Cabeçalho da galeria de arte on-line do Connected Ink.  (É apenas uma imagem estática, não é possível rolar sobre ela).

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Nossos materiais promocionais apresentam o Connected Ink como uma "Plataforma de inovação aberta". Embora preciso, eu diria que isso é subestimar a situação. É mais uma convenção multimídia: painéis, palestras e promoções, todos focados em arte digital e tecnologia, com uma galeria de arte para acompanhar. Uma Basiléia de Arte Digital, se preferir.

Assim como o Lightbox 2020, ele assumiu a forma de uma série de vídeos pré-gravados e eventos ao vivo transmitidos em algumas plataformas. Ele dura 24 horas ininterruptas: O deste ano foi de 17 de dezembro às 20h JST - ou 6h EST, onde estou - até o mesmo horário em 18 de dezembro. E, como você deve ter adivinhado pelo título, consegui passar por dezoito.  (das 10h às 4h).

Ela pode ser dividida em duas metades, ocidental e japonesa. A metade ocidental, que foi a primeira que eu assisti, foi um esforço colaborativo entre a Wacom América e a Europa, conduzido nas casas dos participantes e por meio de vídeos pré-gravados, via Youtube, Vimeo e Zoom. A parte japonesa foi transmitida ao vivo de um centro de convenções em Shinjuku, Tóquio.

Um recurso que eu realmente gostei foi a contagem regressiva para cada evento. Embora eu mantivesse um conversor de JST para EST aberto em outra guia, muitas vezes esquecia o horário do JST quando o minimizava, então esse recurso foi um salva-vidas. Os contras físicos também poderiam usá-los (embora eu saiba que eles são difíceis de imprimir em papel).

Como em qualquer convenção, foi difícil assistir a todos os painéis que eu queria ver, e acabei perdendo algumas partes. Mas todos eles, exceto o primeiro, estão agora nos dois canais da Wacom no YouTube. Aqui está a lista de reprodução da primeira parte (Wacom America/Japan's).

...Mas imagino que você queira saber por que deve assisti-los, não apenas onde. Aqui estão as anotações que fiz durante o evento. Continue lendo!

Destaques

Parte 1

12 PM (2 AM JST) - Um dia daqueles

Os Devirs com suas contrapartes cômicas

Se você acompanha quadrinhos na Web ou é bastante ativo nas mídias sociais, provavelmente já viu One of Those Days, do casal israelense Yehuda e Maya Devir, em algum lugar. Seus quadrinhos de um painel, geralmente sem palavras - um formato que eles dizem ter adotado para falar com um público mundial - não são apenas as piadas #relatáveis que podem parecer à primeira vista, mas um diário de todo o seu percurso de convivência, casamento, filhos e início de carreira.

Nesse painel enérgico, eles entram em detalhes sobre esse curso e como a história em quadrinhos os ajudou a passar por ele, levando Yehuda de um ilustrador em dificuldades (gostei particularmente de suas reclamações sobre as pessoas que queriam que ele trabalhasse para se expor) a ter uma vida confortável devido à exposição que ele mesmo gerou com a história em quadrinhos. Esse é o primeiro painel que realmente me chamou a atenção. Sua paixão por seu trabalho, pelo relacionamento que o inspirou e por seus fãs é óbvia e contagiante. Menção honrosa para Maya por ser a contadora de histórias mais empolgada que já vi em uma transmissão ao vivo.

Não consigo encontrar um vídeo desse, o que é lamentável para sua primeira impressão, mas todos os outros os têm.  No entanto, se você quiser vê-los em ação, aqui está a palestra do TED do ano passado, bem como o canal do YouTube, que eles atualizam com uma regularidade impressionante.

1 PM (3 AM JST) - Criatividade em ação

Esta é uma sessão de desenho de vida fantasiada trazida até nós pelos parceiros da Wacom na Drink and Draw Berlin (embora em inglês perfeito) e realizada, curiosamente, em uma casa flutuante.

Para quem nunca participou de um, o Drink & Draws é um fenômeno mundial, e é exatamente o que parece: As pessoas se reúnem para beber enquanto desenham. Já participei de muitas, mas nunca vi uma transmissão ao vivo antes, então não sabia o que esperar. Mas essa foi excelente.

