour une entrevue pendant que le prochain artiste travaille, partageant des conseils d’art et parlant de la vie. Par exemple, l’un de mes conseils préférés est d’Annabelle Kraus: concentrez beaucoup d’efforts sur les premières étapes d’un dessin, car « Si vous basez votre dessin sur un croquis de cinq minutes, vous pouvez le rendre autant que vous le souhaitez, mais il ressemblera toujours à un croquis de 5 minutes ».

Enfin, je voulais les féliciter pour la qualité vidéo : ils ont mentionné qu’il leur a fallu sept heures pour mettre en place la diffusion en direct, et cela se voit. L’éclairage et la production étaient au niveau d’une émission de télévision. Et bien que préenregistré, il avait toute la spontanéité et le plaisir d’une émission en direct, et était toujours interactif dans une certaine mesure - l’animateur a participé à la barre de chat, répondant aux questions du public via des messages.

14 h 30 (4 h 30 HNR) — Cartoon Crunch

Histoire : Wacom a animé sa première émission de téléréalité cette année. Un film en ligne, bien sûr, filmé par les participants eux-mêmes, mais tout de même une entreprise massive qui a fourni une excellente vue sur le processus d'animation. Soit dit en passant, ma partie préférée était les coulisses techniques : les cadres de travail en cours, la répartition de tous les arrière-plans, les retournements des personnages.

Animé par le créateur de l’émission Mike Morris et Don Varga de Wacom, Cartoon Crunch a séparé huit étudiants en animation en deux équipes, puis les a mis au défi de produire un court métrage de 45 secondes, du concept approximatif jusqu’au produit final... en une semaine.

« Je n’ai jamais eu à faire autant de travail en si peu de temps », dit kasey Uhter, participante, qui n’avait même jamais utilisé Toon Boom avant cela.

« J’ai l’impression d’être ici depuis des mois », ajoute sa coéquipière Brittany Consuegra.

Mais aussi brutale que soit la date limite, Crunch s’est agréablement écarté de la formule de l’émission de téléréalité en ce sens qu’il s’agissait d’une activité collaborative avec la seule course étant contre la montre, pas une compétition qui encourageait le drame. « Opposer les gens les uns aux autres n’a jamais été censé faire partie de Cartoon Crunch », dit Morris. « C’est une question de travail d’équipe », convient Varga.

Il s’est étalé sur cinq épisodes, et c’était la conclusion : à travers des clips, le panel nous emmène de la façon dont ils ont mis en atelier leurs idées et les commentaires qui leur ont été donnés, jusqu’au processus d’animation, aboutissant à la révélation des courts métrages finis : Witchy Business et A Knight’s Tail.

En tant que personne qui avait attrapé une partie de Cartoon Crunch mais n’a pas été en mesure de suivre tout cela, j’ai l’impression que je reçois un excellent aperçu de l’émission, et la quantité de travail qui y est allé, à travers cela.

17 h 15 (7 h 15 HNR) — Création de divertissement multiplateforme

Cette vidéo de onze minutes bien compacte entre dans la fabrication de Gods of Mars, le premier film à utiliser des acteurs en direct sur des arrière-plans CG photoréalistes réalisés avec Unreal Engine. Pour ceux d’entre vous qui ne connaissent pas Unreal... C’est super pas à cela qu’il est destiné, ce qui le rend encore plus impressionnant qu’ils l’aient réussi. Unreal est un moteur de jeux tout-en-un, utilisé pour créer des environnements interactifs, puis faire en sorte que les personnages les traversent. Les animations qui y sont faites ont tendance à être plus le long des lignes de cinématiques - il y a une communauté impressionnante de personnes qui font des courts métrages réalistes avec elle, qui peut être trouvé sur Youtube, et il est couramment utilisé pour la visualisation architecturale, mais il ne serait jamais venu à l’esprit que quelqu’un ferait un film complet en l’utilisant avec des acteurs en direct.

