Sempre quis aprender a pintar digitalmente, mas não sabe como começar? No vídeo a seguir, Tayler Olivas, artista e professor do site Concepts, mostra aos iniciantes como configurar seu espaço de trabalho, discute quais ferramentas digitais ele acredita que podem ser úteis, compartilha atalho de teclado sobre como acessá-las e dá dicas sobre como praticar a edição não destrutiva, usando pincéis de textura para obter visuais exclusivos na pintura digital e como combinar esses elementos em uma pintura finalizada.
Ao final desta lição, os iniciantes terão uma sólida compreensão de como usar ferramentas digitais para transformar formas simples em pinturas complexas! Assista ao vídeo abaixo ou continue lendo para obter um resumo. Interessado em mais tutoriais como esses da Proko? Confira o final desta postagem para obter mais recursos e links para seus tutoriais e aulas!
Introdução/Visão geral
Vindo de um plano de fundo tradicional, tive que fazer ajustes no meu fluxo de trabalho quando se trata de criar imagens evocativas em formato digital. Encontrei vários atalhos de teclado que uso em meu próprio fluxo de trabalho hoje.
Neste tutorial, mostrarei como pensar de forma simples com formas básicas e, em seguida, compor isso para criar uma imagem convincente. E eu mostrarei como fazer tudo isso no novo monitor com caneta Wacom One. A mesa digitalizadora da Wacom sempre foi uma das minhas favoritas, e a Wacom One é excelente para quem está começando seu jogo digital ou quer fazer arte em qualquer lugar. Agora, acho importante considerar que a ferramenta só funcionará tão bem quanto a pessoa que a usa. Ao todo, ter boas habilidades fundamentais deve permitir que você prospere, independentemente do meio ou da ferramenta escolhida.
Configuração do espaço de trabalho
Para este tutorial, usarei o Adobe Photoshop. Pessoalmente, odeio lidar com muitos menus em meu espaço de trabalho porque, em última análise, eles só vão impedir minha capacidade de criar. Se você for completamente novo no Adobe Photoshop e estiver usando a Wacom One, sua interface de usuário provavelmente será o espaço de trabalho Essentials, que nos dará todos esses painéis diferentes que provavelmente nunca usaremos.
Quando eu pinto, eu só navego por alguns painéis, então eu vou te mostrar como eu configuro o meu. O que você vai querer fazer é criar um novo espaço de trabalho aqui e renomeá-lo, clicar em “Salvar” e, a partir daqui, arrastar meu cubo de cores e excluir todos esses outros painéis. Gosto de ter camada, Color e Brush Windows visíveis. Lembre-se de que você sempre pode alternar entre diferentes espaços de trabalho, se necessário.
Ferramentas
Agora que temos um espaço de trabalho confortável para trabalharmos, gostaria de dar uma visão geral de algumas das ferramentas que uso. Muito do meu processo gira em torno de eu encontrar maneiras de criar formas gráficas fortes desde o início, e uma das maneiras mais rápidas que encontrei de fazer isso é não pintar as formas com um pincel, mas usar diferentes ferramentas de seleção dentro do Photoshop.
Então, essas serão principalmente minha ferramenta Lasso, a regular, a ferramenta Polygonal Lasso, a ferramenta Retangular Marquee e a ferramenta Elliptical Marquee. Para alternar rapidamente entre todos eles, empilhe os comandos do teclado uns sobre os outros.
Eu tenho A definido para minha ferramenta Marquee e T definido para minha ferramenta Polygonal Lasso. A razão pela qual eu os tenho configurados para T e A é porque eles estão muito próximos de onde minha mão repousa no teclado. Se você puder ter todos esses atalhos de teclado mais perto de sua mão, será muito mais fácil acessá-los.