É um formato que me surpreende nunca ter visto em um fluxo de arte antes: Um artista desenha a partir de um modelo e, em seguida, senta-se com o apresentador para uma entrevista enquanto o próximo artista trabalha, compartilhando conselhos sobre arte e falando sobre a vida. Por exemplo, uma de minhas dicas favoritas é de Annabelle Kraus: Concentre muito esforço nos estágios iniciais de um desenho, porque "se você basear seu desenho em um esboço de cinco minutos, poderá renderizá-lo o quanto quiser, mas ele ainda parecerá um esboço de cinco minutos".

Por fim, gostaria de parabenizá-los pela qualidade do vídeo: eles mencionaram que levaram sete horas para preparar a transmissão ao vivo, e isso é visível. A iluminação e a produção estavam no nível de um programa de TV. E, embora pré-gravado, tinha toda a espontaneidade e a diversão de um programa ao vivo, e ainda era interativo até certo ponto - o apresentador participava da barra de bate-papo, respondendo às perguntas do público por meio de mensagens.

2:30 PM (4:30 AM JST) - Cartoon Crunch

Histórico: A Wacom apresentou seu primeiro reality show este ano. Um online, é claro, filmado pelos próprios participantes, mas ainda assim um grande empreendimento que proporcionou uma excelente visão do processo de animação. Além disso, minha parte favorita foi a parte técnica dos bastidores: os quadros de trabalho em andamento, os detalhamentos de todos os planos de fundo, as reviravoltas dos personagens.

Apresentado pelo criador do programa, Mike Morris, e pelo próprio Don Varga, da Wacom, o Cartoon Crunch separou oito estudantes de animação em duas equipes e os desafiou a produzir um curta-metragem de 45 segundos, desde o Concepts bruto até o produto final... em uma semana.

"Nunca tive que fazer tanto trabalho em tão pouco tempo", diz o participante Kasey Uhter, que nunca havia usado o Toon Boom antes disso.

"Parece que estamos aqui há meses", acrescenta a colega de equipe Brittany Consuegra.

Mas, por mais brutal que tenha sido o prazo, o Crunch se afastou agradavelmente da fórmula do reality show, pois era uma atividade colaborativa em que a única corrida era contra o relógio, e não uma atividade competitiva que estimulava o drama. "Colocar as pessoas umas contra as outras nunca deveria fazer parte do Cartoon Crunch", diz Morris. "Trata-se de trabalho em equipe", concorda Varga.

Ele foi distribuído em cinco episódios, e este foi o encerramento: Por meio de clipes, o painel nos mostra como eles trabalharam suas ideias e o feedback que lhes foi dado, até o processo de animação, culminando com a revelação dos curtas concluídos: Witchy Business e A Knight's Tail.

Como alguém que assistiu a um pouco do Cartoon Crunch, mas não conseguiu acompanhar tudo, sinto que estou tendo uma ótima visão geral do programa e da quantidade de trabalho que foi feito nele.

5:15 PM (7:15 AM JST) - Criando entretenimento multiplataforma

Este vídeo compacto de onze minutos aborda a criação de Gods of Mars, o primeiro filme a usar atores ao vivo em cenários de CG fotorrealistas feitos com o Unreal Engine. Para aqueles que não estão familiarizados com o Unreal... Ele não foi feito para isso, o que torna ainda mais impressionante o fato de eles terem conseguido fazer isso. O Unreal é um mecanismo de jogos completo, usado para criar ambientes interativos e fazer com que os personagens se movimentem por eles. As animações feitas com ele tendem a ser mais do tipo cutscenes - há uma comunidade impressionante de pessoas que fazem curtas-metragens realistas com ele, que podem ser encontrados no YouTube, e ele é comumente usado para visualização arquitetônica, mas nunca me ocorreu que alguém pudesse fazer um filme completo usando-o com atores ao vivo.

E, ao contrário da maioria dos projetos Unreal, os efeitos sonoros não foram feitos apenas com ativos digitais. Os criadores do Fonco Studios reviveram a tradição do kitbashing - pegar peças de diferentes modelos de kits, combiná-las com peças de outros e repintá-las para criar veículos e acessórios originais - um truque de efeitos especiais que remonta ao início dos filmes de ficção científica. Em seguida, eles digitalizaram as miniaturas no Unreal, animaram-nas e as compuseram com filmagens ao vivo. A parte mais empolgante, como eles apontam, é como esses métodos podem tornar a qualidade profissional ainda mais acessível aos cineastas de baixo orçamento. "Se você tiver um computador, uma placa de vídeo Nvidia e o Unreal, poderá fazer Lawrence da Arábia em seu dormitório."