Et contrairement à la plupart des projets Unreal, le SFX n’a pas été fait avec seulement des actifs numériques. Les créateurs Fonco Studios ont ravivé la tradition du kitbashing - en prenant des pièces de différents modèles de kit, en les combinant avec des pièces d’autres et en les repeinsant pour créer des véhicules et des accessoires originaux - une astuce d’effets spéciaux qui remonte au début des films de science-fiction. Ils ont ensuite scanné les miniatures dans Unreal, les ont animées et les ont composées avec des images prises en direct. La partie la plus excitante, comme ils le soulignent, est de savoir comment ces méthodes peuvent rendre la qualité professionnelle encore plus accessible aux cinéastes à petit budget. « Si vous avez un ordinateur, vous avez une carte graphique Nvidia, et Unreal, vous pouvez faire Lawrence d’Arabie dans votre dortoir. »

Enfin, l’équipe parle de l’édition de films avec Wacom Tablets et DaVinci Resolve, un processus similaire à celui filmmaking Today présenté dans mon dernier article. « Si je devais tout faire dans Photoshop sur une souris, ce serait comme creuser un trou avec une fourchette », explique l’éditeur Robert Dias.

18 h 30 (8 h 30 HNR) — Apprentissage collaboratif, connecté et sans papier

J’aurai un autre article à ce sujet plus tard cette semaine.

Ce panel concerne l’apprentissage en ligne, destiné aux enseignants plutôt qu’aux artistes. Mais bien que le sujet soit en dehors de ma portée typique, la présentatrice Stacy Roshan le rend intéressant.

Roshan est professeur de mathématiques au secondaire et écrivain EdTech. Elle a toujours aimé l’apprentissage en ligne, disant que cela correspond à son style délibéré et méthodique, et maintenant elle se spécialise dans l’enseignement des enseignants comment l’utiliser. Elle a été très occupée avec cela pendant la quarantaine.

Comme Maya Devir, c’est une conférencière dynamique dont la passion pour ses sujets transparaît, et elle parcoure l’utilisation de Flipgrid, Peardeck et Kami beaucoup plus en détail que je ne pourrais le faire à travers cet article. Donc, si vous décidez de le lire, assurez-vous de le suivre avec ceci.

7 :30 PM (9 :30 AM JST) - Quand Hollywood est passé de l’analogique au numérique

C’est mon panel préféré à ce point : Melissa Ashcraft de Wacom interviewe l’artiste de conception de costumes Gina DeDomenico-Flanagan à propos de son travail récent avec l’émission Amazon Prime The Boys.

DeDomenico est très important dans le domaine des costumes : elle y travaille depuis le début des années 90, et ses crédits incluent Escape from L.A., Amistad, The Nutty Professor, The Book of Eli, Looper,  Godzilla en 2014, Lovraft Country et The Help, nominé pour le meilleur film.Parmi les autres projets sur lesquels elle travaille actuellement, mentionnons les spectacles Marvel et Star Trek Picard. Mais en raison du spectacle central du panel, ce panel finit par tourner autour des subtilités spécifiques des costumes de super-héros.

Elle nous explique également comment elle a modernisé son processus. Elle travaillait entièrement dans les médias traditionnels sur papier jusqu’à tout récemment - le dernier projet qu’elle a fait avec la peinture était en 2015, pour The Hateful Eightde Tarantino - mais au moment où elle est passée au numérique, elle a réalisé à la fois le temps que cela lui ferait économiser et le potentiel de créativité bonus qu’il débloquait. Le travail costumé est un processus consistant, comme le dit Ashcraft, « beaucoup de dessins et beaucoup de révision », à créer des variantes, à jeter des variantes et à redessiner des pièces jusqu’à ce que vous obteniez quelque chose que le réalisateur aime.

« Je peux changer un costume vert en costume bleu en deux secondes. Autrefois, si le designer voulait voir une couleur différente, il me faudrait au moins une journée pour redessiner le tout », dit-elle. Maintenant, elle peut également ajouter des textures et concevoir plusieurs variantes d’un costume sur la même maquette, lui permettant d’offrir aux réalisateurs beaucoup plus d’options.

