Nós, artistas, temos histórias de origem semelhantes. Houve um momento em nossa infância em que fomos inspirados por um filme, uma história em quadrinhos ou um brinquedo favorito. Essa inspiração nos obrigou a recriar a obra de arte que primeiro capturou nossa imaginação. Pegamos um lápis, giz de cera ou um pedaço de giz e gravamos uma série de marcas que formam nossa primeira obra de arte. Isso soa familiar? Os brinquedos Masters of the Universe foram os trabalhos que despertaram minha imaginação. Eu tinha 6 anos quando minha mãe, trabalhadora de caixa no Kmart no dia 21 e Woodlawn em nossa cidade centro-oeste com menos de 300.000 habitantes, usou seu desconto de funcionário para me comprar uma nova figura do Masters of the Universe a cada poucas semanas. Eventualmente, minha coleção MOTU se transformou em um exército respeitável. Todas as noites, eu me recostava no meu pufe de vinil preto, me cercava de dezenas de figuras do MOTU e encenava óperas espaciais épicas que colocavam Castle Greyskull contra Snake Mountain. Foi isso que me levou a querer criar mundos fantásticos. Meu artista interior nasceu por pura brincadeira.
A partir daí, usei lápis escolares amarelos primários da HB para rabiscar meus pensamentos em papel de impressora barato. Eu superei esses materiais no ensino médio, onde preferi usar meu conjunto de lápis azul Staedtler e blocos de desenho delimitados. Eu me tornei ainda mais exigente (ou pretensioso) a cada ano que passava, passando a usar lápis Caran d'Ache e cadernos de desenho Moleskine. Eu passava horas incontáveis despejando minha imaginação nesses cadernos de desenho para criar esboços, estudos de vida e arte de fãs. Anos mais tarde, comecei a me interessar por ferramentas mais avançadas e comecei a me familiarizar com o Photoshop para criar meus primeiros trabalhos de arte digital - terrivelmente executados - usando uma mesa digitalizadora Wacom Intuos usada. Eu estava orgulhoso dessas pinturas terríveis. Todos nós adoramos nossas primeiras criações. Quanto mais feio, melhor.
Então, um dia, decidi levar minha arte a sério. Eu chamo esse palco de espelho dourado do artista. É nesse momento que o artista se arrisca a investir em si mesmo como profissional, comprando uma mesa digitalizadora maior, pagando por licenças de software comercial e inscrevendo-se em aulas de arte. É nas aulas, presenciais ou on-line, que seu trabalho é criticado em grupo por outros artistas pela primeira vez. Essas primeiras críticas são brutais. Eles destruíram completamente a imagem que eu tinha de mim mesmo como o próximo Rembrandt. De repente, todos ao meu redor eram muito mais talentosos. Tudo o que eu sempre achei bom no meu trabalho foi questionado. Comecei a me perguntar por que gastei tanto tempo e dinheiro com minha arte. Esse investimento foi um espelho dourado que me forçou a confrontar o compromisso que assumi com minha jornada artística.
Cada aula me lembrou de como era muito mais difícil criar arte no nível que eu desejava. Sempre há muitas novas técnicas para aprender, programas de software para dominar, tendências de design para acompanhar e assim por diante. Enquanto eu lutava para acompanhar esses desafios, algo estranho começou a acontecer. Minha sensibilidade artística, antes minha e só minha, começou a ser influenciada por colegas, professores e pela indústria da arte. Anteriormente, criei arte porque queria recriar a alegria que sentia quando era uma criança inspirada. Agora, a dúvida surgiu. Eu questionei minhas habilidades, técnicas, meios artísticos e se eu queria seguir a arte como uma profissão ou um hobby. Essas coisas podem causar estragos na psique do artista, transformando o que antes era uma prática quase meditativa em uma atividade estressante cheia de ansiedade. Será que algum dia poderemos voltar ao nosso espaço criativo seguro depois de ele ter sido comprometido por julgamentos externos? Como podemos recriar a magia que despertou nosso artista infantil interior?
É possível retornar à inocência artística. Fazer isso exige honestidade. Temos que nos perguntar: “Que tipo de artista eu sou?”
Primeiro, reflita sobre sua fonte de motivação. O ato de criar arte me traz alegria, independentemente do resultado ou das reações de outras pessoas? Ou você precisa que outras pessoas apreciem sua arte?
Em seguida, considere se a arte deve ser o centro de sua vida profissional. Preciso de validação financeira para continuar investindo em minhas habilidades artísticas? Ou sempre vou dedicar tempo e me sacrificar em outro lugar para melhorar minhas habilidades?
E, finalmente, pense em que tipo de expressão lhe traz alegria. Estou mais feliz criando obras de arte originais? Ou prefiro me basear no trabalho de outra pessoa?
Eu encorajo você a responder a essas perguntas honestamente e a seguir as respostas até sua própria conclusão pessoal. Fazer isso me ajudou a acalmar as vozes da dúvida para que eu pudesse criar a partir de um lugar de autenticidade. Ele me ajudou a dar o melhor de mim - junto com a imaginação desenfreada daquele garotinho que encenava óperas espaciais épicas com seus brinquedos MOTU - para minha mesa digitalizadora preta Wacom Cintiq 32 Pro. O Cintiq substituiu o pufe de vinil preto da minha juventude; eu o estou usando para esculpir meus próprios personagens fantásticos que desempenharão um papel nas épicas óperas espaciais de alguns meninos ou meninas.
Este sou eu em 1984 vestindo meu pijama favorito de Bruce Lee e segurando figuras de Grizzlor e Battle Armor He-Man. O pufe acabou de sair de cena.
Quincy Vadan é um artista que mora em Los Angeles. Quincy começou sua carreira artística estudando artes plásticas e ilustração por 6,5 anos na Academy of Art University em San Francisco. Ele então recebeu uma bolsa de estudos por mérito para frequentar a Parsons School of Design na cidade de Nova York. Quincy se recusou a estudar arte 3D por conta própria e a cultivar sua paleta estética. Ele passou os próximos 5 anos incubando: treinando nas mais recentes técnicas de arte digital, aprimorando as habilidades artísticas tradicionais, combinando as duas e aplicando-as a designs que estão em seu estilo característico. De modelos de moda a personagens digitais e joias, seus designs, que geralmente são descritos como “lindamente originais”, “uma mistura atraente de masculino/feminino, prático/fantástico, simples/ornamentado” e “do futuro, mas eterno”, são o resultado de uma década de jornada para descobrir maestria, beleza e significado.
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