Por fim, a equipe fala sobre a edição de filmes com a mesa digitalizadora Wacom e o DaVinci Resolve, um processo semelhante ao que o Filmmaking Today apresentou em meu último artigo. "Se eu tivesse que fazer tudo no Photoshop com um mouse, seria como cavar um buraco com um garfo", diz o editor Robert Dias.

6:30 PM (8:30 AM JST) - Aprendizado colaborativo, conectado, & sem papel

Terei outro artigo sobre isso no final desta semana.

Este painel é sobre aprendizado on-line, voltado para professores em vez de artistas. Mas, apesar de o assunto estar fora do meu escopo típico, a apresentadora Stacy Roshan o torna interessante.

Roshan é professor de matemática do ensino médio e escritor de EdTech. Ela sempre gostou do aprendizado on-line, dizendo que ele se encaixa em seu estilo deliberado e metódico, e agora ela se especializou em ensinar os professores a usá-lo. Ela tem estado muito ocupada com isso durante a quarentena.

Assim como Maya Devir, ela é uma palestrante dinâmica, cuja paixão por seus assuntos transparece, e ela apresenta o uso do Flipgrid, do Peardeck e do Kami com muito mais detalhes do que eu conseguiria nesse artigo. Portanto, se você decidir lê-lo, não deixe de acompanhá-lo com isso.

7:30 PM (9:30 AM JST) - Quando Hollywood passou do analógico para o digital

Este é o meu painel favorito até o momento: Melissa Ashcraft, da Wacom, entrevista a figurinista Gina DeDomenico-Flanagan sobre seu recente trabalho no programa The Boys, da Amazon Prime.

DeDomenico é uma grande figurinista: Ela trabalha com isso desde o início dos anos 90, e seus créditos incluem Escape from L.A., Amistad, The Nutty Professor, The Book of Eli, Looper,  Godzilla de 2014 , Lovecraft Country e o indicado a melhor filme The Help. Outros projetos em que ela está trabalhando atualmente incluem programas da Marvel e Star Trek Picard. Mas, devido ao show principal do painel, esse painel acaba girando em torno das complexidades específicas dos trajes de super-heróis.

Ela também nos explica como modernizou seu processo. Ela costumava trabalhar totalmente em mídia tradicional em papel até pouco tempo atrás - o último projeto que fez com tinta foi em 2015, para o filme The Hateful Eight, de Tarantino -, masno momento em que interrompeu a transição para o digital, ela percebeu a quantidade de tempo que economizaria e o potencial de criatividade adicional que isso proporcionava. O trabalho de figurino é um processo que envolve, como diz Ashcraft, "um monte de desenhos e um monte de revisões", criando variantes, descartando variantes e redesenhando partes até obter algo que agrade ao diretor.

"Posso trocar um traje verde por um azul em dois segundos. Antigamente, se o designer quisesse ver uma cor diferente, eu levava pelo menos um dia para redesenhar tudo", diz ela. Agora, ela também pode adicionar texturas e criar diversas variantes de um traje sobre a mesma maquete, o que lhe permite oferecer aos diretores muito mais opções.

Mas mesmo os insights sobre como o setor funcionava na época em que tudo tinha que ser feito pessoalmente ainda eram fascinantes: Trabalhar no escritório do estúdio, na mesa ao lado do designer de produção; ou em dias de trabalho em casa, ir ao escritório da FedEx para digitalizar pinturas para que ela pudesse enviá-las por e-mail, passando horas ajustando-as várias vezes para se livrar da distorção de cores dos scanners...

Depois de Hateful Eight, ela se esmerou em projetos digitais, trabalhando com o máximo de sua capacidade, mas usando apenas o Photoshop suficiente para fazer o que era necessário para cada trabalho. "Consegui passar por isso porque precisava", diz ela. Portanto, que isso sirva de lição para os aspirantes a criativos do setor que acham que precisam ter domínio técnico absoluto de um programa para conseguir um emprego. O fato de estar disposta a aprender e a demonstrar proficiência em várias áreas foi o que a levou a trabalhar. "Reserve um tempo para aprender Photoshop, aprender zBrush, aprender todos esses programas", ela recomenda. "Se você os conhecer, você trabalhará. Portanto, se você tiver algum tempo livre, aprenda".