Mais même les idées sur la façon dont l’industrie fonctionnait à l’époque où tout devait être fait en personne étaient encore fascinantes : travailler dans le bureau du studio, au bureau juste à côté du concepteur de production ; ou les jours de travail à domicile, aller au bureau de FedEx pour numériser des peintures afin qu’elle puisse les envoyer par e-mail, passer des heures à les peaufiner encore et encore pour se débarrasser de la distorsion des couleurs des scanners ...

Après Hateful Eight, elle a volé par le siège de son pantalon sur des projets numériques, travaillant au sommet de son jeu, mais ramassant juste assez Photoshop pour faire ce qui était nécessaire pour chaque travail. « J’ai réussi parce que je devais le faire », dit-elle. Alors que ce soit une leçon pour les créateurs de l’industrie en herbe qui pensent qu’ils auront besoin d’une maîtrise technique absolue d’un programme pour obtenir un emploi. Être prêt à apprendre et à démontrer sa compétence dans plusieurs d’entre eux, est ce qui a finalement atterri son travail. « Prenez le temps d’apprendre Photoshop, d’apprendre zBrush, d’apprendre tous ces programmes », exhorte-t-elle. « Si vous les connaissez, vous travaillerez. Donc, si vous avez des temps d’arrêt, apprenez.

20 h 30 (10 h 30 HNR) — Trouver votre voix et raconter vos histoires

Je n’étais pas sûr de ce que ce panel, le dernier de Wacom America, serait non plus, mais je vois bientôt pourquoi ils l’ont enregistré pour la fin.

Jorge Gutierrez est un artiste multimédia accompli, surtout connu pour être un animateur de classe mondiale qui est dans le jeu depuis vingt ans, au cours desquels il semble qu’il a assez d’expérience pour trois vies.

C’est aussi un conteur stupéfiant. En dépit d’être distrait des autres panneaux (rien de personnel, juste une nécessité si vous allez lire l’audio sur les haut-parleurs pendant 18 heures tout en ayant encore des tâches ménagères à faire), chaque fois que mon attention s’est écartée de celui-ci, il a tendu la main et l’a saisi en arrière.

Né à Mexico et élevé à Tijuana à quelques pâtés de maisons de la frontière, il était l’enfant de deux artistes et a hérité de leurs façons de faire. Bien qu’il n’ait pas le privilège qui a permis à de nombreux futurs artistes célèbres d’avoir une longueur d’avance dans leur métier, son ingéniosité et sa passion pour la culture mexicaine ont formé le fondement d’une carrière réussie. Il résume sa philosophie comme suit : « Je vais aller dans mon passé et aller en moi-même - beaucoup de ces souvenirs sont douloureux, mais je les laisserai être la saleté où je peux planter ces histoires. »

Là où il m’accroche vraiment, c’est l’histoire magique de la façon dont il est entré dans CalArts par accident : Après avoir eu les dessins qu’il a fait de personnages de dessins animés américains - ce qu’il pensait lui obtenir un emploi - abattu dur, il a accidentellement laissé son portfolio de peinture, contenant ses œuvres personnelles, sur la table. « Vous ne dessinerez pas les choses que vous pensez que les gens veulent voir ! », a déclaré le critique de portefeuille, le vénérable Jules Engel, presque 90 à l’époque. Vous allez dessiner les choses qui sortent de vous — ce que vous ressentez ! »

Il a lutté puissamment au cours de la décennie suivante, travaillant toutes sortes d’emplois dans des studios autour d’Hollywood, étant embauché et congédié, et même avoir ses emplacements rejetés sur la base de la race. (Les premières années ont été terribles.) Mais il a toujours fait de la limonade d’une manière ou d’une autre. Particulièrement étonnant est son histoire d’être mis à pied après 9/11 lorsque Sony a fermé toute sa division d’animation, puis immédiatement démarrer son propre studio en prenant certains des ordinateurs et des scanners qu’ils ont abandonnés et les rouler dans des paniers d’achat.

