Uma das melhores carreiras criativas em 2023 é a de um artista do siteConcepts . Concepts Os artistas trabalham em filmes, programas de TV, videogames e inúmeros outros projetos criativos, e praticamente todos os tipos de produção artística estão representados nesse campo: pintores e ilustradores digitais, artistas 3D, manipuladores de fotos, animadores e muito mais.
Mas se você for um jovem artista - talvez perto de concluir o ensino médio ou a faculdade de arte - e quiser seguir a carreira de Concepts art, como começar? Conversamos com três artistas profissionais do Concepts sobre suas carreiras e o que os jovens artistas precisam saber. As entrevistas foram editadas e combinadas para maior clareza e extensão.
Entrevistado para este artigo:
- Ana Rivera(Website, Instagram) é uma artista do Concepts que já trabalhou para o Cartoon Network, Netflix e atualmente trabalha principalmente no setor de videogames.
- Barbra Araujo(Website, Instagram) é uma figurinista Concepts que já trabalhou na TV e no cinema para empresas como Disney, Netflix, Paramount e outras.
- Sam Garcia(Website, Instagram) é um artista de desenvolvimento visual que já trabalhou em filmes e videogames.
Você recomendaria que jovens artistas frequentassem uma escola de arte como você fez? Por que ou por que não?
Barbra Araujo: Há prós e contras em frequentar uma escola de arte e em buscar sua própria educação artística. Cada pessoa aprende de forma diferente, portanto, a escola de arte pode não ser para todos. Parecia ser a única opção para mim, porque na época não havia nenhum recurso on-line disponível que se comparasse ao nível de instrução que eu recebia na escola. Também me beneficiei muito do fato de ter outros artistas ao meu redor. Evoluímos juntos, desafiamos e apoiamos uns aos outros. Meu currículo de Bacharelado em Administração de Empresas foi acelerado e intenso e incutiu em mim uma forte ética de trabalho e habilidades fundamentais inestimáveis que carrego comigo até hoje. Mas a escola de arte é cara, e nem todo mundo tem condições ou acesso a ajuda financeira.
Hoje em dia, há ótimas alternativas para a escola de arte e os artistas podem personalizar seu próprio caminho de educação artística. Além disso, participar de grupos como a Concepts Art Association e interagir com outros artistas ou participar de workshops pode ajudá-lo a conhecer outras pessoas em diferentes estágios de suas jornadas artísticas.
Ana Rivera: Eu recomendaria que os alunos procurassem cursos on-line e pequenas escolas no estilo de ateliês. Estudei em uma faculdade de arte porto-riquenha empobrecida. Era barato, mas as aulas estavam desatualizadas e a arte não era voltada para a disciplina. Eles não ensinavam pintura digital, então tive que aprender sozinho e isso levou algum tempo. Sinto que perdi o ímpeto naqueles cinco anos na faculdade, porque não tive um professor para me orientar. Por outro lado, não tenho empréstimos estudantis - as faculdades dos Estados Unidos são muito mais caras, e eu nunca as recomendo.
Recursos on-line, como o YouTube, e pequenas escolas, como a Concepts Design Academy, são gratuitos ou custam uma fração do preço e estão muito mais concentrados no crescimento e não no resultado final. Não é apenas um bom espaço para aprender, mas também um ótimo lugar para fazer contatos. A nova onda de artistas tem muito mais recursos acessíveis do que eu tinha há uma década.
Sam Garcia: Acredito que a jornada artística de cada pessoa é muito, muito diferente, e isso é uma coisa linda. Independentemente do nível de experiência que alguém tenha obtido ao longo da vida, há princípios artísticos fundamentais, e muitos desses temas fundamentais podem não ter sido descobertos pelo artista. Essa é a razão pela qual acredito que todos se beneficiariam muito com, no mínimo, alguma forma de educação artística formal. Cabe ao artista identificar seus objetivos artísticos e apoiar esses objetivos com a prática adequada e o aprendizado adequado, quando aplicável.
Concepts Quais são algumas das habilidades mais importantes que os jovens artistas devem desenvolver para serem bem-sucedidos em suas carreiras artísticas?
Ana Rivera: Tudo se resume às fundações. Você saberá como estilizar, desenhar e pintar melhor. Superei muitos obstáculos quando voltei e pintei na vida real, estudei quadros de filmes e vi vídeos sobre cores - o que é luz, o que é valor, etc. Até hoje, ainda procuro cursos sobre esses tópicos. Sempre há algo a aprender e outras coisas que levam mais tempo para serem processadas.