Outra ferramenta que eu também uso muito é o Move Canvas, então eu posso mover a tela com muita facilidade, e essa será apenas sua barra de espaço. Se você tiver várias camadas, por exemplo, se estiver tentando selecionar essas camadas diferentes, poderá usar a Seleção automática e, ao clicar nesses pixels, será levado para a camada com esses respectivos pixels. Então, é muito mais fácil mover certos elementos em sua pintura, se você realmente precisar.
Agora, também existem ferramentas de transformação dentro do Photoshop que eu também uso com bastante frequência. Por exemplo, se quiséssemos criar uma forma de esfera, mas quiséssemos manipulá-la um pouco. Então, eu tenho minhas ferramentas de transformação ativadas agora e posso usar o Alt para alterar essas formas. Você também pode usar Ctrl para alterar um desses vértices para inclinar seu objeto ou usar uma combinação de ambos.
Não vou me aprofundar muito nisso, mas eu realmente sugiro que vocês experimentem isso e vejam que tipo de resultados podem obter. Então, isso é muito bom quando você precisa criar padrões e sobrepô-los em determinados planos ou se precisar incliná-los posteriormente.
Como esse pode ser um processo novo para alguns de vocês, vou mostrar como podemos combinar alguns de nossos atalhos de teclado para criar uma esfera convincente. Para ter uma boa noção de como eu uso essas ferramentas em um projeto, não deixe de conferir o vídeo incorporado acima.
Há muitas maneiras de descrever diferentes tipos de formas, especialmente quando se trata de texturas. Acho divertido ver alguns dos antigos mestres e ver como muitos deles usam textura e borda para criar diferentes tipos de formas.
E, eventualmente, você chegará a um ponto em que estará usando pincéis texturais para criar uma forma abreviada de alguns tipos de objetos que existem na natureza.
Texturas
Então, estou usando alguns dos meus próprios pincéis com os quais venho experimentando. Muitos deles vêm de digitalizações tradicionais reais de minhas próprias pinturas. Muitos deles me dão um monte de caos para trabalhar. Se você pensa em acidentes felizes, é aqui que isso começa a ocorrer.
No fundo da minha mente, estou realmente pensando em como posso usar esses tipos de texturas para descrever coisas diferentes na natureza e isso pode ser como rochas, nuvens, pele, sardas. Então, estou pensando em maneiras diferentes de usar esses pincéis no futuro. E você verá na pintura no futuro, eu vou mostrar um pouco sobre como esses pincéis podem ser aplicados. No entanto, eu definitivamente experimentaria isso sozinho e veria até onde você pode levar seus pincéis.
Agora podemos aplicar um pouco do que aprendemos com a criação de uma esfera básica no Photoshop em uma pintura de ambiente real. Vou usar uma referência que eu mesmo usei.
Esboçando
O objetivo disso é criar algo um pouco mais exagerado — talvez eu possa encontrar a essência de estar lá naquele lugar, naquele determinado momento. Espero poder infundir algo daquele momento nesta peça que a fotografia simplesmente não capturou.
Estou começando com alguns movimentos muito gestuais. Gosto de pensar em uma composição abstrata. Por exemplo, como podemos criar uma imagem um pouco equilibrada, mas também simples. E então eu mergulho em um esboço um pouco mais complexo para criar um roteiro, como para onde eu vou, como onde estarão minhas formas e, como você pode ver, estou usando algumas das minhas ferramentas de corte para criar um senso de perspectiva lá.
Estou criando grandes quantidades de formas neste momento e estou me certificando de ter uma silhueta boa e convincente. Apenas estudar algumas relações de formas negativas, como as coisas são espaçadas umas das outras, é apenas algo que você pode querer examinar, observar e depois aplicar. Essa é a próxima etapa: trabalhar com valor.
Levels & Values
Estou usando um ajuste de níveis no momento e o que isso está fazendo é trabalhar com base nos valores que tenho abaixo e está apenas criando uma chave de valor diferente. Está basicamente mudando os tons e os valores subjacentes. E está trabalhando em conjunto com a máscara para garantir que eu possa ir e voltar se eu quiser. Eu posso simplesmente usar essa máscara para pintar por cima, em vez de ter que pintar diretamente por cima.