Mais le plus drôle d’un mile a été son pitch désastreux et non préparé à Guillermo del Toro pour produire The Book of Life, où il a laissé son concept art dans la voiture et a remis un script sur lequel il avait renversé de la tequila. Del Toro l’a rejeté comme le « pire terrain qu’il ait jamais vu ». ... Seulement pour révéler qu’il était un fan de longue date de la série télévisée de Gutierrez El Tigre et accepter avec enthousiasme.

Il conclut en parlant de ses parodies mexicaines d’art de rue de figures de la culture pop, puis en discutant (dans la mesure limitée qu’il a permis) son épopée fantastique à venir pour Netflix, Maya et les Trois.

Une séance de questions-réponses avec Elizabeth Garcia de Wacom apporte sa dernière et la plus inspirante histoire : le discours de son père sur le fait d’être votre meilleur soi, qu’il a appelé un « super-macho. » (Et ce n’est pas ce que vous pensez probablement. Découvrez-le vous-même.)

Certains de ces panneaux peuvent être résumés assez bien dans le texte, mais si vous n’en choisissez qu’un seul à regarder, que ce soit ceci.

Sérieusement, regardez celui-ci.

Partie 2

C’est la nuit aux États-Unis maintenant, donc c’est là que la partie anglaise du flux se termine. Comme l’a dit Ghostface : « C’est au tour du Japon maintenant, la Terre a tourné autour. »

Voici la chaîne pour la moitié du Japon, contenant toutes les vidéos ci-dessous et bien d’autres.

11 PM (1 PM JST) - Pourquoi l’encre connectée ?

Le coup d’envoi de cette partie de la nuit est une allocution de Nobutaka Ide, le PDG de Wacom Japan, une figure que j’admets que je ne connais pas. Dans les pantalons de survêtement, un tee-shirt noir, et (un détail que je ne remarquerai pas jusqu’à ce qu’un futur panneau) deux foulards, il ne ressemble pas beaucoup à un PDG, mais exactement comme le PDG d’une entreprise d’arts et de technologie. Son discours est sonné en direct par un pianiste qui, comme le dit le traducteur, « [joue] les touches de ce discours », un jeu de mots que je suppose fonctionne également en japonais.

Ide nous fait passer par l’histoire de Connected Ink, depuis ses humbles débuts à Las Vegas (pas là où j’aurais pensé) où seulement vingt personnes ont assisté et il n’y avait pas de public en ligne, jusqu’à aujourd’hui, où il occupe un centre de congrès de Tokyo et est un événement de streaming multiplateforme.

La mission de Connected Ink a changé, dit-il. Bien qu’il ait commencé comme un simple événement d’entreprise, « L’événement se dirige vers une chose plus fondamentale pour les êtres humains », ajoute le PDG de CELSYS dans un clip vidéo.

L’objectif de l’entreprise dans son ensemble a également changé, dit-il. Quand il a commencé, il ne pensait qu’à un simple déménagement d’unités, mais maintenant, la mission de Wacom est devenue ce qu’il résume avec l’expression « Dogu-ya », qui signifie à peu près « vendeur d’outils ». En le cherchant, dogu est un terme qui ne se traduit pas tout à fait par un mot anglais, ce qui signifie « instruments du chemin ». Peut-être qu’une traduction de la signification dans le contexte serait « dispositif de canalisation », car comme le poursuit Ide, l’objectif de ce nouveau Wacom est de créer tout un médium pour que l’art circule, pas seulement des périphériques en plastique. « Nous soutenons l’expérience de l’écriture et du dessin : c’est notre mission. »

C’est un thème qui traversera toute la moitié japonaise : La différence la plus frappante entre les deux est que là où les présentations de Wacom America se concentrent sur les cas d’utilisation des tablettes, les Wacom Japan se concentrent sur les grandes visions et philosophies spirituelles.

