Acredito que os artistas aprendem melhor quando somos aprendizes de um artista mestre que pratica um estilo de arte específico de “escola de pensamento”. Foi assim que foi feito historicamente. Um aprendiz de pintor a óleo pressionou as sementes de linhaça para fazer óleo de linhaça, adquiriu e misturou pigmentos para pintar e esticar a tela. O aprendiz de escultor buscou argila, bloqueada em formas primárias ásperas e ajudou em tarefas trabalhosas, como queima, moldagem e fundição. Os aprendizes também mantiveram o estúdio de arte, mantendo as áreas de trabalho limpas e processando pedidos de materiais de arte para que o artista mestre pudesse se concentrar na criação de grandes obras de arte. Em troca, o aprendiz adquiriu valiosos conhecimentos e experiências em primeira mão, aprendendo técnicas e estratégias que lhe dariam a vantagem de criar obras que refletissem o estilo único de arte que o artista mais velho havia dominado. Como o aprendiz concentrou seu aprendizado em um estilo de arte, foi mais fácil trabalhar para dominar esse estilo. O artista mestre também se beneficiou dessa configuração. Ela preparou um sucessor para continuar seu legado. Isso garantiu que seu estilo de expressão artística permanecesse relevante à medida que novas escolas de pensamento surgissem.
Havia muitas escolas de pensamento durante essa era de aprendizagem. O pintor barroco italiano do final do século XVI, Michelangelo Caravaggio, por exemplo, inspirou a escola de pintura de Caravaggisti. Caravaggisti, aqueles que seguiram o estilo Caravaggio, empregaram muitas das técnicas de Caravaggio de usar uma paleta de cores limitada junto com luz e sombra dramáticas. Você pode ver a influência de Caravaggio mesmo uma geração depois no trabalho de Rembrandt.
Existem estágios no mundo da arte digital? Infelizmente, não. Por volta de 2012, eu queria me tornar artista digital depois de treinar em arte tradicional por 7 anos. Procurei uma escola de pensamento em arte digital para emular e um artista digital mestre com quem aprender. Minha busca por um programa formal no qual eu pudesse me inscrever foi insuficiente. Acho que há algumas razões pelas quais. As escolas de pensamento são criadas e sustentadas por pessoas comprometidas em promover um estilo único, independentemente das tendências atuais. Esse tipo de compromisso está ausente na indústria de arte digital. Em vez disso, a indústria investiu em alguns estilos de arte lucrativos. Quando comecei na arte digital, os estilos de arte preferidos eram arte semelhante à Pixar, arte de superfície dura para jogos de tiro e arte de jogos móveis. Também acho que artistas seniores não estão interessados em preparar sucessores. Talvez eles não queiram perpetuar os estilos de arte atuais e não tenham uma forte perspectiva artística própria? Talvez eles queiram reter o conhecimento para limitar a competição profissional? Talvez eles achem que é muito demorado?
Mesmo sem um modelo formal de aprendizagem, vi muitos artistas digitais incríveis no ArtStation ou no ZBrushCentral ao longo dos anos, e seus trabalhos continuam melhorando. Mas quando me aprofundei, descobri que alguns dos melhores artistas digitais foram aprendizes de um especialista ou concentraram seu aprendizado em uma escola de pensamento específica. Gio Nakpil, conhecido por seu trabalho em O Incrível Hulk, é um escultor digital que estudou com Carlos Huante, cujos desenhos de criaturas foram apresentados em sucessos de bilheteria de ficção científica como Blade, Men in Black, Planet of the Apes e Prometheus. Huante, um escultor e desenhista tradicional de mais de 30 anos, emprega técnicas volumétricas de escultura e desenho que ecoam nas esculturas digitais de Nakpil. Peter Konig, cujas esculturas apareceram em filmes de Coneheads a Enchanted e que aprendeu com o fundador da Tippett Studios, Phil Tippett, esculpiu e animou tradicionalmente por décadas antes de adotar ferramentas digitais. O domínio de Konig sobre mídias tradicionais é evidente em sua arte digital. Rafael Grasetti e Amilcar Aldana Fong são mais dois artistas cujos trabalhos mostram seu domínio da arte tradicional e digital. Não sei com quem Grasetti e Fong estudaram, mas as escolas de pensamento que moldaram seus estilos de arte brilham em suas obras.