Além disso, habilidades de rede. Esteja aberto para interagir com as pessoas e fazer novos amigos. Nem sempre aborde isso como uma troca de negócios - tente saber quem eles são, como chegaram lá e mantenha contato. Você também pode fazer amizades por meio do networking, e isso o ajuda a crescer como pessoa. O trabalho em rede é a principal razão pela qual fiz os contatos que me levaram a alguns dos meus primeiros trabalhos importantes.
Barbra Araujo: Versatilidade, eficiência, solução criativa de problemas e disposição para continuar aprendendo. Ter uma variedade de habilidades, como desenho e pintura tradicionais, pintura digital, photobashing, escultura em 3D, conhecimento de anatomia, cor e iluminação, e conhecimento dos materiais e métodos de construção apropriados para seu trabalho Concepts (ou seja construção de roupas e ciência têxtil para fantasias). Também é importante ser capaz de receber orientações, aceitar críticas e trabalhar bem com outras pessoas. Muitos trabalhos são feitos por meio do boca a boca, de clientes recorrentes e de seus colegas, portanto, certifique-se de que seus clientes e seus colegas artistas do Concepts tenham uma ótima experiência ao trabalhar com você.
Sam Garcia: Além de desenvolver suas habilidades técnicas de ilustração e design criativo, o que vem com a prática, a prática, a prática e a aventura em áreas artísticas desconfortáveis que ultrapassam seus limites e ajudam no seu crescimento, acredito que algumas das habilidades sociais mais importantes dizem respeito ao caráter.
Acredito que os artistas mais bem-sucedidos são aqueles com quem é muito fácil/agradável trabalhar e que se sentem muito à vontade trabalhando em equipe, aqueles que entendem e recebem positivamente as críticas construtivas e aprendem a aceitar muito bem a rejeição, e aqueles que são muito gentis com os outros e têm uma atitude humilde, aberta e receptiva, dispostos a permanecer sempre estudantes de seu ofício e, ao mesmo tempo, a elevar os outros.
Como os aspirantes a artistas e ilustradores do Concepts continuam a desenvolver suas habilidades, acredito que eles devem tentar identificar o que mais gostam e o que realmente inspira sua criatividade. Isso informará muito sobre as condições de qual ramo da arte Concepts eles podem começar a aprender e a se dedicar. Então, comece a criar! Familiarize-se com fluxos de trabalho, softwares, artistas que criam a arte que você ama e comece sua jornada criativa!
Como é um "dia na vida" de um artista conceitual como você?
Barbra Araujo, figurinista Concepts: É longo e tem um ritmo muito rápido. Trabalho de 10 a 15 horas por dia, dependendo dos projetos e dos prazos. Começo o dia conversando com o cliente se precisarmos discutir a carga de trabalho; caso contrário, se eu já tiver uma tarefa definida, começo imediatamente. Pesquiso todos os aspectos da ilustração ou do site Concepts - a semelhança do ator, o tipo de corpo, a referência da pose, a referência do tecido, a referência da roupa, os planos de fundo, os detalhes do design etc. - e, em seguida, trabalho em uma ilustração de maquete para compartilhar o WIP com o cliente o mais rápido possível. Se houver alguma anotação, eu a faço, caso contrário, prossigo com a renderização, que é um processo demorado.
O processo de feedback geralmente continua até chegarmos às versões finais. Tento me lembrar de fazer intervalos suficientes ao longo do dia para me alongar, alternar entre ficar em pé e sentar e, é claro, fazer as refeições. O equilíbrio entre a vida profissional e a vida pessoal é muito importante, e é algo que estou sempre trabalhando para melhorar.
Sam Garcia, artista de desenvolvimento visual: A função de um artista de desenvolvimento visual é desenvolver a linguagem visual da história. Isso inclui a criação de designs e esboços de exploração para personagens, adereços e ambientes e pode se estender até a criação de quadros-chave, promoções ou outras artes de produção.
O dia a dia de um artista de desenvolvimento visual começa com o recebimento do briefing do projeto para o qual precisamos desenvolver a linguagem visual. O ponto de partida depende do diretor de arte/chefe de arte. Digamos que primeiro precisemos projetar o personagem principal. O primeiro passo é entender a história desse personagem e o mundo do qual ele faz parte. Analisarei minuciosamente todo o material que me foi fornecido sobre a história e começarei a pesquisar e elaborar um quadro de humor ou de referência. Isso geralmente contém possíveis paletas de cores, referências e muitas anotações para ideias de design.