Ide décrit la croissance de l’entreprise avec des métaphores liquides - à un moment donné, une vague balayant toutes les personnes impliquées dans celle-ci ; à un autre moment, un tourbillon auto-perpétuant, nous attirant tous dans ce qu’il appelle le « chaos créatif », alimenté par le kotodamades participants - un terme défini plus tard comme « une énergie vibratoire mise en œuvre avec l’âme de quelqu’un ».

« J’espère que nous pourrons tous embrasser le chaos créatif ensemble », conclut-il.

Mentions honorables

23 h 30 (13 h 30 HNR) — Expérience en direct Zone II

Ensuite, une démonstration du mui.

Le quoi? Heureux que vous avez demandé. J’ai certes eu du mal à suivre cette partie en raison d’un conflit de volume entre le microphone de l’hôte et celui du traducteur, il a donc fallu creuser pour le savoir, moi-même.

À partir de leur site Web

Le mui (japonais pour « silence », orthographié en minuscules) est un hub intelligent intégré dans une planche de bois. Il dispose d’un écran tactile intégré avec une interface minimale de lumières LED blanches qui apparaissent à travers la surface du bois. Il s’intègre à l’Assistant Google et à divers appareils, peut contrôler les appareils intelligents, vous indiquer la météo et vous rappeler des événements comme n’importe quel autre hub intelligent ; et a la reconnaissance vocale, bien que fidèle à son nom, il répond par écrit. Créé par une startup de Kyoto du même nom, il est conçu pour être discret, s’intégrer à des styles de design minimalistes et promouvoir une atmosphère calme. Il ne vous donnera pas de fatigue oculaire lorsque vous l’utilisez, et ne fera aucun bruit pour vous distraire lorsque vous ne l’êtes pas.

Apparemment, il intègre également la technologie Wacom : Dans cette démonstration, l’inventeur Nobuyasu Hirobe montre comment vous pouvez écrire dessus avec un stylet, et il numérisera votre écriture et publiera le message en ligne.

Derrière la table où le mui est exposé, il a également travaillé avec l’équipe de conception KOPPA (qui construit tous les meubles d’exposition de Wacom) pour construire une arche mystérieuse. Il a la forme d’une maison très simple, mais avec une passerelle à travers elle, et il y a plusieurs muis attachés à elle, ainsi que deux écrans LED. Il l’appelle la passerelle d’information.

Appuyer sur l’un des muis affiche un message - il n’est pas traduit, mais d’après ce que j’ai glané, il semble être un commentaire d’un visualiseur japonais d’encre connectée. « Les émotions et les sentiments de notre public en ligne doivent être rassemblés dans cette cabane », explique Hirobe.

1 :30 AM (3 :30 PM JST) Comment pouvons-nous soutenir l’amour des enfants pour le dessin, aujourd’hui et au-delà ?

Pour ce panel, Ide est rejoint par le président de CELSYS, les fabricants de Clip Studio Paint, et le surintendant de l’école d’Ōiso, Kanagawa.

Il a également fallu une petite recherche après coup pour reconstituer l'histoire complète (bien que le son soit bien) : Ōiso est une sortie éloignée du métro Tokyo-Yokohama, une petite ville balnéaire à une heure et demie de la convention. Nous nous sommes lancés dans un projet visant à donner un Wacom One et une copie du nouveau « Clip Studio Junior* » de CELSYS à tous les enfants de l'école secondaire de la ville, en mesurant les effets sur la motivation et la créativité des élèves. Apparemment, ils l'ont adoré. « Nous disposons de matériel et de logiciels à la fine pointe de la technologie, et les enfants sont très choqués », dit le surintendant.