No geral, estou lendo uma leitura decente sobre uma relação clara e sombria acontecendo agora e minhas luzes meio que vêm de trás; é como uma cena retroiluminada agora.
Então, esses aviões no topo realmente não estão recebendo muita luz. Há apenas um pequeno indício dessa luz que vai se espalhar sobre a forma. E você pode ver que até mesmo os pedregulhos em primeiro plano que estou estabelecendo agora meio que têm a mesma relação. Estou criando formas maiores em primeiro plano e me certificando de que elas fiquem um pouco menores à medida que se afastam. Essas formas sobrepostas de luz e escuridão também ajudam a dar uma sensação de perspectiva.
Gosto de pensar em aglomerações de luzes e trevas como uma espécie de tapeçaria. Por exemplo, se você puder pensar em como o tecido é mantido unido, é como se você mantivesse as luzes e as trevas da mesma maneira, sua composição ficará um pouco mais forte. As coisas vão se manter um pouco mais unidas, o tecido de sua composição geral vai se manter.
James Gurney também o descreve muito bem; ele fala sobre isso como sendo “soldagem de formas”. Acho que as condições que ele usa são a soldagem de formas, e isso é muito interessante, pois é possível criar composições fortes se você se certificar de que todas as formas estão se encaixando, especialmente se as relações de luz e escuridão estiverem funcionando bem.
Cor
Agora que eu tenho todas as minhas luzes e trevas em minha composição, pelo menos uma composição simples está funcionando do ponto de vista de uma miniatura, estou apenas adicionando um pouco de cor, tentando estabelecer um pouco de atmosfera fria para o céu e adicionando um pouco de calor para essas rochas também, tentando estabelecer algum tipo de cor clara para elas, e vou voltar para essas sombras também.
Estou usando a seleção da máscara que usei para os níveis e estou criando outra camada de sombra sobre ela, mas pintando diretamente sobre ela, certificando-me de usar todas as diferentes seleções que criei no Photoshop, indo e voltando e reutilizando coisas. Então, só para descrever o que estou usando para as cores, estou usando cores complementares, como roxos e amarelos.
E dentro disso, estou ficando um pouco mais sutil, como uma separação de cores. Estou apenas brincando com alguns dos tons de cinza que existem nesses grupos de cores e isso está me interessando um pouco. Agora, embora eu tenha introduzido muitas cores neste momento, você pode ver que minha composição geral de luz e escuridão realmente não mudou em nada.
Meus valores realmente não mudaram em condições de sua estrutura geral. Isso é uma coisa a ter em mente. Você quer ter certeza de que suas miniaturas são um pouco semelhantes à sua pintura final. Você quer ter certeza de que as formas são um pouco consistentes.
Você sempre tem um pouco de espaço para brincar e juntar objetos ou separá-los, mas, na maioria das vezes, você quer se manter fiel à afirmação inicial que fez no início.
Pintura
É aqui que as coisas começam a ficar um pouco mais caóticas, quando estou pintando diretamente sobre algumas dessas camadas e rompendo com esse método não destrutivo de trabalho. Mas ainda estou pensando no que cada camada está fazendo por mim e saber que posso voltar e afetar essas camadas será muito útil.
E agora, como aquela esfera anterior, você pode ver que estou usando esses elementos texturais para criar uma sensação de material para essas rochas. Você pode ver onde o terminador existe, eu tenho muita textura entre o claro e o escuro; isso está ajudando a transmitir que é uma rocha. Ao criar mais sobreposição, também está ajudando a reforçar um pouco mais essa perspectiva.
Com essas pedras ao fundo sendo atingidas pela luz, isso ajuda a mostrar que as coisas estão explodindo à distância, elas ficam menores. Isso faz com que nossos olhos acreditem que temos uma perspectiva muito mais estrutural do que temos. Essa também é uma abordagem muito impressionista da pintura digital.