Em seguida, esboçarei miniaturas de silhuetas e começarei a definir a direção da luz, as principais formas e a estrutura da roupa e as características definidoras. Em seguida, escolho meus designs favoritos e crio iterações em que estou explorando como seriam outros possíveis trajes, características faciais, armas ou adereços para eles. Para finalizar, vou renderizar completamente minhas iterações favoritas. Dependendo do projeto, cada uma ou algumas das etapas exigirão a tomada de decisão dos diretores de arte/líderes de arte. O processo de criação é muito colaborativo.
Barbra, sua carreira mudou de design de moda para figurino e arte conceitual para filmes e entretenimento. Por que e como você fez a transição?
Barbra Araujo: Comecei a me interessar por história e design de trajes quando era adolescente, mas decidi que um diploma em design de moda ofereceria mais opções de carreira e versatilidade. Depois de me formar, trabalhei no setor de moda. Mas acabei percebendo que o setor de moda não era para mim. Naquele momento, desenhar me trazia mais alegria do que projetar, então decidi mudar de marcha e buscar a ilustração - minha matéria favorita na escola. Foi quando descobri que a arte de figurino Concepts existia como uma carreira e segui o caminho autodidata para aprender arte digital. Minha formação em moda tem sido incrivelmente útil em meu trabalho, e finalmente encontrei o que me faz feliz.
A diferença mais notável entre trabalhar nos dois setores é que, na moda, tudo o que eu desenhava tinha que funcionar em uma variedade de tamanhos de corpos (o que não é pouca coisa), tinha que se adequar à identidade e à base de clientes da marca, muitas vezes restrita, e, o mais importante, tinha que vender em grandes volumes para ser considerado bem-sucedido. No entretenimento, cada projeto é único e uma oportunidade de explorar um novo mundo, período de tempo, gênero e personagens de todas as idades, gêneros, formas e tamanhos. O foco está na criação de visuais personalizados que ajudam a transmitir visualmente o arco da história do personagem - algo que considero incrivelmente fascinante e infinitamente inspirador.
Ana, você parece gostar de temas mais sombrios em seu trabalho pessoal e de ilustração. Mas alguns de seus trabalhos foram em desenhos animados infantis, videogames brilhantes ou filmes convencionais. Como equilibrar seu interesse pessoal com as expectativas dos empregadores em caso de conflito?
Ana Rivera: Não gosto de ser colocada em uma caixa específica; assim como meu humor, minha arte muda e cresce. E eu aproveito todas as oportunidades que posso aproveitar. É muito raro eu ter shows de humor sombrio, mas sempre há demanda para os outros estilos que eu também adoro. Guardo minhas pinturas temperamentais para meu próprio prazer na forma de um hobby, mas adoro minha dualidade. Tenho trabalhado em coisas mais estilizadas para incluir em meu portfólio. E se há um cliente que me contrata por meu trabalho sombrio e mal-humorado, é sempre uma experiência especial ser pago por ser eu mesmo.
Eu encaro meu trabalho como uma pessoa que usa diferentes tipos de chapéus. Tento deixar claro para meus clientes que o que eles querem vem em primeiro lugar. Sou fã de animação desde criança e cheguei a animar na faculdade. É um estilo de arte que influenciou muito meu trabalho e é o motivo pelo qual eu estava interessado em entrar para o setor. Também tenho um fascínio profundo por terror e história. Gostaria que houvesse mais projetos que misturassem os dois, já que a animação é um meio, não um gênero.
Sam, quais são algumas das diferenças entre trabalhar em filmes e trabalhar em jogos, bem como em outros tipos de mídia e projetos em que você trabalhou? Você prefere algum deles em vez dos outros?
Sam Garcia: O tempo de produção de jogos de computador e console geralmente é mais longo, e haverá uma demanda maior de design para jogos do que para filmes, o que também significa que pode haver mais demanda ilustrativa. Os filmes, por outro lado, geralmente têm um cronograma de produção mais curto e os artistas do Concepts podem ser contratados para trabalhar por um período de tempo mais curto.
Isso também significa que, dependendo do projeto, talvez nem sejam necessários esboços, e alguns artistas do Concepts fornecerão designs totalmente renderizados e acabados. Dito isso, realmente depende do estúdio, e/ou do produtor do projeto, e/ou do figurinista. A preferência deles, a direção de arte, as demandas do projeto e o orçamento ditarão o tipo de experiência que você terá em cada projeto. Desde que eu esteja projetando ao lado de ótimas pessoas, essa sempre será minha preferência.
Quer saber mais?
A BRIC Foundation e a Concept Art Association apoiam artistas conceituais novos e consagrados de várias maneiras. Agradecimentos importantes a ambas as organizações por conectar esses artistas à Wacom e facilitar esta entrevista.
Confira a BRIC Foundation em seu site, Instagram e Twitter.
Confira a Concept Art Association em seu site ou no Instagram.
