Cómo Marco Bucci se convirtió en un artista profesional sin ir a la escuela de arte

Salvador Dalí dijo una vez: "Un verdadero artista no es el que está inspirado, sino el que inspira a los demás." Marco Bucci es la encarnación de un artista que Dalí celebraría, ya que Marco lleva compartiendo generosamente su arte, consejos e inspiración creativa en su popular canal de YouTube desde 2007.

En el vídeo que aparece a continuación, Marco revela cómo se convirtió en artista profesional a pesar de no haber asistido a una escuela de arte formal, y te da algunos consejos sobre cómo puedes perseguir tus propias pasiones creativas aunque la escuela de arte no esté en tus planes de futuro. Mostrando varias de sus primeras creaciones, Marco demuestra por experiencia personal que dibujar bien es una habilidad que puedes dominar si te esfuerzas, y que no necesitas un talento inherente para tener éxito.

Estos son los consejos de Marco para quienes quieran dedicarse profesionalmente al arte sin matricularse en una escuela de arte.

1. Encuentra métodos alternativos para obtener instrucción artística

Marco tomó clases en un estudio local de dibujo al natural de Toronto, propiedad de Nick Kilislian. En su primera sesión, posando como modelo desnudo, Marco intentó dibujar de entrada los contornos acabados del cuerpo, del mismo modo que muchos artistas principiantes trazan sus primeras líneas. Pronto se hizo evidente que su forma de dibujar no producía resultados óptimos.

"Después de ver algunos de los dibujos del natural de Nick, de 3 a 5 minutos de duración, quedó claro que mi enfoque del dibujo tenía que cambiar fundamentalmente," dijo Marco. Y he aquí algunas cosas que aprendió por el camino…

2. Aprender dibujo gestual

Nick le mostró a Marco cómo su profesor, Glenn Vilppu, dibujaba algo llamado gestos "." No se supone que un dibujo gestual tenga un aspecto acabado o bonito; es un método de dibujo diseñado para captar rápidamente la sensación de una pose y puede indicar muy rápidamente cosas como el peso, el equilibrio y el movimiento. "No hay reglas para dibujar un gesto, pero un consejo que te doy cuando dibujas un gesto es que seas“gestual”. Hacer esto te ayudará a encontrar las relaciones más amplias dentro de una pose, aconseja Marco a".

3. Comprender el ritmo de un gesto

El ritmo es una línea abstracta que conecta con gracia todas las partes de una postura y Ayuda se asegura de que juntas sumen algo.  El ritmo de una figura puede considerarse como el “movimiento” a través de sus formas. La línea media de una figura define el movimiento general de la pose y, por tanto, su ritmo.

4. Descomponer la figura en formas básicas

La siguiente lección que Marco aprendió de Nick fue cómo descomponer una figura en sus formas básicas. Marco y Nick empezaron poniendo un trozo de papel de calco sobre la fotografía de una figura y la reconstruían con recuadros, elipses y cilindros. Descomponer figuras complejas en formas simples Te ayuda a ver las dimensiones, la geometría y los volúmenes de las figuras. Nick también le enseñó a cuadrar los cilindros -por ejemplo, en los brazos- para tener una mejor idea tanto de la redondez como de los planos del brazo. Marco también aprendió a dibujar a través de la geometría, y añadiendo elipses, cilindros y cajas fantasma obtenía una idea de su posición en el espacio, de modo que se sentía mejor creando figuras tridimensionales.

Fue durante estas lecciones con Nick en 2003 cuando Marco compró su primera Wacom tablet.

"Estaba convencida de que podía convertirme en una artista profesional y fue un gran momento para mí, así que salí y me compré una tablet. Elegí Wacom porque, ¡eh! es el estándar del sector, y créeme, los he probado todos."

5. Comprender las formas

La forma es un componente fundamental que empaqueta toda la información y la entrega al espectador de forma digerible.  Una figura puede elaborarse completamente con un gesto, pero la adición de las formas confiere un nivel de sofisticación al dibujo. He aquí un sencillo ejercicio que sugiere Marco para mejorar tu comprensión de las formas: dibuja una forma básica (como un cuadrado) y luego vuelve a dibujarla un poco torcida, casi como si se le hubiera aplicado una fuerza. Dibújalo de nuevo, pero añade una curva a uno de los lados. Para añadir dimensión, prueba a añadir contornos transversales que pasen por encima de la forma.

6. Mantén despejada la silueta

Una silueta clara te da mucha libertad para crear las líneas interiores de un personaje. Si puedes rellenar un dibujo de modo que todo lo que veas sea la forma, y la figura sigue siendo legible y comprensible, entonces has dibujado una buena silueta.

7. Experimenta con el uso temático de las formas

A veces, basar tus formas en un tema puede ayudarte a conseguir un buen diseño, pero deformar o distorsionar las formas y variar los tamaños te ayudará a minimizar la repetición. Marco pone un ejemplo de 2002, cuando Chris Sanders aportó sus características formas redondeadas a la película de animación Lilo y Stitch. Señala que fue una elección estilística, pero derivada de las lecciones visuales de la vida.

8. Evita la simetría repetitiva

Marco advierte contra la simetría repetitiva, que casi nunca se ve en la naturaleza. En lugar de eso, te sugiere que pruebes lo que él condiciones "simetría compensada."  Marco nos da el siguiente ejemplo:

Traza las curvas del músculo de la pantorrilla, traza los puntos del vértice y dibuja una línea que los atraviese. La simetría se produce en la diagonal. "En la guía de estilo deLilo y Stitch hay una advertencia contra la simetría obvia. Hay dos soluciones: compensar la simetría, o poner dos líneas totalmente distintas una frente a otra."

Continúa: "Al ojo le gusta la variedad, y todos los artistas que he estudiado tienen en su vocabulario visual el tema de la curva frente a la recta, pero lo importante no es la curva o la recta. Es la dinámica “algo contra algo” y cómo se enfrentan entre sí."

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