Neste momento, estou realmente experimentando com meus pincéis. Estou tentando encontrar maneiras diferentes de usá-los. Estou até girando minha tela de cabeça para baixo para me ajudar a obter aquele ângulo em que o pincel está realmente se gradiando da maneira que eu quero. Estou em um ponto da pintura em que ainda estou tentando descobrir quais são as principais decisões que vou tomar. Por exemplo, quais são os maiores traços que eu deveria fazer neste momento, se devo ter a maioria dos detalhes nas minhas sombras ou se devo ter a maioria dos detalhes nas minhas luzes.
Uma coisa a considerar também é que nossos olhos geralmente se concentram no escuro ou nas luzes e, se pudermos priorizar uma delas, isso também tornará nossas pinturas um pouco mais eficazes e confiáveis.
Há algumas áreas nesta pintura em que vou voltar, como, especialmente, quando as luzes se encontram com as trevas, vou criar um pouco mais de contraste nas trevas. E o que isso vai fazer é exagerar essa forma como sombra central e terminadores, movendo a luz para as sombras. Novamente, apenas brincando com alguns desses pincéis, eu realmente os trato como pequenos experimentos. É aqui que você vai cometer erros e meio que mexer na tinta, vendo o que acontece.
Refinando
Estou chegando ao ponto em que minha composição está gostando um pouco dela, como se me sentisse muito bem com ela. Então, vou refinar algumas dessas áreas que aumentam um pouco essa credibilidade, esse representacionalismo em que obtemos um pouco mais de nuance em nossas sombras centrais e sombras internas, garantindo que tenhamos alguma luz refletida, que nossas sombras centrais estejam funcionando corretamente e que algumas das formas menores também estejam sendo consideradas.
Desde que adquiri um monitor com caneta Wacom - como o Wacom One - tem sido muito mais fácil criar essas seleções de laço e ser um pouco mais preciso com elas. Uma coisa que notei ao usar um visor com caneta é que parece um pouco mais orgânico usar essas pinceladas; você sente que tem uma resposta direta à sua pintura. Você tem um feedback direto, ao passo que com uma mesa digitalizadora como a Wacom Intuos, que eu uso há muito tempo - é muito boa -, você tem essa estranha desconexão porque sua mão está para baixo e seus olhos estão para cima.
Acho que poderia usar um pouco mais de movimento com algumas formas mais claras que estavam nos guiando pela pintura, então temos uma espécie de ritmo com as silhuetas, formas das rochas ao fundo com as pedras em primeiro plano vindo para a luz. E eu quero que entremos em primeiro plano e depois em segundo plano, quero que isso faça parte do impacto gestual da imagem.
Estou usando alguns outros ajustes de camada aqui, como preto e branco e também níveis, para superexpor algumas dessas áreas e, talvez, aumentar um pouco mais os brilhos. Agora que esse esboço está um pouco completo, vou voltar e apenas retocar algumas áreas e também adicionar alguns pássaros! Ajuda ter um pouco da vida selvagem ambiente no fundo de sua pintura para dar a ela uma sensação de vida, para mostrar que existem coisas que vivem aqui, não é apenas um deserto árido.
Conclusão
Eu realmente espero que você tenha gostado do meu processo e, vendo que não sou muito crítica em relação ao desenho que tenho, que eu esteja apenas vibrando com as formas que tenho e com a referência que estou usando, e definitivamente confiando em algumas das minhas experiências anteriores com pintura ao ar livre. Usei meu vocabulário visual para desenhar algumas dessas cores que vi no passado e na vida real. Eu realmente espero que isso lhe dê uma nova perspectiva sobre a pintura digital e como você pode abordá-la com um pouco mais de liberdade.
Quer saber mais?
Para conferir o trabalho de Tayler e entrar em contato, você pode encontrá-lo no Instagram ou no Art Station.
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