8:30 PM (10:30 AM JST) - Encontrando sua voz e contando suas histórias

Eu também não tinha certeza do que seria esse painel, o último da Wacom America, mas logo percebi por que eles o deixaram para o final.

Jorge Gutierrez é um artista multimídia de sucesso, mais conhecido por ser um animador de classe mundial que está no jogo há vinte anos - durante os quais parece que ele teve experiências suficientes para três vidas.

Ele também é um incrível contador de histórias. Apesar de me distrair com outros painéis (nada pessoal, apenas uma necessidade se você vai reproduzir áudio em alto-falantes por 18 horas e ainda tem tarefas domésticas para fazer), toda vez que minha atenção se desviava desse painel, ele estendia a mão e a pegava de volta.

Nascido na Cidade do México e criado em Tijuana, a poucos quarteirões da fronteira, ele era filho de dois artistas e herdou seus costumes. Embora não tivesse o privilégio que permitiu que muitos futuros artistas famosos tivessem uma vantagem inicial em seu ofício, sua desenvoltura e sua paixão pela cultura mexicana formaram a base de uma carreira de sucesso. Ele resume sua filosofia da seguinte forma: "Vou entrar no meu passado e em mim mesmo - muitas dessas lembranças são dolorosas, mas vou deixar que elas sejam a terra onde posso plantar essas histórias".

O que realmente me cativou foi a história mágica de como ele entrou na CalArts por acidente: Depois de ter os desenhos que fazia de personagens de desenhos animados americanos - o que ele achava que lhe daria um emprego - duramente rejeitados, ele acidentalmente deixou seu portfólio de pintura, contendo seus trabalhos pessoais, sobre a mesa. "Você não desenhará as coisas que acha que as pessoas querem ver!", disse o revisor do portfólio, o venerável Jules Engel, com quase 90 anos na época. "Você desenhará as coisas que saem de você - que você sente!"

Ele lutou muito na década seguinte, trabalhando em todos os tipos de empregos nos estúdios de Hollywood, sendo contratado e demitido, e até mesmo tendo suas propostas rejeitadas com base na raça. (O início da década de agosto foi uma época terrível). Mas ele sempre fazia limonada de alguma forma. Especialmente surpreendente é sua história de ter sido demitido após o 11 de setembro, quando a Sony fechou toda a sua divisão de animação, e de ter iniciado imediatamente seu próprio estúdio, pegando alguns dos computadores e scanners abandonados e levando-os em carrinhos de compras.

Mas a mais engraçada, sem dúvida, foi sua apresentação desastrosa e despreparada para Guillermo del Toro para produzir O Livro da Vida, na qual ele deixou sua arte Concepts no carro e entregou um roteiro no qual havia derramado tequila. Del Toro considerou o fato como o "pior arremesso que ele já viu". ...Apenas para revelar que era um fã de longa data da série de TV El Tigre, de Gutierrez, e aceitar com entusiasmo.

Ele termina falando sobre suas paródias de arte de rua mexicana de figuras da cultura pop e, em seguida, discute (até onde lhe é permitido) seu próximo épico de fantasia para a Netflix, Maya and the Three.

&Uma sessão de perguntas e respostas com Elizabeth Garcia, da Wacom, traz à tona sua última e mais inspiradora história: o discurso de seu pai sobre ser o melhor de si, que ele chamou de "supermacho". (E não é o que você provavelmente está pensando. Descubra você mesmo).

Alguns desses painéis podem ser resumidos em um texto, mas se você escolher apenas um para realmente assistir, que seja este.

Sério, assista a este.

Parte 2

Agora é noite nos EUA, portanto, é aqui que a parte em inglês da transmissão termina. Nas palavras de Ghostface, "Agora é a vez do Japão, a Terra deu a volta por cima".

Aqui está o canal da metade do Japão, que contém todos os vídeos abaixo e muitos outros.

11 PM (1 PM JST) - Por que o Connected Ink?

O pontapé inicial dessa parte da noite é um discurso de Nobutaka Ide, CEO da Wacom Japan, uma figura que, admito, não conheço. De calça de moletom, camiseta preta e (um detalhe que só notarei em um painel futuro) dois cachecóis, ele não se parece muito com um CEO, mas exatamente com o CEO de uma empresa de artes e tecnologia. Seu discurso tem trilha sonora ao vivo de um pianista que, como diz o tradutor, "[toca] as teclas nesta palestra", um trocadilho que presumo que também funcione em japonês.