Quando vi a conexão entre experiência e treinamento dentro de uma escola de pensamento, não consegui deixar de vê-la. Eu queria isso para mim. Mas não havia um caminho formal de aprendizagem, como por meio de um trabalho artístico, disponível para mim quando eu estava começando. E eu não conhecia um bom artista com um estilo único que estivesse disposto a investir tempo me ensinando a ser seu sucessor, mesmo que fosse remunerado. Em vez disso, passei anos reunindo minha própria escola de pensamento usando técnicas dos meus instrutores de arte tradicional favoritos, aulas de arte digital on-line, artistas de produção de filmes e artistas clássicos.
O resultado foi um estilo predominantemente influenciado pelos meus artistas favoritos, um histórico e outro uma lenda viva.
O famoso pintor do período orientalista Jean-Leon Gerome é o artista histórico que mais influenciou meu trabalho. Gerome era tão habilidoso que até mesmo seu aluno, Charles Bargue, cresceu e se tornou um dos melhores artistas de todos os tempos. Bargue era um desenhista habilidoso conhecido por ensinar os alunos a desenhar primeiro a partir de moldes de gesso, depois os levou a desenhar cópias mestras e depois graduá-los a desenhar a partir de modelos vivos. A abordagem acadêmica de Gerome e Bargues para capturar opulência altamente detalhada combina com minha abordagem à arte. Eu sempre começo meus projetos fantásticos a partir de uma base acadêmica.
Trabalho de estudante do curso Charles Bargue sobre desenho a partir de um elenco.
Eu pratico as técnicas de desenho de Gerome e Bargue usando grafite solúvel em água Caran d'Ache em papel de caderno de esboços do Rio Tomoe.
O segundo artista que mais me influenciou é o lendário Steve Wang, designer de criaturas, escultor tradicional, maquiador e cineasta de Los Angeles. Wang é mais conhecido por suas esculturas em Guyver, Guyver Dark Hero, Predator, Underworld, Blizzard e Hellboy. A compreensão de Wang sobre anatomia animal, humana e fantástica é incomparável e seu tratamento das superfícies das criaturas é tão acadêmico que agradaria até mesmo o falecido Jean-Leon Gerome. Eu posso ver os anos de estudo e observação de Wang em seu trabalho. Eu me esforço para que minha arte alcance o nível de qualidade que Wang traz para suas obras.
Eu aplico a abordagem acadêmica de Gerome e a combino com meu amor pelos designs de anatomia baseados em fantasia de Wang para criar personagens complexos como este.
Eu me senti muito mais livre quando desenvolvi minha própria lente artística para aprender arte digital. Eu não estava mais estilisticamente perdido. Eu poderia aprender muito mais rapidamente como aprendiz (desconhecido, distante) de Gerome e Wang, obtendo o máximo de conhecimento possível observando suas obras magistrais.
Tendo me perdido, recomendo que artistas menos experientes identifiquem um ou mais artistas mestres com os quais possam ser aprendizes ou cujas obras possam estudar intimamente à distância. É muito mais fácil melhorar quando você tem uma direção em mente; ter modelos artísticos e estilísticos ajuda você a fazer isso. Embora eu ainda não esteja no nível de Steve Wang, também espero que qualquer artista mestre que esteja lendo isso considere colocar um artista jovem e promissor sob suas asas. Isso ajudará a garantir que sua experiência e estilo, desenvolvidos ao longo de sua vida, continuem por muito tempo depois de sua morte. Não há como dizer quantos Rembrandts digitais um artista mestre pode criar.
Quincy Vadan é um artista que mora em Los Angeles. Quincy começou sua carreira artística estudando artes plásticas e ilustração por 6,5 anos na Academy of Art University em San Francisco. Ele então recebeu uma bolsa de estudos por mérito para frequentar a Parsons School of Design na cidade de Nova York. Quincy se recusou a estudar arte 3D por conta própria e a cultivar sua paleta estética. Ele passou os próximos 5 anos incubando: treinando nas mais recentes técnicas de arte digital, aprimorando as habilidades artísticas tradicionais, combinando as duas e aplicando-as a designs que estão em seu estilo característico. De modelos de moda a personagens digitais e joias, seus designs, que geralmente são descritos como “lindamente originais”, “uma mistura atraente de masculino/feminino, prático/fantástico, simples/ornamentado” e “do futuro, mas eterno”, são o resultado de uma década de jornada para descobrir maestria, beleza e significado.
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