^{* Je pense que cela pourrait être un autre nom pour Clip Studio Paint DEBUT.}

Charmantement, ils sont rejoints par chat vidéo par le maire d’Ōiso et le directeur de l’école, debout devant une classe pleine d’élèves dont les visages sont enterrés dans leurs Ones. Je ne peux pas leur parler parce qu’ils sont tellement concentrés qu’ils ne me répondraient pas ! » dit le maire.

Le PDG de CELSYS explique sa motivation pour participer : Pour donner aux enfants la même opportunité qu’il avait de découvrir l’art qui l’a conduit à son poste actuel. « Je n’étais pas bon à l’école, je n’étais pas rapide à courir, mais j’étais bon au dessin. Le dessin et la peinture m’ont aidé à traverser mes années d’école, et l’art a enrichi ma vie », dit-il. « Si je n’avais pas rencontré l’art, je ne pense pas que j’aurais été ici. »

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C’est le dernier panneau que j’ai entièrement écrit avant de taper quelques heures plus tard, mais beaucoup plus de contenu de Wacom Japan peut être vu sur la liste de lecture ci-dessus. (Ou, ici, je vais le lier à nouveau.) Il y a des spectacles de musique et de danse, des panneaux sur l’anime et le manga, des panneaux sur l’utilisation quotidienne des tablettes, et encore plus, que je n’ai pas pu inclure.

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Impressions

Malgré mon travail pour Wacom, je pense que mes conseils et recommandations ne valent rien à moins d’être soutenus par une certaine honnêteté. Donc, dans l’intérêt de cela, je dirai que l’encre connectée n’est pas un événement parfait, et le principal domaine dans lequel elle pourrait s’améliorer est l’accessibilité. Cela est dû en grande partie au fait qu’il s’agit de deux inconvénients sur un et, à certains égards, de quatre.

Connected Ink est moitié exposition d’art, moitié salon professionnel, et il pourrait aider à voir plus de séparation entre les deux.

En raison de la démographie des lecteurs de ce blog (principalement des artistes), certains des autres panneaux que j’ai regardés mais que je n’ai pas écrits étaient axés sur des cas d’utilisation super spécialisés : comme celui de l’analyste professionnel de l’écriture manuscrite Niko Kalantzis sur la façon d’identifier les contrefaçons, ou ceux sur la gestion des droits numériques et le dépôt de dossiers médicaux. Certains d’entre eux étaient plus intéressants qu’ils ne le semblaient (en particulier ceux de Kalantzis), mais ils étaient destinés à un public de niche très spécifique qui pourrait bénéficier de leur propre espace et de promotions ciblées, afin qu’ils sachent où le trouver.

Le con était déjà divisé en trois « étapes », une scène principale pour les événements en tête d’affiche et deux scènes latérales avec plusieurs panneaux en cours d’exécution à la fois : peut-être qu’une scène latérale pourrait être exclusivement pour les panneaux d’arts et de divertissement et l’autre pourrait être pour les panneaux techniques et axés sur les affaires, avec des efforts de marketing différents pour chaque public.

Mais : Ce qu’est l’encre connectée, c’est une collection de pierres précieuses à l’état brut. Comme le prouvent les panneaux que j’ai mis en évidence, c’est bien plus qu’un simple événement d’entreprise. J’ai de l’empathie pour la vision d’Ide et je comprends exactement ce qu’il essaie de faire avec l’événement : et s’il reste sur sa trajectoire actuelle, il pourrait devenir une convention majeure pour les artistes et les personnes qui utilisent des appareils graphiques à d’autres fins plus peu orthodoxes.

C’est peut-être imparfait, mais  cela en vaut vraiment la peine, et à en juger par le chemin parcouru depuis cet hôtel de Las Vegas, je pense que cela ne fera que s’améliorer chaque année.

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À propos de l’auteur

CS Jones est un écrivain et illustrateur basé dans le Grand Philadelphie, écrivant et illustrant actuellement un premier roman entre les articles. Vous pouvez voir tout son travail, y compris la plupart de ses contributions à ce blog, à thecsjones.com, ou le suivre à @thecsjones sur Instagram ou Twitter.