Ide nos conduz pela história do Connected Ink, desde seu humilde início em Las Vegas (não onde eu imaginaria), onde apenas vinte pessoas participaram e não havia público on-line, até hoje, quando ocupa um centro de convenções em Tóquio e é um evento de streaming multiplataforma.

A missão da Connected Ink mudou, diz ele. Embora tenha começado como um mero evento corporativo, "o evento está se movendo em direção a algo mais fundamental para os seres humanos", acrescenta o CEO da CELSYS em um videoclipe.

O objetivo da empresa como um todo também mudou, diz ele. Quando começou, ele estava pensando em pouco mais do que apenas mover unidades - mas agora, a missão da Wacom se tornou o que ele resume com a frase "Dogu-ya", que significa aproximadamente "vendedor de ferramentas". Pesquisando, dogu é uma condição que não se traduz exatamente em uma palavra em inglês, que significa "instrumentos do caminho". Talvez uma tradução do significado no contexto seria "dispositivo de canalização", já que, como Ide continua, o objetivo dessa nova Wacom é criar um meio completo para a arte fluir, não apenas periféricos de plástico. "Apoiamos a experiência de escrever e desenhar: Essa é a nossa missão."

Esse é um tema que será abordado em toda a metade japonesa: A diferença mais marcante entre os dois é que, enquanto as apresentações da Wacom America se concentram em casos de uso para a mesa digitalizadora, as da Wacom Japan se concentram em grandes visões e filosofias espirituais.

Ide descreve o crescimento da empresa com metáforas líquidas - em um momento, uma onda que atinge todos os envolvidos; em outro, um redemoinho que se autoperpetua, atraindo todos nós para o que ele chama de "caos criativo", alimentado pelo kotodamados participantes - um termo posteriormente definido como "uma energia vibracional implementada com a alma de alguém".

"Espero que todos nós possamos abraçar o caos criativo juntos", conclui.

Menções honrosas

11:30 PM (1:30 PM JST) -Live Experience Zone II

A seguir, uma demonstração do mui.

O quê? Ainda bem que você perguntou. Admito que tive problemas para acompanhar essa parte devido a um conflito de volume entre o microfone do apresentador e o do tradutor, por isso precisei me aprofundar um pouco para descobrir.

Em seu site

O mui (que significa "silêncio" em japonês, escrito em letras minúsculas) é um hub inteligente incorporado em uma placa de madeira. Ele tem uma tela sensível ao toque incorporada com uma interface mínima de luzes LED brancas que aparecem na superfície da madeira. Ele se integra ao Google Assistant e a vários dispositivos, pode controlar eletrodomésticos inteligentes, informar a previsão do tempo e lembrá-lo de eventos, como qualquer outro hub inteligente, e tem reconhecimento de voz, embora, como seu nome indica, responda por escrito. Criada por uma startup de Kyoto com o mesmo nome, ela foi projetada para ser discreta, se encaixar em estilos de design minimalistas e promover uma atmosfera calma. Ele não causará cansaço visual quando estiver sendo usado e não emitirá ruídos para distraí-lo quando não estiver usando.

Aparentemente, ele também integra a tecnologia Wacom: Nesta demonstração, o inventor Nobuyasu Hirobe mostra como você pode escrever nele com uma caneta stylus, e ele digitalizará sua escrita à mão e publicará a mensagem on-line.

Atrás da mesa onde a mui está sendo exibida, ele também trabalhou com a equipe de design KOPPA (que constrói todos os móveis da exposição da Wacom) para construir um arco misterioso. Ele tem o formato de uma casa muito simples, mas com uma passarela que o atravessa, e há várias murais anexados a ele, além de duas telas de LED. Ele o chama de Information Gateway.

Ao tocar em um dos muis, uma mensagem é exibida - não está traduzida, mas, pelo que entendi, parece ser um comentário de um visualizador japonês do Connected Ink. "As emoções e os sentimentos de nosso público on-line devem ser reunidos nessa cabana", explica Hirobe.

1:30 AM (3:30 PM JST) Como podemos apoiar o amor das crianças pelo desenho, hoje e no futuro?

