Eunbi Kang est une artiste coréenne spécialisée dans le développement visuel et l’illustration, récemment diplômée du très renommé ArtCenter College of Design de Pasadena, en Californie. Dans la vidéo ci-dessous, elle explique pourquoi les fiches de conception de personnages sont si importantes et montre comment elle a créé la sienne à l’aide d’un écran à stylet Wacom Cintiq 16.
Kang a créé la peinture numérique avec laquelle elle travaille dans la vidéo il y a quelque temps, mais n’en a jamais fait un projet à part entière. Elle avait toujours aimé cette pièce et avait reçu de nombreux commentaires positifs de la part de ses partisans. Elle savait donc qu’elle y reviendrait un jour et qu’elle la transformerait peut-être même en animation. Nous avons demandé à Kang de nous montrer son processus de développement visuel, en commençant par la manière dont elle peut extraire une feuille de conception de personnage de son dessin final.
Pourquoi une feuille de conception de personnage est-elle importante ?
Une feuille de conception de personnage est une référence importante pour les artistes qui travaillent sur des projets tels que l’animation, la bande dessinée ou les livres illustrés. Il détaille le comportement, l’apparence et les actes d’un personnage et le représente généralement dans de multiples poses du corps vu sous plusieurs angles et montre une grande variété d’expressions faciales.
Parfois, les artistes incluent également une narration écrite pour raconter l’histoire du personnage et aider à mieux définir sa personnalité et à prédire ses comportements dans l’histoire. Voici quelques raisons qui expliquent l’importance d’une feuille de conception de personnage :
- Assure la cohérence et la continuité de l’aspect et de l’atmosphère du personnage.
- Aide à contrôler les petits détails qui donnent vie au personnage sur la page
- Permet aux artistes de maintenir une cohérence dans la conception des personnages pour les illustrations séquentielles
- Veille à ce que, malgré les efforts de plusieurs artistes ou plus, leur travail soit cohérent, comme si un seul artiste avait réalisé les dessins.
- Fournit une référence partagée “map” que les équipes peuvent consulter lorsqu’elles travaillent avec le personnage ou le monde dans lequel il interagit.
La création d’une feuille de dessin de personnage réussie implique d’établir des formes, de réfléchir à la façon dont le personnage se porte et de dessiner le personnage à plusieurs reprises. Il est important que les dessins soient aussi simples que possible et que les bruits inutiles soient éliminés. Trop de détails peuvent encombrer un dessin. Les règles de conception doivent être crédibles, mais pas nécessairement réalistes.
Transformer une ancienne pièce en quelque chose de nouveau
Lorsque Kang regarde sa peinture numérique originale, elle explique qu’elle souhaitait conserver certains éléments, comme les couleurs (le bleu vif du manteau d’hiver) et les formes individuelles (le long bâton de bois, la longue queue et les glands de la cape), et qu’elle a donc décidé de conserver ces éléments dans sa nouvelle œuvre. Cependant, elle a décidé de modifier certains éléments qui lui semblaient douteux, comme la façon dont la chemise était reliée à la jupe et l’aspect des bottes. Elle souhaitait conserver les grandes idées de la peinture originale tout en la rendant plus claire et plus facile à lire.
À l’aide de son Wacom Cintiq 16, Mme Kang a d’abord créé une nouvelle esquisse à partir de la peinture originale, puis a procédé à un processus appelé “color blocking”, c’est-à-dire qu’elle a ajouté les couleurs de base à l’aide de l’outil lasso et de brosses de base par défaut. Elle s’est attachée à séparer les différents calques, comme le calque du teint et le calque de la jupe, afin qu’il soit plus facile de masquer les différentes sections si elles se trouvent sur des calques distincts, au cas où elle souhaiterait apporter des modifications ultérieurement.
Ensuite, elle a déterminé la direction de la lumière et a ajouté une couche de multiplication sur ses couleurs de base pour créer des ombres. Kang trouve cette partie du processus particulièrement amusante, car elle dit que c’est là que la forme du personnage fonctionne avec la lumière, et que c’est le moment où vous transformez votre personnage plat à deux dimensions en une image rendue. Pour cette peinture, Kang a placé sa source de lumière en haut à gauche, en direction du personnage, car elle a trouvé que cela créait des ombres intéressantes sur le bras, le nez et la jupe.
Détails de l’ombre
Après avoir décidé de la direction de l’ombre, elle a commencé à détailler le visage. Kang trouve qu’il est plus facile d’extraire les détails du visage de la forme créée par les ombres ; elle se concentre simplement sur la partie du personnage qui dépasse ou qui est concave, créant ainsi plus d’ombres. Pour faire vraiment ressortir les choses, elle utilise de petits pinceaux sur le dessus pour appliquer une certaine texture.
“L’une des choses qui m’ont étonnée avec le Cintiq, c’est la finesse avec laquelle il capture les textures et la pression du stylo,”. “Il était donc très facile de contrôler mes stylos et de profiter pleinement de mes pinceaux de texture. Lorsque j’ai reçu ce Cintiq, j’ai littéralement essayé tous les pinceaux que j’avais et j’ai été stupéfaite de la façon dont il mélangeait bien la couleur et de la fluidité avec laquelle il montrait le travail de mon pinceau. Le moniteur lui-même affichait les couleurs exactes que je recherchais – il affichait le bleu cobalt que je voulais, et il affichait les ombres et lumières distinctives que j’avais exprimées.
Après avoir poursuivi le rendu, Kang est passé aux poses des personnages. Elle a décidé que l’une des caractéristiques les plus intéressantes de ce personnage était la queue de la cape. Elle savait que la cape bougeait différemment selon les conditions. Par exemple, par temps froid, elle peut se recourber vers l’intérieur comme la queue d’un écureuil. En revanche, lorsque le personnage se bat, la cape peut prendre une forme en zigzag pour montrer l’intensité de la situation.
Après quelques ébauches, Kang a nettoyé certaines de ses lignes et s’est attachée à rendre les poses des personnages plus claires tout en conservant les idées originales de ses ébauches. Pour exagérer la scène, elle a ajouté des ombres et des lumières graphiques aux couleurs de base. Elle a d’abord créé plusieurs calques, puis a ajouté des calques de superposition.
Pour choisir les couleurs, elle a dû tenir compte du type de situation dans laquelle le personnage était représenté : se battait-il la nuit sous une lune éclatante ou dans une forêt sombre en proie aux flammes ?
“C’est là que j’ai fait appel à mon imagination. Vous savez, quand nous étions petits, nous dessinions toujours des personnages sympas et nous racontions des histoires très intenses. J’ai utilisé la même technique. Voici l’image finale ! Je suis satisfait du résultat et heureux d’avoir pu reprendre mon ancien personnage et l’améliorer.”
À propos d’Eunbi Kang
Eunbi Kang est une artiste sud-coréenne spécialisée dans le développement visuel et l’illustration de jeux, d’animations et autres. Elle a récemment été diplômée du département d’illustration de l’Art Center College of Design à Pasadena, en Californie.
Tout en poursuivant sa carrière, elle a remporté la catégorie Environnement indépendant aux 2022 Concept Art Awards, ainsi que le Japanese Illustration Award. Elle est fascinée par les palettes de couleurs vives et les thèmes fantastiques. Suivez-la sur Instagram.