Como Marco Bucci se tornou um artista profissional sem frequentar uma escola de arte

Salvador Dali disse certa vez: "Um verdadeiro artista não é aquele que é inspirado, mas aquele que inspira os outros." Marco Bucci é a personificação de um artista que Dali celebraria, pois Marco tem compartilhado generosamente sua arte, conselhos e inspiração criativa em seu popular canal no YouTube desde 2007.

No vídeo abaixo, Marco revela como se tornou um artista profissional, apesar de não ter frequentado uma escola de arte formal, e dá algumas dicas sobre como você pode buscar suas próprias paixões criativas, mesmo que a escola de arte não esteja em seus planos futuros. Ao mostrar várias de suas primeiras criações, Marco demonstra, com base em sua experiência pessoal, que desenhar bem é uma habilidade que você pode dominar se trabalhar duro, e que não é necessário ter talento inerente para ter sucesso.

Aqui está o conselho de Marco para aqueles que querem seguir a arte como uma carreira, sem se matricular em uma escola de arte.

1. Encontre métodos alternativos de obter instrução artística

Marco teve aulas em um estúdio local de desenho de vida em Toronto, de propriedade de Nick Kilislian. Em sua primeira sessão, posando como modelo nu, Marco tentou desenhar os contornos acabados do corpo logo de cara, da mesma forma que muitos artistas iniciantes fazem suas primeiras linhas. Logo ficou evidente que sua maneira de desenhar não estava produzindo os melhores resultados.

"Depois de ver alguns dos desenhos de vida de 3 a 5 minutos de Nick, ficou claro que minha abordagem ao desenho tinha que mudar fundamentalmente," disse Marco. E aqui estão algumas coisas que ele aprendeu ao longo do caminho…

2. Aprenda a desenhar com gestos

Nick mostrou a Marco como seu professor, Glenn Vilppu, desenhava algo chamado "gestures." Um desenho gestual não deve parecer acabado ou bonito; é um método de desenho projetado para capturar rapidamente a sensação de uma pose e pode indicar rapidamente coisas como peso, equilíbrio e movimento. "Não há regras para desenhar um gesto, mas um conselho que dou quando você desenha um gesto é que seja“gestual“. Isso o ajudará a encontrar as relações mais amplas em uma pose," aconselha Marco.

3. Compreender o ritmo de um gesto

O ritmo é uma linha abstrata que conecta graciosamente todas as partes de uma pose e ajuda a garantir que, juntas, elas se transformem em algo.  O ritmo de uma figura pode ser considerado como o “movimento” em suas formas. A linha média de uma figura define o movimento geral da pose e, portanto, seu ritmo.

4. Decompor a figura em formas básicas

A próxima lição que Marco aprendeu com Nick foi como decompor uma figura em suas formas básicas. Marco e Nick começaram colocando um pedaço de papel vegetal sobre uma fotografia de uma figura e a reconstruíram com caixas, elipses e cilindros. A decomposição de figuras complexas em formas simples ajuda você a ver as dimensões, a geometria e os volumes das figuras. Nick também o ensinou a fazer o esquadro dos cilindros, por exemplo, nos braços, para ter uma noção melhor tanto da redondeza quanto dos planos do braço. Marco também aprendeu a desenhar por meio da geometria e, ao adicionar elipses, cilindros e caixas fantasmas, teve uma noção de sua posição no espaço, o que lhe permitiu ter uma noção melhor da criação de figuras tridimensionais.

Foi durante essas aulas com Nick, em 2003, que Marco comprou sua primeira mesa digitalizadora Wacom.

"Eu estava convencido de que poderia me tornar um artista profissional e esse foi um grande momento para mim, então saí e comprei um tablet. Escolhi a Wacom porque, ei! ela é o padrão do setor e, acredite, já experimentei todas elas."

5. Compreender as formas

A forma é um componente fundamental que agrupa todas as informações e as entrega ao visualizador de maneira digerível.  Uma figura pode ser completamente trabalhada em um gesto, mas a adição das formas confere um nível de sofisticação ao desenho. Aqui está um exercício simples que Marco sugere para aprimorar sua compreensão das formas: desenhe uma forma básica (como um quadrado) e, em seguida, redesenhe-a um pouco inclinada, quase como se uma força tivesse sido aplicada a ela. Desenhe-o novamente, mas adicione uma curva em um dos lados. Para adicionar dimensão, tente adicionar contornos transversais sobre a forma.

6. Mantenha a silhueta livre

Uma silhueta clara lhe dá muita liberdade para criar as linhas internas de um personagem. Se você conseguir preencher um desenho de modo que tudo o que veja seja a forma, e a figura ainda estiver legível e compreensível, então você desenhou uma boa silhueta.

7. Experimentar o uso de formas tematicamente

Às vezes, basear suas formas em um tema pode ajudá-lo a chegar a um bom design, mas deformar ou distorcer as formas e variar os tamanhos ajudará a minimizar a repetição. Marco dá um exemplo de 2002, quando Chris Sanders trouxe suas formas redondas características para o filme de animação Lilo and Stitch. Ele ressalta que essa foi uma escolha estilística, mas que é derivada das lições visuais da vida.

8. Evite a simetria repetitiva

Marco adverte contra a simetria repetitiva, que quase nunca é vista na natureza. Em vez disso, ele sugere que você experimente o que ele chama de "offset symmetry."  Marco nos dá o seguinte exemplo:

Ele traça as curvas do músculo da panturrilha, marca os pontos de ápice e desenha uma linha através deles. A simetria ocorre na diagonal. "No guia de estilo deLilo e Stitch , há uma advertência contra a simetria óbvia. Há duas soluções: compensar a simetria ou colocar duas linhas totalmente diferentes uma contra a outra."

Ele continua: "O olho simplesmente gosta de variedade, e todos os artistas que estudei têm a questão da curva versus a reta em seu vocabulário visual, mas não é a curva ou a reta que é importante. É a dinâmica “algo versus algo” e como eles se comparam."

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