Para este painel, Ide se juntou ao presidente da CELSYS, fabricante do Clip Studio Paint, e ao superintendente da escola de Ōiso, Kanagawa.

Essa também exigiu um pouco de pesquisa após o fato para juntar a história completa (embora o áudio estivesse bom): Ōiso é um subúrbio distante do metrô de Tóquio-Yokohama, uma pequena cidade litorânea a uma hora e meia de distância da convenção. Embarcamos em um projeto para dar uma Wacom One e uma cópia do novo "Clip Studio Junior*" da CELSYS a todos os alunos do ensino médio da cidade, avaliando os efeitos sobre a motivação e a criatividade dos estudantes. Aparentemente, eles adoraram. "Temos hardware e software de última geração, e as crianças ficam positivamente chocadas", diz o superintendente.

^{*Acho que esse pode ser outro nome para o Clip Studio Paint DEBUT.}

De forma encantadora, eles são acompanhados por videochat pelo prefeito de Ōiso e pelo diretor da escola, em frente a uma classe cheia de alunos com os rostos enterrados em seus Ones. Não posso falar com eles porque estão tão concentrados que não me responderiam!", diz o prefeito.

O CEO da CELSYS explica sua motivação para participar: Dar às crianças a mesma oportunidade que ele teve de descobrir a arte que o levou ao seu cargo atual. "Eu não era bom na escola, não era rápido na corrida, mas era bom em desenho. Desenhar e pintar me ajudaram a superar meus anos de escola, e a arte tornou minha vida mais rica", diz ele. "Se eu não tivesse conhecido a arte, acho que não estaria aqui."

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Este é o último painel que escrevi completamente antes de sair algumas horas depois, mas muito mais do conteúdo da Wacom Japan pode ser visto na lista de reprodução acima. (Ou, aqui, colocarei o link novamente). Há apresentações de música e dança, painéis sobre anime e mangá, painéis sobre o uso cotidiano de tablets e muito mais, que eu não consegui incluir.

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Impressões

Apesar de trabalhar para a Wacom, sinto que meus conselhos e recomendações não valem nada se não forem apoiados por uma certa dose de honestidade. Portanto, no interesse disso, direi que o Connected Ink não é um evento perfeito, e a principal área em que ele poderia melhorar é a acessibilidade. Isso se deve, em grande parte, ao fato de serem dois contras em um - e, de certa forma, quatro.

A Connected Ink é uma feira de arte e uma feira comercial, e talvez seja útil haver mais separação entre as duas.

Devido ao perfil demográfico dos leitores deste blog (em sua maioria artistas), alguns dos outros painéis que assisti, mas não escrevi, foram focados em casos de uso superespecializados: Como o do analista profissional de caligrafia Niko Kalantzis, sobre como identificar falsificações, ou sobre gerenciamento de direitos digitais e arquivamento de registros médicos. Alguns deles eram mais interessantes do que pareciam (especialmente o de Kalantzis), mas eram destinados a um público de nicho muito específico que poderia se beneficiar de seu próprio espaço e de promoções direcionadas, portanto, eles sabem onde encontrá-los.

A convenção já estava dividida em três "palcos", um palco principal para os eventos principais e dois palcos laterais com vários painéis acontecendo ao mesmo tempo: talvez um palco lateral pudesse ser exclusivo para painéis de artes e entretenimento e o outro poderia ser para painéis técnicos e voltados para negócios, com esforços de marketing diferentes para cada público.

Mas: O Connected Ink é uma coleção de joias em estado bruto. Como provam os painéis que destaquei, é muito mais do que um mero evento corporativo. Tenho empatia com a visão de Ide e entendo exatamente o que ele está tentando fazer com o evento: E, se ele continuar em sua trajetória atual, poderá se tornar uma grande convenção para artistas e pessoas que usam dispositivos gráficos para outros fins, mais não ortodoxos.

Pode ser imperfeito, mas vale muito a pena e, a julgar pela evolução desde o hotel em Las Vegas, acredito que ficará ainda melhor a cada ano.

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Sobre o autor

CS Jones é um escritor e ilustrador baseado na Grande Filadélfia, atualmente escrevendo e ilustrando um romance de estreia entre artigos. Você pode ver todo o seu trabalho, incluindo a maioria de suas contribuições para este blog, em thecsjones.com, ou segui-lo em @thecsjones no Instagram ou no Twitter.